――シングル「うつらない/歩いてみたら」で想像はできていたんですが、ここまでアルバムとして明確な音像があるものになったことに驚きました。大きな理由としてどういうことがあったんでしょうか。 安部勇磨（以下、安部）　どういう理由が？（と、巽に振る） 巽 敬伍（以下、巽）　ああいう音像になった理由ね？っていうのは、2nd、3rdとがっつりとした音像の中でやっていたんですけど、今後バンドを長く続けていくにあたって、もうちょっとバンド４人だけじゃないいろんな要素を入れて、自分たちの音楽を拡張していくってことが、自分たちにも必要だし。世の中のイメージ的にも「こういうのもできる」っていうのを提示していくって中で、その「うつらない」と「歩いてみたら」のシングルを出すことになったんですけど。もともと勇磨の口癖というか、よく言ってたのが、音数を減らすであったりとか、アナログの機材のこだわりで。そういう話が去年の頭ぐらいからたくさん出てた中で、彼のイメージをどんどん再現するために、シングルからアルバムに流れる変遷があって、突き詰めていく形だったんです。 安部　ま、「やってみたい」というか。なんすかね？バンドやってきて１枚、２枚、３枚やって、僕らの環境も変化して行ったし、良くも悪くも多分、変化したし、始めた当初にはなかった、具体的に言うと機材を買ったーーオープンリールだったり、ギターだったり、ベースだったり、マイクだったり、最初はなかったものが揃ってきたりとか。そういうものが揃ってきた中で、やりたいことがまた変わってきたりとか、いいスタジオで録らしていただいたりとか。「マイクが違うとこんなに違うんだ。だったらこれできるかも」とか、やってきた中でいろんな気づきがあって、しかも気づくことがどんどん増えてって、そろそろ「あ、じゃあやってみたい」と。今までのことも踏まえた上でーーま、飽きてきたりとか、自分たちの中での鮮度が落ちてきたりしたので、僕は単純に好きな音楽の音とかもあり、今回はこういう音とかこういうアルバムになりましたね。

――アグレッシヴなぐらいの音像に聴こえるんです。 安部　ありがとうございます。 ――気持ちいいと同時に、例えば鈴木さんは「キック踏んでないんちゃうん？」ぐらいの圧のなさだし。 安部　ははは。 ――「スネアしか聴こえないんですけど？」ぐらいの。 鈴木健人（以下、鈴木）　そのぐらいの域、変化ではありますよね、前作と比べると。そのくらいに思ってもらえた方がこっちとしてもちゃんと変化させきれたんだなと思えるんでーーちょっと極端な感想ですけど（笑）、そう思ってもらえて嬉しいです、はい。 ――演奏してる人が全員見えるような音像ですね。 安部　ほんとに。シンプルになったからこそ、みんなの繊細な微妙な個性みたいなものがちゃんと出てるかなっていう風になりました。たっさんとスズケンも音数で二人の印象も出てくるし、その上で阿南が自由に弾くことで微妙なフレーズだったりとか、阿南の人間性も出るし、結果、それがスズケンやたっさんにも出てるし、僕の歌も乗っかって、歌が変わったり、お互いがお互いを生かし合っていいアルバムだなと思いますね。 ――しかも入り口と出口がはっきりしてるアルバムだし、奥山さんのアートワークも全部揃った時に非常に腑に落ちたんです。 安部　ああ、良かったです。

――先ずはどういう風にできて行ったんでしょうか。 安部　例えば1曲目（“Let’s do fun”）はずっと前からあった曲で、多分、僕が21〜22ぐらいの前のバンドから大元があって。ただ弦楽器でやるとなんか違うなとずっと思ってて。この「タンタタンタタ〜」ってフレーズがあったんですけど、弦楽器でやるとニュアンスが違うなと思う中で、色々経て、今の僕らならできるかもなとか、メンバーが脱退して、ギターも減って、そこでさらにいろんな音を入れてみたいなとか、僕も曲を作る段階でピアノの音が頭にあったりとか、マリンバ使ってみたいなとか。その曲は阿南に僕が「マリンバでやってみてほしい」って言ったらスチールパンでチョンチョンってやってたのが「いいね」みたいになって、それをそのまんま録ってみたりだとか。 2曲目（“STORY”）も大元はずっとあったんですけど、なんか阿南に「まぁまぁ普通の曲だな」と僕は言われた気がしてたんですよね（笑）。今までもあった感じだったというか。で、ちょっと悔しくてイントロの部分を思いっきり変えてみたり、今までだったら阿南が弾かなかったような、土臭いチョーキングをお願いしたり、色々頼んで。多分3枚目ぐらいまでのテンションでやったら、リズムでのほほんとして終わってたと思うんですけど。ちょっと阿南に言われたら、悔しくて「よっしゃ変えるぜ」と思って、そこから大まかにアレンジは変わりましたね。 ――ちなみに“Let’s do do fun”の始まりはドラですからね。 一同　（笑）。 ――ドラ始まりでスチールパンも鳴ってるというエキゾチックさって、安部さんが細野（晴臣）さんに対する造詣が深いだけに非常にネバヤン流の解釈みたいに思われても仕方ない部分もあると思うんですが、でもそれを敢えてやってる印象もあって。 安部　そうですね。今やってる人って、全然いないと思いますし、それにあんなにいい音楽なんだから、むしろ広めたいみたいなのもあるし。かと言って、すべての楽器が同じではないので、メロディもコード進行も違う中で、僕らなりのサンプリングみたいな方法は、やり方としてはありだなと思って。尊敬を込めてやりたいなと思いました。 ――ちなみに阿南さんが当初、“STORY”がそんなに良くない気がした理由は？ 阿南智史（以下、阿南）　僕、それ言った覚えがなくて。でも、確かに作ってる時は「単調だな」と思った気はしますね。レコーディングをやっていく過程で見えてきたと言うか、“Let’t do fun”にしても、ピアノを入れてもらったり。音響ハウスという、すごくいい音が録れるスタジオで、ギターとかベースを鳴らした時に、やっと空気感が自分でわかってきたと言うか。そこでだんだん、「あ、この曲面白いな」って。家で作った時はドラとかスチールパンもソフトの音源だったんで。ま、曲を作った人はイメージがあると思うんですけど、僕は割と……。 安部　わかってなかったんかい（笑）。 阿南　「どういう感じになるのかな」と思ってたけど、結果的にすごく面白いと思いました。 ――音数が少ないだけじゃなくて、エアー感も割と近いというかギミックが全くない感じです。 安部　空気感はほんと大事にしてて。マスタリングをしてくれた小鐡（徹）さんも、「このネバヤンの音は素朴ですごくいい音だ」と言ってくれて。だからなるべくシンプルに脚色をせずに少し押すぐらいにしたいと。他の音楽とか、今、日本にある音楽と比べたら音もちっちゃいし、ストリーミングとかいろんな曲の中でシャッフルで聴いちゃうと小さいかもしれないんですけど、大きくすることでなくなっちゃう空気感があるっていう風に言ってくれて。僕は2年前に細野さんのラジオに出させていただいて、やっぱり音を録る時はマイクがとても大切だと思うとか、細野さんたちの音源は空気感がすごくあると思ってて、そこをすごく意識していたので、そういう作品になったと思いますね。 ――逆に人間て聴こえないと聴こうとするので集中するんです。 安部　ああ、そうですね。 ――だし、楽器の数は増えてるのに全部の音が聴こえるという。なんか不思議ですよね、この感じ。 安部　なんか音数の少ないバンドはもういっぱいいると思うんですけど、その中でも、アレンジ含め、曲の密度は濃いものだと思います。 ――アルバム全体を通して安部さんは全然気楽なことは歌ってないし。 安部　ははは。そうですね。結構そうなんですよね。 ――そこも明快なアルバムだと思いました。 安部　そうですね。曲のテンポ感、リズム、アレンジ。やっぱりそれが音楽って面白いなと思うんです。それが入るだけでなぜかちょっと面白く聴こえたり、気楽じゃないはずなのに気楽に聴こえたりもするし、僕のそういう思いを音楽という素敵なものを借りて、伝えられたらいいなと思いました。 ――気楽なことを書いてないのはなぜなんでしょうね？ 安部　そんなに気楽な人なんていないと思うんですよね。気楽な人は多分当たり前にいろんなことを考えてるのかなとか。だけど、「気楽じゃない」とか言っても面白くないし、気楽な方が楽しいので、両極端にあることですけど、ほんとは同じようなものだと思ってて。歌詞を書くときはフラットな気持ちで、感情論にならないようにしたいとか。それはメロディやアレンジも同様で。このアルバムでは、ネガティヴでもポジティヴでもないっていう変な世界を作れたらいいな、と思いました。

――それは現実でもネガティヴとかポジティヴ、簡単に白黒がつかないからですか？ 安部　ポジティヴもネガティヴがあるからだし、ネガティヴもポジティヴがあるからで。なんか最近、ポジティヴだけが全てだったりとか、自分のことを悪く言って笑いをとったりとか、どちらもちょっと極端すぎるかなと思って。もうちょっと間というかフラットな感じで、ポジティヴな面もあるし、こういう寂しい面もあるよっていう、どちらの面もあるよっていうことは歌いたいなと思いました。 ――今回は情景を借りててもステートメントを感じるんです。 安部　そうですね。「そういう時もあるし、こういう時もあるよ」ぐらいの、なんかそういう気持ちをどう伝えられるかな、とかいうのを結構悩んで。あとは使ったことのない言葉を使ってみようとか、いろいろはチャレンジしたつもりですね。 ――ちょっと俯瞰して見る感じはわかります。ネバヤンって概して楽しいバンドって言われるじゃないですか？ 安部　実際楽しいんですけどね（笑）。 ――でもそれだけじゃないというか、それこそ間の気持ちというか。 安部　楽しいは楽しいだけじゃないから楽しいもので。全てが一言では言い切れないというか、すごく奥が深い世界であるから、そういうことを「楽しいは楽しいだけじゃないよ。でも楽しいが一番だし、何を辛いと思って何を楽しいと思うか」だと思うんで。だから今回、僕は全て楽しいんじゃない？っていう。ま、でもしんどいよね（笑）、ぐらいのテンションの歌詞が多いと思います。 ――今までも心情はそうだったんでしょうね。 安部　そうですね。言い方を変えてみようとか、アレンジが変わったことによってこういう言葉も言えるかもしれないとか、そのギャップが発生して面白いかもしれないとか。そういう無機質な感じ、言いかえるとあったかいのに距離があるような不思議な距離感のアルバムになったかな、と思いますね。 ――今そういうことを作品としてやっとかないと形にしないまま流れて行っちゃう感じはしますね。 安部　そうですね。そろそろやんないとヤバいって。もうこのアルバムを作る前は「次のアルバムは売れないぞ」とか（笑）、「氷河期に突入するから全員もう一回、下北沢THREEからワンマンをやり直すぞ」とか言ってたもんね（笑）。 鈴木　言ってたね。 安部　次のアルバムが売れるか売れないかわからないし、ただ明らかに今までの僕らとは違うものを僕はやりたい。他のメンバーも好きだとは思うけど、もう本当に振り切ろうと。あくまで一つの物差しに過ぎないけど、売れないかもしれないし、動員が下がるかもしれない。でも今やらないといけない気がする。だから「みんな今のうちに貯金しとこうね」って話はしてました。 ――（笑）。安部勇磨という人の先導ぶりというか、キーマンを信用して？ 安部　信用してんのか（笑）？ ――本人を目の前にしてなんですけど。 鈴木　やっぱ引っ張っていく力、強いんで、信頼は置けますね。 安部　どう思ってんだよ、お前（阿南に）。おい、流すんじゃないよー（笑）。 巽　ここは真剣に答えた方がいいよ（笑）。 阿南　まぁ、なんだろう？……割と僕はちょっと若干引いて聞くというか。「次はこういうことをする」とか、「こういう方向性でいく」っていうのは、否定するとかではないですけど、「よっしゃ行こうぜ」って肯定するわけではないというか、常に俯瞰して見させていただいていて。 安部・巽・鈴木　（笑）。

阿南　そっから、自分は何ができるかとか、あとはどういう風に面白い方向に行かせようかとかやります。まぁでも、なんだかんだ面白いと思いますね、勇磨の考えることは。自分と繋がるところはすごくあります。意外と根は考えてることが一緒で、そこに気づかされると自分のやるべきことや、このバンドでやるべきことが見えてくるというか、そういう感じはありますね。 ――ネバヤンのアルバム1枚1枚はその時にやることというか、特徴的なアルバムしかなくて。 安部　今もそうだなと思いますね。 ――同じようなものは出さないという意地を感じます。 安部　特に今回は強かったですね。ほんと阿南くんは、僕がどんなに熱く言っても「フハハ」とか笑って流すから。僕は傷つきますね、ほんとに。 巽・鈴木　（笑）。 鈴木　それで俯瞰して見て合致するとこあるなっつって気づかされてるわけじゃん。 安部　そうだね。 巽　根本は似てるのか……だから一緒にやってるんだろうなと思うところは。共感しないと進まないというか、一応チームだし。集団でやってることなので、みんなですり合わせて、話したりすることも必要ですけど、基本的にはやっぱり同じ理念の上でバンドを行ってるんだと思います。 安部　大人だな。 ――（笑）。 安部　コメントが素晴らしいです。 ――いや、貴重だと思います。安部さんぐらいアルバムのコンセプトのことをメンバーの前で話すバンドは珍しいし。 巽　いや、すごいですよ。 安部　でも今回のアルバムですごく感じたことがありまして。阿南くんが作った“Opening”とかはレコーディングの過程が全然やっぱ違うんですよ。僕は割とプリプロでやったものをそのままやって欲しいと考えますけど、阿南くんは割とその場でまたなんか「こうかな？」とか「もっとこうかな」みたいなのがあって、「このやろう！」、「早くしろよ！」みたいなところがあって（笑）。作り方が違って、それが面白いんだなって思いました。やっぱり人によって全然キャラが違うなと、今回のアルバムを通して強く思いました。 ――それは曲の役割が全然違いますからね。“Opening”はインストですし。 阿南　そうですね……。 安部　「そうすね」じゃねえよ！（笑）。お前は俺を軽くあしらいやがって（笑）。 ――ははは。ラストにこの“Opening”ってインストでありメンバー紹介を入れようと思ったのは？ 安部　9曲できてて、レコーディングのちょっと前に入場曲のSEを作りたいなとふと思いまして。自分たちの作った曲で入れたら面白いなとか思ってたので。で、みんなで話してて、次の日阿南の家に行ったら、「こういう曲あるんだ」ってだいたい出来上がってるものがありまして。そこにアイク（ぬわら）さんの声を入れたいねって話してたらできましたね。ね？阿南さん。 阿南　そうですね。自分がこのバンドで曲を作ってみたいなっていうのはずっとあったんですけど、なかなか実現できずにいて。今回のアルバムを作るプリプロの過程で、さらっと作った曲なんですけど、勇磨が歌って、他のメンバーが演奏するっていうちゃんとしたものを想定すると、アルバムの曲も結構できた時期だったので、作品のコンセプトに寄り添うのを作るのが難しいなと思ったんです。それでSEだったらいいかなと思って。「SEが欲しいね」みたいな話してたから、なんかそういう感じの曲作ろうかなと思ってフランクに作ったんで、結果的にそれがちょっといびつなスパイスになったというか、なんかいきなり夢から覚めるみたいな、最後にこれを置くことによって。そういうスパイスにはなったかなと。 ――確かに“Opening”までがそれこそ宇宙人との遭遇みたいな。 安部　そうですね。そういう繋がってることがあると思います。 阿南　なんか“Opening”はディズニーランドとかユニバーサルスタジオで、最後に（乗り物から）降りて、ナレーションが「なんとかなんとかで気をつけてお降りください」みたいのを言ってる感じに聴こえますね。 安部　最終的には自分たちも多分ディスニーランドみたいになりたかったんです。細かいサービスが色々散りばめられてるじゃないですか、ディズニーランドって。でも最後に残る感想は「楽しかった」という、シンプルなもの。そういう曲がいいなというか、アルバムになりたいなっていうところを今、思いました、阿南くんの話を聞いて、はい。

――ああ、なるほど。＜フジロック＞の話に移るんですが、今年は2年ぶりの出演ですが、みなさんはお客さんとして＜フジロック＞に行ってましたか？ 鈴木　僕は昔っからキャンプとかしてて、すごい大好きなフェスだったので。みんなは違うと思います（笑）。 安部　僕は一回も行ったことなかったです。出演した時が初めてですね。 巽　僕も一度も無いですね。同じように、出演した時が初めてでした。 ――バンドにとって＜フジロック＞はどういう作用を及ぼしてますか？ 安部　1年間のご褒美じゃない？ 巽　そうだね。日本国内でも、フジロックに出たいバンドがたくさんいて、出られない中、何回も呼んでいただけるのはとても光栄です。 安部　1年間で一番のーーいろんな一番がありますけど、一つわかりやすくすごくテンションが上がるし、ほんとに楽しみなフェスだなって。 ――何がそうさせるんだと思いますか？ 安部　やっぱラインナップとかじゃないですかね。海外の方がいっぱいいたりとか、それに伴い音楽のこと好きなお客さん、国内でも特に好きな方が来るであろうっていう、環境とか、そういうところがテンション上がるんじゃないですかね？みなさん。 巽　日本国内で一般的に開催されているフェスの出演者は、もちろん日本国内のアーティストがほとんどですが、フジロックは勇磨が言っている通り、国内外の数多のアーティストがクロスオーバーして、さらに苗場という山奥でほぼ1日中どこへ行っても音が鳴り続けている。それは夢の中にいるようで。ある種、社会から断絶されている場所というのが、来場者や出演者を解放させて、そう感じさせていると思います。 ――一昨年の思い出はありますか？2回出演しましたが。 安部　レッドマーキーのライブ、とりあえずみんなもうちょっとできたねみたいな話して、なんかテンション上がりすぎてアレだったねみたいな話して、そのあとの苗場食堂が楽しかったね。 阿南　緊張しましたもん。 巽　レッドマーキーは緊張したね。 ――苗場食堂は「壊れるかも？」って思いましたもん（笑）。 鈴木　確かに（笑）。 安部　苗場食堂は「ああ、気持ちよかった〜！」みたいなね？ 巽　高揚しました。はい。 ――今年は3日目の出演ですが、3日とも行きますか？ 鈴木　3日とも行きたいですね。 ――バンドマンで＜フジロック＞に行く前提でスケジュールを組む人と、全然他のイベントとか仕事があるから行かない人がいると思うんですけど、基本的に行く前提なんですね。 鈴木　なんかそうなってて（笑）。 安部　みんなで旅行するみたいな気持ちもあるよね？ 巽　そうだね。仕事だけど仕事じゃ無い、みたいな。一リスナーとして楽しんでます。 安部　自然の中で。 阿南　だし、いろんなアーティスト見て学ぶことがあるんで。去年は行かせてもらって、ま、ちょろっと出たんですけど。単純に３日間動くの体力的にしんどいなとか思うんです。だから割と目上のミュージシャンたちが、そうやってライブの日だけ仕事と割り切って帰るのもすげえわかるんですけど、まだ学びたいことがめちゃくちゃあるんで、存分に楽しみたいって感じですね。 ――今年の第一弾もそうでしたけど、去年からちょっとラインナップも変化してきて。20年以上経ってそろそろ安定か？と思ったら、むしろ面白くなってきて。 安部　面白いですね。若手から中堅の人がすごい面白い人がいっぱいいるなって印象があって。若手の人が面白くて、気になる人がいっぱいいるっていうのはいいなと思いましたね。 ――みなさん各々これは絶対見たいってアーティストはいますか？ 安部　僕、TORO Y MOIとKing Gizzard & The Lizard WizardとKHRUANGBIN。KING GIZZARD絶対見たいな。あとCakeとか何気にALVVAYS。 鈴木　King Gizzard & The Lizard Wizard見たいですね。でも全然、名前もわかんないバンドが夜、外の小屋でやってるのとかを見たいですね。ビッグネームとかと別に。意外とそういうのが面白かったり、新しいと思えるのが多かったりするんで。 阿南 JAMES BLAKEが一昨年見てめっちゃよかったんで、今年も見たいです。KHRUANGBINはこの前も見に行ったっすけど、また野外で見たいなと思いましたね。 鈴木　KAYTRANADA、来日見れなかったからちょっと見たいですね。 巽　COMET IS COMINGというUKジャズのバンドが楽しみです。近年、Ezra CollectiveやJoe Armon Jonesなどと一緒に盛り上がってるシーンのバンドで。あとはDaniel CaeserやSHAMEも楽しみです。 ――第一弾発表の時に今年はバランスがすごくいいなと。 阿南 すごいいいバランス。JANELLE MONAEとかもパフォーマーとして気になる。 ――巽さんがラジオで紹介していた……。 巽　ああ、STELLA DONNELLYも出ますね。オーセンティックなギターロックなのに、構成やリフがユニークなので、見てみたいです。 ――ではnever young beachとしての抱負を。 安部　どこでやるのかまだわからないですが、溢れるほど人来て欲しいですね。そしてね、今までで一番いいライブしたいですね。 鈴木　一昨年のレッドマーキーの時は単純にお客さんはすごい盛り上がってたんですけど、緊張してたので、今回はさらに冷静な中に熱量があるライブをしたいですね。

INTERVIEW：TOYSORRY

ｰｰ自己紹介をお願いします TOYSORRY（トイソーリー） 可哀想なオモチャ、オモチャたちごめんね、というダブルミーニングさ！ ｰｰ作風について教えてください。 オモチャをバラバラにして、くっつける。子供の頃にやったあの感じだよ！ 大体の作品が動くのが特徴かな。

ｰｰご自身のスタイルに影響を与えたと思う人や物はありますか？ そりゃあもうトイストーリーのシドさ。 アイツは最高にイケてる。子供の頃トイストーリーを観たときに、もちろん主要なキャラも好きだったけどシドの作ったオモチャは最高にイケてて、夢中になったよ！ ｰｰどんな音楽を聴いていますか？ ロックやパンクを良く聴くけど、普通のはもう飽きたね。なんでもそうなんだけどアイデアやユーモアがある音楽が好き。そういう意味では最近になってクラシックがブームになりつつあるかな！いわゆる交響曲ってやつ。あの手の音楽はアイデアだらけでホントにクレイジーだと思うね。 ｰｰ好きなものを3つ教えてください おもちゃ ピザ 映画

ｰｰTOYSORRYの作る作品ひとつひとつにはストーリーがついていますよね。ご自身で考えているのですが？ストーリーを先に作り、製作に入るのですか？ 実は俺が作ってるものもあるんだけど、友達と一緒に作ってるものもあるんだ。 最高にクールな友達がいて、そいつと一緒に考えてる。俺には思いつかないセンスの話が出てくるから楽しいよ。 ｰｰ沢山のおもちゃを解体してまた組み立てていますが、どこでパーツを仕入れていますか？ セカンドハンドショップや、時にはゴミ箱、友達がくれたりするよ！ おもちゃをついついパーツで見ちゃう時もあるね。こいつの腕、すげえいいな、、みたいなさ。そういうときにすごい悩むんだよな、大抵諦めるんだけど。 ｰｰ全て動くように作られているのがすごいと思いました。ひとつの作品を作るのにどのくらいの時間がかかるのですか？ ものによるんだけど、基本的に仕事の合間に作ってるから時間がかかるものは2ヶ月かかることもあるし3日で出来ちゃうものもある。ただ基本の動きはもともとある製品をいじってるだけだからそんなに難しいことはしてないよ！誰にだって出来る。イケてる見た目に出来るかはそいつ次第だけどね。 ｰｰ今やりたいことはありますか？ 東京観光だね！ オモチャももちろんだけど色んな文化に触れてみたいよ！ ｰｰ読んでいる方に一言お願いします。 インターネットを信じ過ぎない方がいいぜ！

TOYSORRY

昔々2人の男の子がいました。彼らは双子の兄弟であり、同時に最高の親友でもありました。彼らは互いにバスケットボールへの情熱を持っていました。いつかプロのバスケットボール選手になることが彼らの生涯にわたる夢でした。彼らはどちらも才能のある選手でした。 ある夜、マッドサイエンティストたちが彼らの家に侵入しました。大量の血、幾重もの悲鳴、実験と拷問でいっぱいの人生最悪の夜でした。 少年たちが意識を取り戻したとき、彼らは彼ら自身が不気味で狂った機械になっていることに気づきました。彼らはモンスターロボットになってしまったのです。彼らの頭は長いゴム製の首を持つ家に取り付けられており、足は戦車になっていました。それはもう恐ろしい光景でした。彼らのプロバスケットボールの夢はその夜打ち砕かられました。 しかし彼らは全てを失ったのにも関わらず、まだお互い意識 持っています。彼らはまだ双子の兄弟であり、まだ最高の親友です。彼らはただ奇妙な機械な体になってしまって動けなくなった、それだけです。

－－もともと絵を描くようになった経緯を教えてください ずっと趣味で絵は描いていましたがきっかけは旅先での体験が大きかったです。 ガバが好きだったのもあり、二十歳くらいの頃DJをしている友達に誘われてオランダに行きました。 そのとき日本の企業の保養施設をスクワットしている人達にお世話になり、お礼のつもりで絵を描いたら、すごく喜ばれたんです。滅茶滅茶大きなリアクションをくれてそれが一つの成功体験になっていると思います。 また日本に帰ってきてからその友達がDJをするパーティのフライヤーを頼んでくれる様になりました。 そのフライヤーを見たアーティストやDJが色んなイラスト製作を頼んでくれるという流れができて今に至っています。 －－手書きで書いていると聞きました。どんな風に制作してるのでしょう？ 最初はエンピツを使ってました。 ただ、エンピツで描く人みたいなイメージが出来てしまって正直製作がキツくなってしまいました。 筆圧が調整できないので腕が痺れてきたり、エンピツだけになると長くは続けられないなと思いました。 それからエンピツで描いていると描いたり消したりがほぼ無限に出来てしまうので、キリがないというか際限なく製作に没頭してしまうので、最近はペンを使って製作しています。 ライブペイントの時は乾くのが早いのでポスカをよく使います。

－－個人的にはサバーバンベースやムービングシャドウなど、90年代のUKレイブカルチャーのアートワークからも影響を受けてる感じがするのですがどうなんでしょうか？　影響受けたアーティストや好きなミュージシャンなどいれば教えてください。 レイブカルチャーのグラフィックはあまりよく知りらなくて、フライヤーを描き始めた頃、参考にしていたのはサンタクルーズのスクリーミングハンドで有名なジム・フィリップスです。 線が太く、激しい色使いにも影響を受けたし、画集のフライヤーやポスターをよく見て参考にしていまいた。 もっと振り返るとビックリマンシールのイラストがあって、正方形の中にキャラクターがドーン！と載るバランス感は子供の頃に完全に刷り込まれました。 あとレイブカルチャーで言えばnendo graphixxの影響がかなりデカイと思います。 中高生の頃、東京堂やshop33に行って、買えないけど色んなテクノっぽいデザインを眺めるのが好きで、その中でもnendoはダントツに格好良かったし、今も憧れの存在です。 あとは漫画が大好きで、最近は花輪和一を集めていてよく読んでいます。

－－作品に昭和っぽさが出る時があるのはガロ周辺の漫画家さんやビックリマンの影響だったのですね。今後の活動予定ややりたいことを教えてください。 新宿ドゥースラーというバーで毎月第1水曜日に「実録!!カナト漫画道場」というラウンジで漫画を描く修行をしています。毎月自分の聴きたいDJにお願いし、その人の選曲をBGMにお客さんの出すお題に合わせて即興で漫画を描くというラウンジです。 これまで自分の描きたいものしか描いてこなかったのと、一枚の絵に集中しすぎて力を抜いた動きのある線を描けなくなってきたので、リハビリの為に始めて今年で3年目に入りました。 ーーストーリーを描きたいのですか？　絵を描きたいのですか？　漫画を描きたいのですか？　どこに興味があるのでしょうか？ 全部です。 1枚のイラストや絵画じゃ伝えきれない事も、漫画で誰かの琴線に触れる事ができるかもしれないし、絵や美術にそれほど興味がなくても、漫画が好きな人は多いじゃないですか。 元々自分も漫画が大好きで漫画家という職業を神格化して、俺なんかには到底無理だとずっと敬遠してきました。 ただ、だんだん歳をとってきて、このまま漫画を描けないまま死んだら本当に後悔するだろうなと思い、だからこそチャレンジしたいという気持ちがあります。 －－個展を開催にあたってコメントを最後にお願いします。 フライヤーや、ジャケットの原画やライブペイント等、自分のこれまで描いてきた絵をいっぺんに並べました。 展示のスペースはそんなに大きくないですが、LAID BUGは雰囲気の良い所で椅子もあってゆっくり出来るので、是非家族や友達も連れて遊びに来てください。 俺のことを知らない人にも気軽に来てもらえたら嬉しいです。よろしくお願いします。

──昨年リリースされた最新作『INDIGO』が、どのような経緯で生み出されたのか教えてください。 ジャック・テイタム　僕は今ロサンジェルスに住んでいて、家の外にプライベート・スタジオを作った。それって人生初のことなのだけど、おかげでいつもとは仕事のスタイルが大きく変わったんだ。それまでのやり方というのは、日常生活の中でアイデアが浮かんでくるのを待って、それをいかにキャプチャーするかに重きを置いていたのだけど、今回はスケジュールを立てて定期的にスタジオへ通い、その限られた時間の中でどれだけクリエイティヴなことが出来るか？を試したんだよ。 ──なるほど。前作『Life of Pause』（2016年）よりもパーソナルな印象なのは、制作スタイルの変化も影響していると思いますか？ ジャック　それもあると思う。僕の音楽づくりにアイデンティティは大きな位置を占めているし、自分が好きなジャンル、ルーツを自分なりにどう表現するか？はとても大事なことだからね。今作では、歌詞もパーソナルな要素が強い。自分自身の人生や、自分と近しい人たちとの関係について、より深く向き合いながら書いているからね。そうすることで、自分や「他者」をより深く知ることが出来たと思う。 ──前作にあったソウル・ミュージックのエレメントが控えめになったのも、この制作スタイルが影響している？ ジャック　おそらくね。もちろん僕はソウル・ミュージックの大ファンだし、君の言うように前作ではその部分にフォーカスすることを試みたのだけど、今回はもう少し「原点回帰」というか、以前やっていたアプローチに戻ろうとしたんだ。80年代ポップやニューウェイブのエレメントは、僕にとって最も自然に心地よく出せるものだからね。 それに、もうこのプロジェクトを始めて10年以上経つんだけど、そうなってくるともうワイルド・ナッシング自体が「僕個人のもの」ではなくなってきていると思うんだよ。いろんな人が関わっているし、リスナーが僕に期待していることもある。そうやって考えたときに、「今必要とされているもの」「今やるべきもの」を考えてみたんだ。 ──『Indigo』というアルバム・タイトルは、スマートフォンのブルーライトの比喩だと聞きました。これはそもそも「AIと人間が融合した姿」をテーマにした、“The Closest Thing To Living”という楽曲の歌詞から思いついたものだそうですね。「テクノロジーによる人間性と、その変化」をアルバム全体のテーマにしたのは何故だったのでしょう。 ジャック　説明が難しいな……（笑）。何故だか自分でもよく分からないのだけど、以前からAIやVR、未来世界なんかにすごく興味があって、そういう書物も色々読んできたんだよね。それって僕の中の「オタク的な要素」の一つなのだけど（笑）。将来的には肉体という「容れ物」も要らなくなる、みたいな話を聞くと「人生って一体なんだろう？」「意識とは？」なんて考えざるを得ない。 ──そんな未来について、あなたはポジティブに考えていますか？ ジャック　ポジティブとネガティブ、どちらの道もあり得るよね。医学が進歩すれば、人はもっと長生き出来るようになるかもしれない。その反面、肉体が消失したディストピアが広がる可能性だってある。ただ、僕個人の意見を言わせてもらえば、人類はこれからも様々な局面にぶち当たりながら、その都度対処し力強く生きていくんじゃないか？と思っているよ。「起きたことは受け入れる」という姿勢が大事なんじゃないかな。

──ちなみにSFは好き？例えば『ブレードランナー』とか……。 ジャック　好きだよ。タルコフスキーの『惑星ソラリス』とかね。『ベルリン・天使の詩』のようなファンタジー映画も大好きだし、自分の音楽への影響も、多少はある気がするな。作品に漂うムードだったり、流れている音楽だったり。今回『INDIGO』の“The Closest Thing To Living”で取り上げたテーマはものすごく規模が大きいものだけど、アルバム全体では他にも色々なところから影響を受けているんだ。最初に言ったように、非常にパーソナルなことも歌っているしね。 ──そういえば、「Wheel of Misfortune」という曲では“ヴェローナ”というフレーズが出てきます。対訳を読んだら、「スズキ・ヴェローナ（スズキが米国・カナダで販売している中型セダン）」のことだと注釈がありました。 ジャック　いやいや、“Chewing gum stuck to Verona”は、“スズキ・ヴェローナにガムをひっつけて”という意味じゃない（笑）。ヴェローナっていうのは『ロミオとジュリエット』の舞台としても知られるイタリアの街で、ジュリエットの家が観光地になっているのだけど、訪れた人たちは小さな紙切れに自分の願い……幸運や恋愛成就を書いて、チューインガムで壁にそれを貼り付けるのが慣わしになっているんだ。 ものすごい数の紙切れが貼り付けられているのだけど、それって綺麗な場所をわざわざ汚くする行為だと思わない？そういう矛盾について歌っている。その前段のライン“Blown a kiss or blown a bubble（投げキスか、シャボン玉か）”も、投げキスやシャボン玉は「キレイなもの」とされているけど、見方を変えれば唾を飛ばしたり、シャボン液を撒き散らしたりしている行為ともいえるよね（笑）。 ──そういうことだったんですね（笑）。前作には「Japanese Alice」という楽曲もあったので、日本がインスピレーションの元になることが多いのかなと勘違いしていました。 ジャック　ちなみに「Japanese Alice」は、初めて日本を訪れた時の喜びをそのまま歌っている。ずっと前から僕は日本にものすごく興味があったし、行ってみたいと思っていたから物凄くインスピレーションが湧いたんだ。いつも付けている日記を引っ張り出してきて、そこに書いてあったことにそのままメロディをつけたよ。 ──ところで、『INDIGO』アートワークはどんな意味があるんですか？ ジャック　なんの意味もないよ（笑）。 ──（笑）。ちょっと人にも見えますよね。メタリックだし、さっきおっしゃっていた「AIと人間が融合した姿」なのかと。 ジャック　ああ、なるほどね。でも、これは見た人それぞれの解釈に任せる異にするよ（笑）。作者はアーロン・デントンというアメリカのポスターデザイナーだ。アルバム・ジャケットでは、他にもアシッド・ダッド（『Acid Dad』2018年）やエイミーO（『Elastic』2017年）などの作品も手がけている。今回は「写真ともドローイングとも取れるような、不思議なデザインにしてほしい」とだけリクエストした。そうしたら何パターンか用意してくれたので、その中からセレクトしたんだ。

──今年1月には新曲「Blue Wings」をリリースしましたよね。キュアーやスミスあたりを彷彿とさせるサウンドだなと思いました。 ジャック　実をいうと、この曲は『INDIGO』のレコーディング中に作ったんだ。最後の最後まで候補に残っていたのだけど、アルバムの中ではしっくり来なくて外した。シンセ色がちょっと強いんだよね。まずベースラインが思いついたのだけど、君のいうようにキュアーっぽいなと思った。そこから色んなフレーズを重ねていく中で、キュアー以外の要素も含まれていったよ。 ──掛け合いで入っている女性コーラスは誰ですか？ ジャック　いや、実は僕なんだ（笑）。結構高い声が出せるんだよね。メイン・ボーカルであんなに高い声を出すことは滅多にないけど、レコーディング中に思いついた女性コーラスのパートを、誰かを呼んできて取る時間ももったいないし探すのも面倒だと思ったら自分で歌ってしまうことはよくあるよ。 ──『INDIGO』のレコーディング中に出来た曲ということは、これが次のアルバムの布石になっているわけでもないんですね？ ジャック　どうだろうなあ（笑）。割とすぐに気が変わるタチなので、で今の時点ではなんとも言えない。ただ、他にもまだ良さそうな曲が『INDIGO』のレコーディングでできたので、それも今年中にEPで出したいと思ってる。楽しみに待ってて。

――先日「CHOICE」がリリースされましたが。リズムのアプローチも全然変わって面白い曲ですね。 そうですね。ソロプロジェクトというか、1アーティストとしてのあり方を去年ないし、最初のリリースから色々考えつつ。去年で自分の中での土台は作れたような気はしたんですけど、新しい年になった時に結構この先をどうやって生きていくかというところで、考えてて。 ――大きなテーマですね。 ま、なんとなくなんですけどね（笑）。例えば5年後とか。何かに追われてはいけないなと思って。レーベルとこういうタイミングでこういうの作ったらいいんじゃない?　って話をしたりとか、そういう物事を順序よく進めるっていうのは自分の中で大事なんですけど、やっぱり創作においてはやりたいことを自由にやり続けるために嘘をつかないというのはなんとなく、今年は特に大事したいというのは思ってて。 “CHOICE”とかも、基本的に生楽器は今回入れない、要はPC上で完結するもんだったりとか、別の環境から録ってきた音を使っただけのものだったんです。マルチプレーヤーと称されることが多い中で、かと言って別に楽器を触らないといけないというルールは誰も作ってはないですし、それは音楽のジャンルも然りだと思うので、“CHOICE”が全てを物語ってるというよりはやってみたいことの一つとして割と電子的なアプローチをやってみようかなという、アイデアの破片をちゃんと形にしたものというか。ですし、今年に入って、色々自分の中での可能性の幅がすごく広がってきたからこそ、一つの破片として、まず最初にこの“CHOICE”をリリースできて、そこはすごいよかったかなと思ってますね。 ――活動が長期展望というか、短観ではないんだなということがこの曲でわかりました。 まぁそうですね。やっぱり何かを作るのであれば、やっぱり愛されるってことも大事ですけど、自分が愛すべきものを作らないといけないと思うんで。そこが、いっときにいい盛り上がりがついてっていう喜びで終わってしまうよりかは、ずっと続く喜びをちゃんと自分の中に、とどめていけたらなと、なんとなく思いながら最近生きてますね（笑）。 ――いい意味でTENDREどうなっていくのはわからないなという謎が生まれた感じがします。 具体的にやりたいこともいっぱいありますし、それが例えばよりおっきい会場でってことだったりとか。でもあまりそれに照準を定めすぎちゃうと、そこに向かってる時に色々失ってしまうものもあったりするんじゃないかなと思って。やっぱその場で巡り合った何かのタイミングだったりとか、人だったりとか、音だったりもそうですけど、それをいかにちゃんと自分の中で鮮度をいい状態で捉えられるかだと思うんで。 言っていくことも大事だし、その場で思いついたことをちゃんと体現していくっていうこともすごく大事なのかなと思いながらやってますね。生き様って言ったらちょっとあれですけど、でも生き方ってそういうことなのかなと思ってて。自分はやっぱ音楽で生きていくって中でも、そういう生活を含めた価値観を変えたくはないので。それを大事にしながらやっていけたらいいなって思いの中のリリースでしたね。

――そしてこの『SIGN／CHOICE』を冠したリリースツアーが東名阪で、しかもファイナルの東京はお誕生日ですね。 ほんとにね、図らずもなんですけど（笑）。ほんとに。誕生日にライブをやるっていうものほど恥ずかしいものはないじゃないですか。でもむしろもうそういう機会をいただけたのであれば、僕から何か差し上げられるような日にーー他の名古屋、大阪もそうですけど、あくまで自分の生誕ではあったとしても、自分にできることをプレゼントっていうんですかね、何か差し上げられたらいいかなって思いで。今はそういう思いでとりあえずいるかな、と（笑）。 ――だんだんツアーで回る場所も増えていき。 そうですね。自分の身の回りのバンドなりミュージシャンがいろんな形で大成をする中で、去年から色々と自分の中での状況が楽しくなってきたっていうところもありますし、だからこそ担うものも出てきますから、そこはいい緊張感を持ちつつというか。だし、周りの仲間だったり、例えば世間的なものに左右されずにというか、周りも受け入れた上で自分はこうあるべきだってことを例えばワンマンも通してそうですし、作品を通してもそうですけど、自分なりの大成をそこで日本の音楽界にもし作れたんだったら、それ以上に幸せなことはないなと思いますし。

――今年すでに春フェスのタームは終わり、初夏から夏には＜GREENROOM FESTIVAL＞や＜FUJI ROCK FESTIVAL＞への出演も決まっています。 ＜GREENROOM FESTIVAL＞はそれこそ地元・横浜なので、なんかこうやっと出れるなというか、待ち焦がれてたフェスの一つですし、まぁフジも昨年に続いてというところで、非常にありがたいことに。両方とも自分もお客として遊びに行ってた、特に思い出のあるフェスでもあるわけですから、そこに堂々と出れるっていうのはすごくありがたいなと思うし、だからこそ生半可なことはしたくないかなというか。 ベストな演奏をするっていうことよりもいかに自分の中で情熱を滾らせるか？ってことがすごく大事かなと思ってて。心地よいライブをするっていうことよりかは、僕はどちらかというと、それがエモーショナル、「エモい」っていう言葉とかになっちゃうとあれなんですけど、なんかちゃんと自分が思い入れを抱いてきたものだからこそ、じゃそこでその思いを昇華させられるかどうか？ってことが自分自身としてはすごく大事な部分かなと思いますし、それを通してお客さんにその情熱だったり、そこでしかない盛り上げがもし生み出せたのなら、それが自分の中での一番価値のあることかなって思いますね。 ――＜FUJI ROCK FESTIVAL＞に出演するアーティストはいくら洗練された音楽性でも、普段以上にステージにかける熱量を感じます。 一昨年、ネバヤンが苗場食堂でやってたのが良かったことをふと思い出したんですけど。もちろん他のアクトの時ももちろんすごい瞬間あったんですけど、その場でしか作れない熱量って、ライブハウスでもないし、それを見れることなかなかないじゃないですか。だし、自分はそれを作る側だから、自分で見れることはもちろんないと思うんですけど。いかにその景色を焼き付けるかというか、自分のエネルギーが唸ってる中で見ている人にどんどんと染み付いていくものでもあると思うから。そこが前提というか、そうできたらいいなっていう思いが今、強いですね。

――昨夜、ライヴを見せてもらいました。一切、ムダのないハイエナジーかつハイテンションの演奏に圧倒されました。 ジャック・ホワイト　そう言ってもらえてうれしいよ。 ――ラカンターズのみなさんがステージに立つとき、一番大事にしているのは、どんなことでしょうか？ ブレンダン・ベンソン　歌詞を全部覚えていること（笑）。 ――それは大事です（笑）。 ジャック　僕は、観客を自分たちの演奏に引き込んで夢中にさせたいから、時には自分から、“Come on! Let’s go!”と盛り上げなきゃって思う。 パトリック・キーラー　彼らもステージに引き上げたいって感じ？ ジャック　そう。ハイエナジーであればあるほど、いいライヴになるからね。ダンス・ミュージック、パンク、ロックンロール、カントリー……どんな音楽だろうと、観客を巻き込んで、一緒に盛り上がらなきゃ。 ――昨夜は、まさにそういうライヴでしたね。 ジャック　日本でこれまでやったライヴの中で一番の観客だったと思う。 ――『ヘルプ・アス・ストレンジャー』からも6曲、演奏していましたが、みなさんのようなベテランでも新曲をやる時は、お客さんの反応って気になるものですか？ ブレンダン　もちろん興味はある。どう反応するか楽しみだし、いい反応が得られればうれしいからね。 ジャック・ローレンス　どの曲の反応が他の曲と比べていいのかってのもわかるしね。 ――昨夜のお客さんの反応はいかがでしたか？ パトリック　正直、感動したよ。彼らにとっては初めて聴く曲を演奏したわけだけど、一緒に歌ってくれるくらい盛り上がったし、みんな踊っていたし。すごくうれしかったね。 ――さて、その『ヘルプ・アス・ストレンジャー』は前作『コンソーラーズ・オブ・ザ・ロンリー』から11年ぶり、そして、今回のツアーが8年ぶりになるのですが、なぜ、そんなに時間が空いてしまったのでしょうか？ ジャック　みんなに聞かれるんだけど、まだいい答えが見つからないんだ（笑）。 パトリック　時間が経つのが早いんだ（笑）。 ジャック　それが一番手っ取り早い答えだ。それに、それぞれに別の活動で忙しかったしね。パトリックはアフガン・ウィッグスがあって、ブレンダンもソロ活動があって、JL（ジャック・ローレンス）はカーニバルで働くのが好きで（笑）、僕自身も、この10年、サード・マン・レコードを軌道に乗せるため本当に忙しかった。ついこの間、10周年を祝ったばかりなんだ。それを考えただけでも、うわ、もう10年か。本当に忙しかったんだなって感慨深いものがある。だから、これだけ時間がかかってもしかたなかったんだ ブレンダン　お互いのことが好きだし、一緒にプレイするのも大好きだとは思う。でも、他にもやりたいことがあるんだ。毎晩、ブロッコリーばかり食べるわけにはいかないだろ？　変化がなきゃ。豆やニンジンを食べたくなる時だってある。 ジャック　僕たちはラッキーでもあると思う。いろいろ違うことができるというのは、ミュージシャンとして非常に恵まれた立場にいるということなんだ。僕がもし一生、ホワイト・ストライプスしかできなかったとしたら死んでしまうかもしれない。1つのバンドを続けるために、あらゆる手を尽くしてがんばらないといけないというのは、相当なプレッシャーだ。そういうプレッシャーは創作活動に悪影響を及ぼすと思う。だから、今の立場は本当に恵まれていると感じているんだ。それがやれているアーティストって、そんなにいないだろ。たとえばニール・ヤングぐらいはクレイジー・ホースとやったり、他のプロジェクトをやったりしているけど。 ジャック・ローレンス　クロスビー・スティルス＆ナッシュとかね。 ジャック　そうそう。彼ぐらいだろ？　だから、ラカンターズのメンバー全員にとって、複数のプロジェクトに関わることができるのはありがたいことだと思うんだ。

――でも、こうしてまた集まるということは、この4人でなきゃできないことがあるわけですよね？ ジャック　もちろん。 パトリック　ヴォーカルが2人いるからね。 ジャック　それにソングライターも2人いるから、ソロや他のバンドとは全然違う音楽との向き合い方ができる。新作の「Shine The Light On Me」という曲はこの前のソロ・アルバム（『ボーディング・ハウス・リーチ』）に入れようと思ってたんだけど、ラカンターズっぽいから取っておくことにしたんだ。そしたらちょうどラカンターズでアルバムを作ることになったから、このメンバーで演奏することができた。最初の直感は当たっていて、最高の仕上がりになったよ。 ――今回の来日公演からも、このインタビューの雰囲気からも4人の仲が良くて、関係がすごくいいことがわかるから、敢えて聞きますが、お互いに“こいつムカつくな”って思う時なんかもあるんですか？（笑） パトリック　ハハハ。どうだろう？（と大袈裟にウインクする）。 ブレンダン　何の話だい？（笑） ジャック　年齢を重ねるにつれ、前より細かいことが気にならなくなったってことは言えるかもね。昔だったらすごく気になったことを傍観できるようになったのが自分でもわかる。気にならなくなると言うか、気にするだけムダだって思うようになったんだ。 パトリック　普通に人として年齢を重ねれば分別がつくしね。 ジャック・ローレンス　アルバムのレコーディングもすごくスムーズに進んだよ。揉めることもなかったし、ケンカもなかったし。もしかしたら数年前までだったらあったかもしれないけど、自己顕示欲もなくなって、バンドとして1つにまとまる術がわかったんじゃないかな。 ――ところで、今回、4人が顔を揃えた直接のきっかけは何だったんですか？ ジャック　覚えてたらいいんだけど。 パトリック　2人で先に曲を書き始めたんじゃなかったっけ？　連絡をもらったのは覚えてるよ。 ジャック・ローレンス　みんなが集まれるちょうどいいタイミングだったんだ。ジャックはソロ・ツアーを終えたところで、ブレンダンも一段落してる状態で、アフガン・ウィッグスの活動もきりが良くて、僕もいろいろなバンドとの活動を終えたところだった。元々、このバンドが生まれたきっかけも自然な流れだった。きちんと計画を立てて動くのではなく、なんとなく気づいたら一緒にやっていた、というのは今回も変わらない。 ブレンダン　さっき言っていた「Shine The Light On Me」を聴かせてもらったことが、もしかしたら今回のアルバムに繋がるきっかけだったのかもしれないね。確かジャックが車の中で聴かせてくれたんだ。“ラカンターズっぽくない？”って。その時、自分のほうがうまくやれるって思ったよ（笑）。 ――新作は1stアルバム『ブロークン・ボーイ・ソルジャーズ』の頃の衝動が戻ってきたと言うか、ひょっとしたら1stアルバムよりもロック的な衝動が感じられるのですが、どんな作品を作ろうと取り組んだんですか？ ジャック　全体で目指したものは特になかった。曲ごとに、どんなことができるか、サウンドを追求していったんだ。自分としては、どんなプロジェクトだろうと、曲ごとに全力で取り組んで、音楽に導かれるままに形にするやり方が好きなんだ。今回も25曲か30曲くらい、そうやって作った中から全員がいいと思う曲や、“これは仕上げなきゃ”って訴えかけてくる力のある曲が最終的にアルバムに入ったんだ。 ブレンダン　僕も1stアルバムに通じるものがあると思ったよ。サウンドも、レコーディング方法もね。まるで『コンソーラーズ・オブ・ザ・ロンリー』が、自分たちとかけ離れたことをしてしまったんじゃないか。ひょっとしたら、ラカンターズのアルバムの作り方としては正しくなかったのかもしれないんじゃないかと思えるくらいだった。もちろん、『コンソーラーズ・オブ・ザ・ロンリー』は大好きだし、誇りに思っている。でも、今回のアルバムは1stアルバムに通じる何かを感じたと言うか、なるほど、こういうことか！って思えたんだ。1stアルバムと同じで、ものすごく早いペースで作って、自分達が何を作ったかちゃんと把握する間もなかったくらいだったんだ。 ジャック・ローレンス　これまでで一番、激しい曲が入っているしね。 ――今回のアルバムはいつ頃作り始めたんですか？ ジャック　僕がまだ『ボーディング・ハウス・リーチ』のツアーをやっている時に最初のセッションをやったんだ。 ジャック・ローレンス　去年の7月だったと思う。 ブレンダン　それからあっという間だったね。 ジャック　そう。2日くらいだった。 パトリック　レコーディングも早かったね。ほとんどの曲を、2日くらいで録ったんだ。

――曲ごとに、どんなことができるか追求していったそうですが、今回のアルバムの中で、それぞれに気に入っている曲を教えてください。 ブレンダン　僕が一番気に入っているのは、「Help Me Stranger」。すごくユニークなサウンドの曲だからね。 ――ファンキーでラテンっぽいところもあるという。 ブレンダン　ラカンターズの曲の中でも異質だし、一般的に見ても独特な世界感がある。それにメンバーそれぞれの良さが出ていると思うんだ。ジャックと僕はアコースティック・ギターを弾きまくって、ハーモニーを重ね、JLとパトリックは素晴らしいリズムを刻んでいる。しかも、この曲のベースラインを、JLはベース・ペダルを手で演奏しながら奏でているし（「Help Me Stranger」のMVを参照されたし）、パトリックはスネアを逆さにして、抜群の演奏をしている。ラカンターズをやってきて最高の瞬間だと思う。

パトリック　僕は「Bored and Razed」だな。この曲には、いろいろな要素が入っているんだ。最初はジャズっぽい、崩したバンド・ジャム風に始まるんだけど、そこからザ・フーを彷彿させるアンセム調のイントロになる。そして、最後にはヒルビリーっぽくもなる。壮大な展開だ。パンクで、ヘヴィーで、とにかく盛り上がる曲だと思う。メロディーも最高だしね。 ジャック・ローレンス　僕は「Thoughts and Prayers」。アコースティック・ギター主体のロックンロール色が薄いところが他の曲とは違うアプローチのように感じるんだ。そして、この曲にはリリー・メイ（※サード・マン・レコードからジャック・ホワイトのプロデュースでソロ・デビューした女性シンガー・ソングライター）がフィドルで参加しているんだけど、それは呆然としてしまうような、思わず鳥肌が立つ瞬間だった。個人的にはアルバムのハイライトだと思っているよ。 ジャック　僕はバラードの「Only Child」かな。理由は歌詞が一番気に入っていることともう1つ、音の組み合わせ方も気に入っているからなんだ。デモを聴きながら、生演奏で録り直そうとしたんだけど、うまく行かなくて、結局、ブレンダンが彼のスタジオで録ったものと、僕のスタジオで録ったみんなの演奏を組み合わせたんだ。そうやって曲の迫力を出そうとしたんだけど、結果、想像をはるかに超える10倍の迫力になった。ソングライティングからプロダクションまで、全ての面においてメンバー全員で力を合わせてできた曲だったんだ。 ――ロック的な衝動が戻ってきたと思わせる一方で、いろいろな曲が入っている多彩なアルバムだということがわかる4曲ですね。 ジャック　そう言ってもらえてうれしいよ。僕たちはその可能性を持っているという点で幸せなバンドだと思う。それができるバンドはそう多くはない。自分たちが愛して止まないアルバムだってそうだ。ストゥージズのアルバムは大好きだけど、どの曲も曲調が同じだ。曲によって、ノリが違うとか、テンポが違うとか、歌っている人が違うとかっていうアルバムを作るのは難しいけど、それができたら最高だ。僕が一番好きなビートルズのアルバムは『ホワイト・アルバム』なんだけど、なぜ、そんなに好きかというと、それぞれの曲がまるで違うスタジオで録ったように聴こえるからなんだ。 ――最後にアルバム・タイトルについて聞かせてください。『ヘルプ・アス・ストレンジャー』というタイトルの元になっている「Help Me Stranger」はラカンターズがリスナーに向けて歌っているように感じられるんですけど、ロック・ファンの中にラカンターズのことを知らない人っていないと思うんですよ。それにもかかわらず、〈Help me strange〉と歌っているところがおもしろい。 ジャック　『ブロークン・ボーイ・ソルジャーズ』も『コンソーラーズ・オブ・ザ・ロンリー』も、アルバムのタイトルは、収録曲のタイトルを複数形にしたものだったんだ。だから、今回も「Help Me Stranger」を複数形にしたわけだけど、曲のタイトルは、ブレンダンが書いた歌詞から取ったんだ。あの曲のサビを、みんなで書いているとき、ブレンダンが〈Help me strange〉ってフレーズを思いついたんだ。英語の表現で、しばらく会ってない親しい人に対して、“よぉ！ストレンジャー。久しぶりだな”と声をかけることがあるんだよ（※strangerには、ずっと音沙汰がない人という意味もある）。今でも自分のことを好きでいてくれてるかって確かめる気持ちも込めてね。 ――ああ、そうなんだ。 ブレンダン　いろいろな解釈ができるフレーズだから、人によっていろいろな意味に取れると思うんだ。 パトリック　抽象的だよね。 ブレンダン　そこが気に入っているんだ。 ジャック　もっとも、俺達に助けは必要ないと思うけどね！（笑） 全員　ハハハハ！　We Got This! （自分達でどうにかできるから大丈夫だ！） ジャック　それが2つ目のアルバム・タイトルだ。

－－前回僕がインタビューさせてもらったときが、ちょうどCMが決まったっていう話を聞いたタイミングで。 そう。言わなかったやつっすよね。何かは言わないっていう。 －－そう（笑）。あのCMが放映されてから、どんな反響がありましたか？ 体感でいうと、去年（CMが）流れる前から（ライブ）現場に来るお客さんの数が目に見えて変わった、っていうわけじゃないけど、徐々に増えていってて。4月に出演した＜ARABAKI ROCK FESTIVAL＞で、一番体感しました。2、3000人のキャパシティの会場がパンパンになるぐらい。それがロックフェスやったこととか。あとは、ワンマンツアーもめちゃくちゃ一瞬で完売したりとか。 －－あのツアーは即日のソールドアウトだったんですよね？ 何回かに募集を分けたんですよ。一般は1、2分で売れ切れちゃったみたいで。 －－先日は神戸で活動するSTEEZのクルーでもあるRYOTAさんが手がけているブランド「APARTMENT」とのコラボTシャツも15分ほどで完売したそうで、その凄まじい勢いが感じられるんですが、そんな中で今回フルアルバム『FEEL GOOD』を製作するに至った経緯は？ 『SIRUP EP 1』（以下EP 1）、『SIRUP EP 2』（以下EP 2）とリリースしていたんで、流れ的にアルバム自体は出そうという話にはなっていたんですけど、今回もEPにするか、フルアルバムにするかっていうのは悩んでいたところで。元々は夏にアルバムを出す予定にはしていて、それで「Do Well」がCMに決まって。きっとすごく広がるやろうからこの勢いがあるうちに、これまでリリースしていたEPから何曲か入れたフルアルバムにしようと。ただ、EPから5曲入ってるから、それを越えるぐらいの曲数は作ろうっていう話で、もう1枚EP出せるぐらいの新曲ができて。結局、5月に出そうということになりました。

－－新曲含め今作には12曲が入ってますが、SIRUPさんのルーツとなるようなネオソウル感だったり、R＆Bテイストはもちろんのこと、これまでにはなかったバレアリックなサウンドが入っていたり、新しい要素が盛り込まれているな、という印象でした。アルバム制作中には何かテーマはありましたか？ テーマはないんですよ、常に（笑）。基本的には常に作っていく中で、今やりたい音と歌いたいことを詰めていってて。大きいテーマがあるとしたら、今の僕を詰め込んでいってる。それができるだけフレッシュな状態で保たれるようにはしてるかもしれないです。今回『EP 1』、『EP 2』から入れた曲も（EP 1、EP 2の中でも）強い曲で、不変的な自分の強い意識が反映されていて。そこにもっとフレッシュな今の自分の意識とか、僕自身が抱えている概念を詰め込んでいる気はします。 －－そういう考え方はリリックに表れてたり？ そうですね。そのときに思ったことは点やけど、大きく人生に渡って線で繋がっているように考えてリリックを書いたり。逆に恋愛についての曲は、その点を深く深く歌ってることが多いんですけど。「Why」は友達が体験した話を聞いて、インスピレーションを受けたことを歌ってて。それは今までやってこなかったやり方かな。 －－前回インタビューさせていただいた時も自身の体験が主にインスピレーションとなっているとおっしゃってましたが、今回制作した楽曲の中に自身の体験が反映されているものはありますか？ 「Evergreen」ですかね。最初は恋愛について書いてたんですけど、今は会うことのない自分の友達とか、やめていった（自身も所属しているアーティスト集団の）Soulflexのメンバーとのことが心に残ってるんだなと思い浮かんできて。自分が歌い出したときから比べると、一緒に始めた周りの人たちっていうのは今のSoulflexのメンバー以外あまりいない気がしてて。書いているうちにそういう別れとかを噛み締めて、今自分が置かれている状況はこれまでのすべてが作用してるなって感じて。 －－そういう人生観が伝わる曲で、正直にいうと一番好きな曲でした。 あ、俺も一番好きです（笑）。一番は言い過ぎかもしれないですけど、ミュージシャンとしてのSIRUPとしてというよりかは、シンガーとしてのSIRUPを生み出せてよかったな、と。思い入れは強い曲ですね。

－－今回制作する上で、邦洋限らず参考にしたアーティストだったり、楽曲はありますか？ 今回リファレンス一個も出してなくて。一曲一曲にこの曲をイメージしたとかはないかもしれないです。だんだんそういうリファレンスはなくなってきてます。 －－自身の中では、オリジナリティが固まってきているというイメージ？ そうですね。無意識ですけど、どんなトラックが来てもSIRUPとしての落とし所がわかるようにはなってきてるかもしれないです。『EP 1』、『EP 2』を制作していた頃は、EPとしての立ち位置の曲があった方がいいやろな、って考えながら作ったりとか、SIRUPとしてここまではやっていいやろなっていうイメージをしながら作ってたんですけど。今回はそれぞれのEPから強めの曲を入れてるから、後7曲は何してもいいやって思って。純粋に作れたかもしれないですね。 －－そんな中、今回フィーチャリングゲストとしてTENDREさん、BIMさんを起用されてます。TENDREさんは関係性から考えても、音楽性から考えてもすんなり納得できたんですが、BIMさんの参加が意外でした。 よく言われますね、それ。BIMはどう思ってるか知らないですけど、僕的にはめっちゃ普通やって。なるべくしてなってるなって感じで。経緯としては、BIMもTENDREも一緒なんですけど。 TENDREはソロとして活動し始めた時期と、僕がSIRUPに名前を変えた時期が一緒やって、その頃からお互いに気になってて。そしたら、showmoreのリリパで対バンすることになって。で、会ってみたら一瞬で意気投合して。仲良くなって飯行ったり、喋ったりしているうちに流れで曲作ってみようってことになって。 BIMは俺も聴いてて、Instagramのストーリーにそのことをあげたときに、BIMの方からDMくれて、曲作りましょうってなって。その前に共通の友達にセッティングしてもらって飯食いに行って、喋ったりして曲作ろうってなって。 このふたりに共通しているのは、ふたりとも同じようなラッパーの曲を聴いているっていうところなんですよね。例えば僕がやたら推してるスミーノ（Smino）みたいなシカゴ系のバンド・サウンドのラッパーやったり、バディ（Buddy）っていうラッパーがふたりとも好きなんです。だからふたりとは音楽の相性がもともと良くて、今回の製作に参加してもらった、っていう感じですね。 －－実際制作中はどんな雰囲気でしたか？ TENDREとはがっつり家で5時間ぐらい喋ったりとかして、曲を作るまでのコミュニケーションに時間をかけました。僕が曲の土台を作って、7割ぐらいの状態で2日間スタジオをとって完成させました。録ってる最中は色々ふざけながらレコーディングしてましたね（笑）。TENDREはプロデューサー的な視点もあるし、演奏も全部自分でするから、シンガーとのコラボとは全然違う感じでした。基本曲を作るときは僕が主導でやることが多いんですけど、TENDREの場合は彼から「これだけトラックのストックがあるけどどう？」っていくつか提案してもらった中から聴いていって、ひとつを選んで作りました。 BIMとレコーディングしようってなった時期は、BIMがソロで一番ツアー回ってる時期で。その合間に飯食いに行ったり、電話したりして詰めていったんですけど。BIMが「Type Beat」で気に入ったトラックを見つけてきて、僕に提案してくれて。ドイツの19歳のトラックメイカーが作ったトラックを買いました。 －－TENDREさんとの楽曲「PLAY」は、SIRUPさんの良さやこれまでにない音楽性をTENDREさんが引き出しているように感じました。逆にBIMさんとの楽曲「Slow Dance」は、BIMさんのベストソングだなと感じるほど、BIMさんらしさが現れている楽曲だなと。ご自身は出来栄えについてどう思われますか？ 確かにそう考えると、TENDREは導かれてる感はあったかも。リリックも普段ふたりで話していることをそのまま出してる感じで。BIMとの楽曲はめっちゃアンセム感があって、これは（ライブで）良い感じにフロアが一体になってやれそうだなと思います。TENDREとの楽曲も「ラララ」が多いから、お客さんと一緒にシンガロングできるし。あれはあれで、クラブじゃなくてライブハウスとかフェスで一体になれそうな感じがしてて。TENDREとの楽曲は、確かにゆるいこと言ってるけど、ずっとエモさが漂っているような。言葉では説明できない空気感をちゃんとパッケージできたな、って思いますね。それが一番嬉しかったです。

－－プロデューサー陣にも同レーベルのMori ZentaroさんやChocoholicさん含め、今までともに楽曲製作してきた方々を起用しています。その理由とは？ いろんな人たちとやってみたかったですけど、一旦今まで一緒にやってきた仲間たちからトラックをもらってみようと。そしたらその仲間たちからもらったトラックが最高やった、って感じですね（笑）。 −−以前インタビューさせていただいた時も感じたことなんですが、やはりSIRUPさんにとって、人との”縁”だったり”つながり”というのは音楽製作においても重要な要素なんでしょうか？ そうですね。人間の”つながり”が絶対音楽にも出るんで。会ったことない人とは一緒に製作したいとは思わないし、そのつながりが強ければ強いほど良い音になるとは思ってます。別に楽曲制作を一緒にしたいがために、その人と繋がろうとは思わないし。最近インタビューを受ける機会が多くなる中で感じたことは、多分僕の周りも各々でいろんなことをやってて、上り調子になってる中で、一番良いトラックを生み出せてるタイミングが今なんじゃないかな、と。SIRUPとしての相性もそうですし。それを考えると今が一番クロスしている瞬間かも。”X”の真ん中にいるというか。ちょっとズレましたけど、なんにしても一緒にやる人はたくさん共有している人がいいとは思ってます。 －－今回の制作中に、そういう「クロスしているな」と感じた瞬間はありましたか？ Chocoholicに対して一番そう思ったかな。Chocoholicってめちゃめちゃ鬼才やから、タイミングによっては「これめっちゃかっこいいけど、今回はこれじゃないねんな〜」みたいなときもある。でも、今回はトラックをもらった瞬間にめちゃくちゃかっこいい上にめっちゃええやん、って思って。「Why」とか特に衝撃的でした。 でもそう考えるとみんなそうかも。Shin（Sakiura）はこの1年半ほぼ週1回どころじゃないぐらい会ってて、一番グルーヴしてる感じなんですけど（笑）。「CRAZY」自体は元々『EP 2』の制作時期に作ってた曲で。今回やっぱりあの曲いいよなってなって、もう一回作り直して。最初『EP 2』の時期に作ったときは、まだ自分たちでも見えてない部分が多かったんですけど、改めて作り直したときにめっちゃ見えて、すぐに表現したいことができたんですね。 A.G.Oと作った「PRAYER」って曲についてもそう。A.G.OがプロデュースしてるCIRRRCLEも徐々に上り調子になってきてて、A.G.O自身もいろんな人に楽曲提供する機会が増えて。最近引っ越してきて、俺の家から徒歩1分ぐらいのところに住んでるんですけど（笑）。だからすぐバイブス合わせられるとか。 あと、ずっとすごいなと思ってるのはやっぱりMori Zentaroですね。「Evergreen」は最近じんわりリバイバルしてきてるシャッフルビートの曲で。僕もそういうシャッフルビートの曲は聴いてたんですけど、試そうとは思ってなかったんですよ。試してみたら合うんやろうな、とは思いつつ。そしたら、そのことを何も伝えてないのに、Zentaroが「Evergreen」のトラックを作って送ってきたんですよ。「絶対合うからやった方がいい」って。で、実際にやってみたら、思った通りめっちゃ合って。Zentaroとはもう12年ぐらいの付き合いなんで、そこはやっぱりすごいなって思います。すれ違った時期もあったけど、そう考えると面白いなと思います。 －－Zentaroさん含め、Soulflexのメンバーとはバンドとしてツアーも回っていく予定とのことで。また今後は＜CORONA SUNSETS FESTIVAL 2019＞や＜SUMMER SONIC 2019＞などにも、Soulflexメンバーとともに出演を予定されています。そういった大型フェス出演への意気込みを教えてください。 そこに関しては、結局いつも通りやろうと思ってるっていう感想になるんですけど。きっとソロシンガーのバンド版だと思って見る人が多いと思うんですよ。「バンドでやってはるわ」って感じで。もう9年ぐらい同じバンドでやってるんで、単にSIRUPのバンド版じゃなくて、ちゃんとバンドらしさを見せれるっていう強さをみんなに体感してほしいなと思ってます。 －－「オリジナリティが固まってきている」という話もあった新曲についても、今後はライブで初めて披露されていくわけですが、どういう形で魅せていきたいと考えていますか？ 音源で聴いてもらうときとバンドで魅せるときとは規模を変えたくて。さっき話にも出てきたスミーノとかジャミーラ・ウッズ（Jamila Woods）とやってるシカゴのバンドって、ほぼ同期丸出しなんですよね。キックから何から同期の上に乗せて、ベースも（音源を）流した状態で上に弾いてるみたいな。それって曲自体に音数が減っていってるからだと思うんですけど。それに近いイメージで、（音源を）流してるものもあるんですけど、もっと体感を大きくするというか。一人で聴いてるときに気持ちよく聴いてもらってたものを、会場でもっと大きくする感じ。バンドでやってるときの方がアレンジは迫力が出るかなって思ってます。あとは自分で踊るっていうお客さんも増えてきたから、そういう空間をサウンドで作っていけたら。派手なところも魅せれるけど、基本的には踊ってもらえることをメインに考えてます。その上でさっきも言ったバンドの一体感は肝になってくるかなと。

――昨夜（5月30日・マイナビBLITZ赤坂）のライブ、めちゃめちゃよかったです。昨年3月に行なわれた初来日公演から著しい進化が見て取れて驚きましたよ。 ありがとう。そう言ってもらえて嬉しいな。 ――代官山UNITで観た1年ちょっと前のライブは終始ステージ狭しと動き回っていて、とにかくパッションが溢れ出ていた。今回はというと、盛り上げるところは盛り上げ、抑えるところは抑えてというふうに、場をコントロールする力がしっかりついていたのを感じました。 自分でもそう思うよ。前は闇雲に頑張りすぎてたところがあったね。なんとしても盛り上げなきゃ、みたいな。あと、みんなからどう見られているのか気にしすぎていたところもあったかもしれない。でもあれからライブを重ねていくなかで、自分らしいやり方がだんだんわかってきたんだ。いまは自分らしいやり方に自信を持てるようにもなった。 ――ファンのみんなが、ずっと一緒に歌ってましたね。それにずっと熱い声援を送っていて。“ああ、ラウヴはポップスターなんだな”と改めて思ったんですが、それって自分の目指していたことだったりするんですか? それとも想定外? ポップスターを目指していたわけではないんだけど、なんかそういう受け入れられ方をしてる感じは確かにあるよね(笑)。でもまあ、どういうふうに見てもらいたいかなんて考えすぎてもしょうがないから。自然体の自分のままでやれればいいと思ってる。とりあえず音楽を聴いてくれさえすればOK。 ――昨日の東京公演がアジア・ツアーのファイナルだったんですよね。 そう。シンガポール、インド、タイ、フィリピン、香港とやって、残念ながらジャカルタはキャンセルになってしまったけど、それから大阪、名古屋、東京とやってきて。フィリピンは6千人入るアリーナが会場だったし、名古屋は500人くらいでいっぱいのクラブ。まだどうしたってハコの大きさや観客の熱量でパフォーマンスが左右されるところもあるけど、どんな状況でも自分らしくやれるよう心掛けている。けど、やっぱり昨夜みたいにシンガロングが起きると気持ちがアガるよね。 ――そうやっていろんな国をツアーで回りながら刺激を受けて、それをすぐに曲にしたりもするんですか? ツアー中は、曲は書かない。ライブに集中したいからね。でも、行く先々で受けた刺激や感じたことが無意識のうちに自分のなかに貯まっていってるんだろうね。あと、思いついたことや、ちょっとしたメロディなんかはボイスメモに録っている。家で曲を書く際に、そこから発展させていくことはもちろんあるよ。 ――去年インタビューしたときに、楽曲制作は家か、またはホテルの部屋にマイクを持ち込んですることが多いと話してましたが、今もそう? うん。大きいスタジオは逆に落ち着かないんだよね。でも最近、新しい家に引っ越してスタジオも作ったから、そこで制作することが多くなった。そこは自分の居心地のいいように作ったから。置いてある楽器と機材はいたってシンプル。マイクとPCとシンセが2～3台とギターくらいのものだよ。 ――楽曲制作において、特にこだわっていることはなんですか? 自分の心に正直であることかな。とにかく、強く心に感じるものじゃなきゃダメだね。たいしたことを感じていないのに、頭で考えて作ろうとしても、残るものにはならないんだ。僕はどちらかというと飽きやすいというか、集中力が長く続かないほうなので、自分の心が動き続けてない限り、曲は断片だけで消えていってしまう。ちゃんと曲として完成させたものは、つまりそれ相応の強い動機があって、それが持続したものってことなんだ。

――それはメロディに関しての話? 歌詞もメロディもどっちもだよ。そのふたつが合っていないと、無理やり作った感が出てしまう。会話にしてもそうでしょ? 本心と違うことを誰かが言ってたら、それは声色や話し方に出るので、けっこうわかるもんだよね。この人、本当はそう思ってないんだろなって、わかっちゃう。曲も一緒で、本当にその通りのことを強く思っているのかどうかというのは、歌詞にもメロディにも出るものだから。正直じゃなきゃダメなんだ。 ――実際、プレイリストとして発表された『アイ・メット・ユー・ホエン・アイ・ワズ・18.』はラウヴの「18歳から23歳までの成長の記録」だったし、そこに自分の恋愛や人生経験をリアルに反映させてました。つまり実体験から書かれた曲が多かったわけですが、もっと物語を描いてみたいという気持ちはないですか? あるある! 最近は自分の想像力を働かせて曲を書いたりもしてるんだ。想像で書いたものが、正直ではないということにはならないからね。そこにだって自分自身の思いが当然反映されるわけで。以前はそれがうまくできないと思っていたし、それを上手くできる人を羨ましく思っていたけど、最近はできるようになってきたよ。 ――質問が変わりますが、以前からいろんな人とのコラボレーションを積極的に行なってますよね。コラボの意義とは? まず、純粋に楽しいんだよね。ひとつのものに対して、この人はこういう見方をするのか、こういう捉え方もあるのかって、驚きと発見がある。自分からは出てこないものが出てくることの面白さだよね。新しい扉が開かれる感覚というか。 ――でも、誰でもいいわけじゃないでしょ? やっぱり、その人の音楽を自分が好きっていうのが大前提だよね。ジャンルがどうとかっていうのはまったくないけど、好きじゃなきゃできない。ただ、今までを振り返ってみると、“この人とコラボしたい!”と思ってそこに向かって進めていくのではなく、自然な流れで出会って、「一緒に書いてみない?」ってどちらからともなく言い出すみたいなことが多かった。そういう自然な流れのほうがうまくいくんじゃないかな。 ――願いが叶うなら、いつか共作してみたい人はいますか? 自分にとっての究極はクリス・マーティンだね。すごく哀しい曲になりそうな気がする（笑）。 ――トロイ・シヴァンとのコラボレーション（「i'm so tired...」）は、やってみてどうでした? 実はあの曲、自分で既に書いてあったサビの部分を彼に聴いてもらって、そこから発展させたものなんだ。その前にふたりでゼロから書いたりもしたんだけど、それはうまくいかなかった。で、「こんなのがあるんだけど」って前に書いてあったメロディを聴いてもらったら、すごく気に入ってくれて、その夜のうちにできあがった。そういう作り方をしたのは初めてだったし、いい経験になったね。 ――リミックスもこれまでいろんな人がやられてますが、先頃発表された新曲「Drugs ＆ The Internet」はチャーチズがリミックスしてました。あれはどういう経緯で? 僕は高校の頃からずっとチャーチズのファンだったんだ。でも、これは向こうから「一緒にやろう」って話がきて。すごく光栄なことだよね。 ――それから今朝（5月31日）、Spotifyを開いたら、「Sad Forever」という新曲が配信されてましたけど、これもすごくいい曲ですね! イエ～イ! これは1月の終わりに作り始めて、1週間前に完成したばかりの曲。作り始めた頃、僕は少し落ち込んでいてね。その状態からなかなか抜け出せなくて、早く抜け出したい、このままじゃダメだ、なんて思いながら書いた曲なんだ。 ――あと、昨日のライブでは「SIM」と題された新曲も初披露されました。あの曲は……。 アルバムに入れる予定だよ。 ――その初アルバムは、今、どのくらいできているんですか? 今のところ40曲くらい書いてあって、そこから選び始めてるところだけど、もう何曲か書き足すつもり。今の自分にとっての最高の曲だけを選んで入れたいんだ。できた瞬間、「これ、最高!」って思っても、少しおいてから聴くと「そこまでではないかな…」って感じる曲もなかにはある。そういうのは入れないようにしたい。長く聴ける曲、耐久性のある曲を選びたいんだ。

――最近の曲、例えば「Drugs ＆ The Internet」や「Sad Forever」を聴くと、明らかに『アイ・メット・ユー・ホエン・アイ・ワズ・18.』の次の段階に入っているように感じられます。自分ではどうですか? 自分でもそう思うよ。自然に進化してるんだろうね。19や20歳で書いた曲と、24歳の今書く曲とでは、表現の仕方が変わるのは当然なわけだし。ものの見方もやっぱり変わってきてるんだね。今のほうが自分らしい表現ができていると感じるよ。ただアルバムに関しては、恐らく新しい自分も入るけど、“あの頃”の自分らしい曲もいくつかは入ると思う。“今の自分はこうなんだ!”ってことばかりをことさらに主張したいわけではないからね。 ――わかりました。では最後にちょっとシリアスな質問を。今、世界は混沌としています。アメリカはトランプ政権になって混迷を極めている。アジアも一緒で、例えば先頃あなたがやるはずだったジャカルタ公演は、大統領選の抗議デモと暴動で死傷者が出たりしてキャンセルになった。そういったなかで、音楽にはどういう力があると思いますか? ミュージシャンは何をすればいいと考えてますか? まず、ミュージシャンに限らず表現者はみな自分の表現を通して考えをしっかり伝えるのが大事だと思う。僕は僕の経験してきたことを音楽にすることで、同じような経験をするだろう人たちに何らかのヒントを与えることができるわけだし、考えるきっかけを与えることができると思っている。また、音楽にすることだけじゃなく、発言をすることも大事だよね。なかには、ミュージシャンは音楽だけやっていればいいんであって、政治的な発言をするのはどうかという考えを持っている人もいる。ミュージシャンにそういう発言をされると醒めるって言う人もいる。でも僕は僕の考えを持っているし、ミュージシャンが政治的な発言をして何が悪いんだって思うんだ。意見の違う人と会話することを恐れる人もいるけど、ちゃんと会話をして、違う考えを持つ者同士が意見をちゃんと伝えあう、理解しあおうとするのは、とても大事なことだと思う。だから自分の考えはしっかり述べるべきだよね。 ――そう思います。 ジャカルタ公演をキャンセルせざるをえなかったのは、僕にとってすごく辛いことだった。でも、どうしてそういう判断をしたかを僕はSNSの動画でみんなに説明した。ファンやスタッフが少しでも危険にさらされるのなら、やるべきじゃないと思ったんだ。安全が第一だからね。もしかしたらそれに対して保守的な判断だと思った人もいたかもしれないけど、僕はそう考えて決断した。 ――僕もあの動画を見て、気持ちが痛いほど伝わってきたし、自分の言葉でしっかり伝えているのを素晴らしいと思いました。 ありがとう。

ーー今回のアートワークのコンセプトは？ アートワークのコンセプトは、アルバムのメインテーマでもある人類。そして、人類の起源を忘れないということ。人類は水から生まれたという進化論の一つを僕は信じているし、生まれる前は羊水の中で育つし、それをイメージしてこのアートワークにしたんだ。デザインを担当したのは、ロンドン在住の素晴らしいデザイナー、マット・デ・ヨング。 ーーあなたからアプローチしたのですか？ そう。彼にアルバムのコンセプトを伝えて、それを基にデザインを考えてもらったら、あの素晴らしいアイディアを持ってきてくれたんだ。すごく気に入って、あのデザインで進めることにしたんだよ。 ーー随所に手拍子などの自然発生的な音が盛り込まれていて、これまでのエクスペリメンタルな印象より一層ファンクネスが感じられる内容になっているのはどういう理由で？ 前回のアルバムをライブでプレイしていた時、アルバムの音楽のほとんどがダウンテンポで静かだったから、オーディエンスがそこまで楽しめてないような気がしたんだ。あのアルバムは、どちらかと言えば一人でいるときに聴き込むタイプの作品だったからね。だから今回はもっと人々が楽しめるようなサウンドを作りたかった。もっとカラフルで生き生きとした、これまでよりもエネルギーに満ちた作品にしたかったんだ。それでそうなったんだ。リファレンスは、結構昔の作品を聴いていたな。曲の構成的には、スティーリー・ダン（Steely Dan）とか、ジョニ・ミッチェル（Joni Mitchell）、スティーヴィー・ワンダー（Stevie Wonder）。でもそこにもう少しモダンな要素、プロダクションを加えたかったから、エレクトロニック・ミュージックも聞いていたよ。歌詞的には、AIやテクノロジーに関して書くのが新しい挑戦で、ポッドキャストなんかをよく聴いていた。サム・ハリスがAIに関して色々な人たちにインタビューするポッドキャストがあるんだけど、あれは沢山聴いていたね。彼のポッドキャストの影響はかなり大きい。 ーーチャーリー・ブルッカーの『ブラック・ミラー』や、マーガレット・アトウッドの『侍女の物語』、デヴィッド・リンチの『ツイン・ピークス』 にインスパイアされたと書かれていますが、最近のお気に入りの映画は？ そうそう。そういった作品のエピソードに影響を受けて、その自分バージョンを作っていった感じ。最近のお気に入りは、まずは『ブレード・ランナー』。クローンやロボットの会話がすごく興味深いんだ。サウンドトラックも素晴らしいしね。 ーー「AIシステムに立ち向かう人間の未来」が主題ですが、AIシステムに立ち向かう人間にはどんな未来が待ってると思いますか？ 悲しいけど、デバイスに支配される時が来るんじゃないかと思う。すっごく進化した携帯とかコンピューター、脳内にチップが埋め込んで何かできるようになったり、テクノロジーに今以上に頼る時代。50年くらいで、ハイブリッドな人類がコンピューターシステムで作られていくんじゃないかな。それは可能性の広がる明るい未来にもなりうるし、暗い未来にもなりうると思う。

ーーダン・カイ名義とジョーダン・ラカイ名義での明確な区別はある？（ex.制作方法、制作に向かう気持ちなど） その区別の仕方は？ ダン・カイでは、もっとダンスミュージックよりの音楽を作ってるんだ。そして、自分のエネルギーが湧くままに自然に音楽を作っているのがジョーダン・ラカイ。ダン・カイの音楽を作る時は、ナイトクラブのことを意識している。オーディエンスがどんなリアクションをとるかとか、盛り上がるベースラインはどんなのだろうとか。もっと、皆を喜ばせようと意識して音楽を作るのがダン・カイだね。ジョーダンのプロジェクトでは、もっと音楽的にリスクを冒す。そして、自分の境界線を広げるんだ。歌詞的にももっと深いしね。 ーーそれぞれの名義での活動頻度のバランスは？ ほとんどの時間とエネルギーはジョーダン・ラカイのプロジェクトに費やしているよ。で、自由時間がある時とか、飛行機に乗っている時なんかにダン・カイの音楽を作ったりする。ジョーダンとしてツアーをやって、ダン・カイとしてそのショーのアフターパーティーをするくらいが理想（笑）。それが出来たらクールだな。 ーー音楽活動をする上で、あなたに影響を与えているアートや音楽は？ 特にアーティストの名前は今思いつかないけど、僕は他のジャンルの音楽をよく聴く。僕が作っている音楽はソウル・ミュージックだと思っているけど、僕自身はソウル・ミュージックは聴かないんだ（笑）。聴くのはエレクトロニック・ミュージックやフォーク。なぜか、そういった音楽に影響されるんだよね。そこからトリックを学んで、自分の作る音楽にその要素を加えて自分独特のものを作るんだ。 ーー聴かないのに、なぜソウル・ミュージックを作るんだと思いますか？ ソウル・ミュージックは、僕が聴いて育ってきた音楽なんだ。だから、DNAの中にソウル・ミュージックが入っているんだよ。20歳くらいまで、アメリカのソウル・ミュージックにどっぷり浸かってきた。だから、それと掛け離れたジャンルを作ろうとすると、自分の中でなんだか無理やりな感じがするんだよね。 ーーダン・カイのサウンドについてはどうですか？ ダン・カイの音楽はもっとエレクトロニックだし、ダンスやハウスっぽいけど、それでもやっぱりソウルの要素が入っているんだ。もし僕がめちゃくちゃダークなテクノ・レコードなんかを作ったら、それはかなりの冒険だけど（笑）。ダン・カイとジョーダン・ラカイは違うプロジェクトだけど、僕の声とソウルの影響で繋がっているんだ。

ーーロンドンのニューカマー、ロイル・カーナーとのコラボが話題になっていますが、彼との接点は？ また共感できる音楽性は？ ロイルとは、トム・ミッシュを介して知り合ったんだ。それから4年くらい友達で、何か一緒にやろうとずっと話していたんだけど、4年越しでやっと一緒にコラボする機会が出来た。今では、彼は良い友達でもあるし、一緒に音楽を作る良き共演者でもある。彼とは本当に作業がしやすいんだ。彼と僕は、二人ともオールドスクール・ヒップホップを聴いて育ってきたから、そこが共通点かな。ア・ドライブ・コールド・クエスト（A Tribe Called Quest）とか。ティーンの時は、90年代のヒップホップを沢山聴いていた。彼と作業している時も、お互いジャズに影響を受けたヒップホップが好きだから、そういった音楽にインスピレーションを受けて曲を書いたんだ。 ーー今後共演したいアーティスト、期待したいアーティストは？ フランク・オーシャン（Frank Ocean）、ボン・ミゲル、H.E.R.、ジェイムズ・ブレイク（James Blake）……沢山いるよ。あと、映画音楽の作曲家とも共演してみたい。期待したいアーティストは、マット・キャルバート（Matt Calvert）かな。ジャズっぽい音楽で、すごく素敵なんだ。僕は普段はあまり新しい音楽は聴かないんだけど、彼の音楽はすごく良い。 ーー最近、アーティストとの交流の中で一番印象的だったことは？ 一つの交流ではなくてこれまでの全体的な交流を通しての話だけど、相手のミュージシャンに自由に任せ、そこに自分のサウンドが混ざり合うことによって、レベルアップした新たなサウンドが生まれるということを大きく学んだんだ。それが一番印象的なこと。ロンドンに来て、多くの素晴らしいクリエイティヴィティに出会って、それをすごく感じるようになったね。 ーーアルファ・ミストとはどんな風に生活をしているの？ 彼とは同じスタジオをシェアしているんだ。彼は夜型で僕は昼型だから、それがうまく機能してる。ツアーでも一緒だから、しょっちゅう会ってるよ。彼のファンでもあるし。一緒にいるときは、ゲームしたり、音楽の話をしてる。食事にも行くし、彼と会う時はトム・ミッシュも来たりするよ。グループで会うことが多い。皆でモノポリーとかやってる（笑）。 ーー最近のお気に入りの写真をください。

ーー今日はありがとうございました。 ありがとう！　またね。

――堀内さんは神戸出身で、Opus Innを結成する以前はOrca Shoreというバンドに在籍し地元を拠点に活動されていました。そこから永田さんとOpus Innを結成するまでの経緯について、聞かせていただけますか？ 堀内　Orca Shoreが“方向性の違い”みたいな理由で継続が難しくなったので、また新しいバンドをやろうと思いつつ、気がつけば永田と一緒にDTMで曲作りをしてました。それでレコードを出すとかデビューするとか、そういうことは特に考えてなかったんですけど、一緒にやっていくうちに、いい感じになってきたので、本格的にOpus Innとして動き出したんです。 ――永田さんは、Opus Innを結成するまではどのような音楽活動をされていたのですか？堀内さんのいたOrca Shoreは同じ兵庫のthe fin.らとも親交のある、いわゆる“インディー・シーン”のバンドで、Opus Innも大きく言えばその流れを汲んだ現代的なポップだと思うのですが、その脈をどうたどっても永田さんには当たらなくて。 永田　はい、そうだと思います。僕は歌ものポップスというか、それこそ真逆と言ってもいいくらいのシーンにいましたから。堀内とは同じシェアハウスにいたことで仲良くなったんです。お互いバンドを抜けたタイミングが同じくらいで、だったら一緒に曲を作ってみようって、最初はそんなノリで始まって今に至ります。 ――当時はどんな音楽が好きだったんですか？ 永田　もともとはBon JoviとかMr.Bigとか、“ザ・ロック”みたいなものが好きでした。でもそこはOpus Innの音楽とはまったく結び付いてないですね。ずっと好きなアーティスで今自分がやっていることへの影響がもっとも大きいのはBill Evansです。神戸ってジャズ喫茶が多くて、僕にとってジャズは自然と手が届くところにありました。そのなかでもっとも響いたのがBill Evansだったんです。 ――Opus Innではどんな音楽を目指そうと思ったのでしょう。 永田　Opus Innが動き出したのが2017年。その前からエレクトロやトラップが日本でもきていたり、UKだとグライムがメインストリームに出てきたり、あとはアメリカを中心の流行っている海外のポップ・ミュージックが面白かったりしたので、いろいろ調べていました。そういう時代の流れみたいなものを追って、そこで何が起きているのか考えることが好きなんです。だから、Opus Innを始めるにあたっても、広く音楽シーン全体をみたときの流れは意識してました。 ――国内だと“yahyel以降”とよく言われていたと思うんですけど。そこはどうでしょう？ 永田　意識してなかったと言ったら嘘ですし、友達からはカナダのバンドですけど「Rhyeみたいだね」って言われたことも、僕としてはしっくりきたところもありました。国内のバンドにせよ海外のバンドにせよ、そういったアトモスフェリックな要素の強い音楽が、ここ日本でもよく聴かれるようになっている状況は、自分たちが活動していくうえで、ひとつ背中を押してくれる要素でしたし、あとは単純に“カッコいいな”って。

――そして2018年にEP『Time Gone By』をリリース。おっしゃったようなアトモスフェリックなエレクトロニックに通じる、シンプルで静かな音の持つ雰囲気とAORなどの70年代レトロポップな雰囲気が絶妙にブレンドされたサウンドが印象的でした。 永田　“風景の見える音”が僕らの特徴だと思ってるんです。その第一歩じゃないですけど、Opus Innとしての色をしっかり出せたのが『Time Gone By』。次に出した『Time Rolls On』はそこからより立体的な、まさに“風景”が描けたサウンドになりました。そして今回の『Time Stand Still』は、そこからもうひとつ進んで、昼や夜、今や昔といった“時間”を感じ取ることができる作品になったんじゃないかと。あくまで自己評価ですけど。 ――明らかにアップデートしているとは思います。DTMの向こう側になる可能性が広がっていくようなイメージ。かたや永田さんが生で弾くギターの音は減ってますよね。『Time Gone By』の段階では、打ち込みサウンドと永田さんのギターが溶け合う瞬間や、冷たいエレクロニックの質感を情熱的なギターソロのギャップなどが、“色”として評価されていたと思うんですが、そこを薄めることに抵抗はなかったのですか？ 永田　はい、まったくないです。反抗的な意味ではなく、それはあくまで人からの評価。すごく嬉しいんですけど、自分がやりたいことはギターを前面に出すことではなかったんです。自分たちが綺麗だと思う、色や風景や時間を音で描き出すためにどうすればいいか。そこに集中しています。 ――またOpus Innは音楽やヴィジュアルのイメージへのこだわりも強く感じられます。「Still」のミュージック・ビデオはセレクトショップ・STUDIOUSの衣装タイアップを受け、6月21日の大阪、6月25日の東京での『Time Stand Still』リリースパーティでは、同ショップとのコラボアイテムの受注もあるそうですね。音楽とファッションの繋がりやその見せ方については、どう考えていますか？ 堀内　自分はもちろん音楽が好きで、ファッションも好きなのですが、周りにたまたまアパレル関係の人や、グラフィックを作ったりできる人が多く、Opus Innはそういう人に支えられているな、とつくづく思います。ヴィジュアル面に関しては、今まで観てきたアートや映画とかからの影響が大きいですね。永田ともカッコいいと思うものが言わずとも共有できている部分も大きいと思います。

――Opus Innの曲のなかでもっともサウンドや展開の輪郭がはっきりとしています。 永田　意識的にそうしました。そういうわかりやすい展開でしっかり聴かせる曲に挑戦してみたい気持ちはずっとあったんです。 ――AAAMYYYさんをフィーチャーした「Lost Youth」の感触はいかがですか？ 堀内　とにかくAAAMYYYがすごいなと。その声が入っただけで、一気に曲の世界観がより広く伝わるような印象になるんです。

――「Feel You」はermhoiさんが参加しています。 堀内　これは映画『チワワちゃん』の劇中歌なんですけど、この曲を作るまでermhoiさんとは接点がなかったんです。でも、音源は聴いてましたし、彼女が今やってるBlack Boboiも、すごいですよね。とても日本人がやってるとは思えないし、それ以上のものもある。鳴った瞬間に世界を向いてる人って、なかなかいないじゃないですか。僕らとの曲でもそのすごさは感じてもらえると思います。 ――『Time Gone By』から『Time Rolls On』、『Time Stand Still』ときて、ジャケットもすべて永井博さんが手掛けられ、見せ方も統一されていました。内容的にも初期三部作という位置づけでいいのでしょうか？ 永田　そこまで狙っていたわけではないんですけど、そうなったと思います。 堀内　そうですね、“Timeシリーズ”（笑）はこれで終わりですね。 ――これからのOpus Innはどうなっていきますか。 永田　この先は難しいですよね。それこそ“Z世代”じゃないですけど、ジャンルでどうこうなるとか、そういう話じゃないと思うんです。ほんとうに先のことがまったくわからない。だからこそ、バンドとして個人として強くなければいけないし、そうであれば引っ掛かってもらえる時代なると思います。聴いてもらいたい人たちがいるからこそ、やりたいことを真摯に突き詰めていって、Opus Innにしかできないことをやりたいと思っていますし、そこに対してネガティヴな気持ちはありません。 ――6月21日には大阪で、6月25日には東京でリリースパーティがあります。 永田　sankaraとのダブルリリースパーティなので、その日のためだけに一緒に作った曲も披露します。同じレーベルのメンバーなので、特別な想いがありますし、そこでとことんこだわるためのやりとりもしやすいから、今回は徹底的に話し合いました。コラボ以上のコラボ、それくらいのことをやろうと思っています。 堀内　これまでにクラブやライヴハウスやフェスなど、いろんなところで場所でライヴをすることができました。例えばクラブだと一晩の流れのなかで、自分たちがその場の空気に乗れたらすごくいい反応がもらえる。逆にそこで対応力がなければこっちを向いてすらもらえない。ライヴハウスはちゃんと僕らの音源を聴いてきてくださった方も多いですし、僕らのことを知らない人も、いいライヴをしたらCDやグッズを買ってくれる。まだまだかもしれないですけど、短い間に経験できたことが実るライヴにするために準備してるので、よろしくお願いします。

ーー映画『Tribe Called Discord:Documentary of GEZAN』は、松尾さんが映画化を提案したんですよね。 神谷亮佑（以下、神谷） 松尾さんにそう言われた時、あまりの驚きで腰があがらなくなりました。というのも、映像はまだマヒト（マヒトゥ・ザ・ピーポー、Vo.）にしか見せていなくて、この映像がいったいどういうものなのか自分でもわかっていなかったんです。人に見てもらうことがうまく想像できなかったし、まさか映画になるなんて……。いまだに、実感が沸いていないのかもしれません。 カンパニー松尾（以下、松尾） そもそも、なんで今回の映像を撮ろうと思ったの？ 神谷 まず、GEZANのアメリカツアーが決まっていて、一緒に来ないかという話をいただいたんです。でも、お金がなかった。考えた末に、クラウドファンディングを使うことにしたんです。僕はその時、GEZANが再始動するまでのドキュメンタリー映像を撮っていたので（※2016年8月にドラマーのシャーク安江が脱退。半年間の活動休止を経て、石原ロスカルが加入）、それをまとめた映像集をリターンとして売ったりして、お金を集めました。 松尾　じゃあ、最初は確固たる目的があってアメリカに行ったわけではなかったんだ。 神谷 そうですね。レコーディング風景やツアーの様子をDVDにしようか、くらいの話はしていたけど、固まってはいませんでした。初日のライブあたりまでは、いわゆるツアービデオのテイストが強いと思います。 松尾　あれは普通の住宅街でやってるんだよね？ 神谷 そうなんです。そこからどんどん不思議な空間に迷い込んでいきました。 松尾　現地でコーディネートしてくれる人はいたの？ 神谷 ボブという、ライブハウスを押さえてくれる人がいました。後で知ったんですけど、ボブはメキシコ系の移民なんです。そういう背景もあったからこそ、いろんな場所に連れて行ってくれたのかもしれない。 松尾　ボブがアレンジしてくれた場所がいろんな問題を孕んでいる場所だったんだね。だからまずは、USツアー自体が自分たちの思った以上に有意義なものだったということだよね。 神谷 そうですね。予想していたものとは違いました。僕個人としては海外に行くこと自体初めてだったし、英語もまったく喋れない。メンバーもほぼ喋れなくて、拙い英語でなんとかコミュニケーションを取っていましたね。 松尾　逆に言えば、初めてだったからこそのハイな感じと、逆にそれが反転したネガティブな感じの両方が出ている。俺もアメリカには何年も行ってないから実際はわからないけど、根深い問題があるよね。人種差別とか、LGBTの問題とか。 神谷 そうした問題はもちろん日本にもあったのに、気付けていなかったんです。だからアメリカに行って視点がだいぶ変わりました。

ーー日本に帰ってきてから、神谷さんは編集に行き詰まってしまいます。なぜそうなってしまったんでしょう？ 神谷 「なんで自分が彼らの言葉を編集できるんだろう？」と思って、泥沼にハマってしまったんです。だって、僕には彼らのような状況に陥った経験がないから。それを理解できるのか？　いやできないだろう、と。 ーーでも、最終的には立ち上がって、やるわけですよね。 神谷 みんなが助けに来てくれたことが大きいです。それから、マヒトが映画のなかで言っていたように「なかったことにはできない、見なかったことにはできない」ということ。あの言葉に助けられたと思います。 ーー何をもってして「完成した」と思えたのでしょう？ 松尾　実はね、この映画にはもうひとつのバージョンが存在するんです。 ーーそうだったんですか！ 松尾　そのバージョンでは、神谷くんがマヒトくんにハッパをかけられて「もう一度編集しよう」と決意したところでエンディングにいく。僕としては、それでじゅうぶん面白いと思っていたんです。だって映画が完成したということは、彼がもう一度立ち上がってちゃんと編集したという証だから。だけどその後に、GEZANからの『全感覚祭』というアクションがあった。そして、どうしても『全感覚祭』のシーンを入れたいと神谷くんから申し入れがあった。 神谷 めちゃくちゃ試行錯誤していたんです。かなり時間もかかっていたし、GEZANとも微妙に距離を取ってしまっていたし。自分の方にばかり目が向いていて、松尾さんに「お前、ちょっとドキュメンタリー病になってるぞ」と言われました。 ーードキュメンタリー病？ 松尾　というのがあるんですよ（笑）。さっき彼が言った「理解できるはずがないのだから、編集できない」という発言も、人間的にはわかるんだけど、こっち側から見れば、はっきり言ってあまちゃんの発言なんです。そんなことを言ったら僕らは何もできないわけで。わからないかもしれないけど、どうやって人に伝えるか。それを考えなければいけない。なのに終わりばかり探してしまう。 神谷 そういう時に、「GEZANは今何してるんだろうな」ということに立ち返ったら、ちょうど『全感覚祭』に向けての活動をしていたんですね。 松尾　＜全感覚祭＞自体は以前からやっていたものだけど、今回は規模を拡大して場所も変えて、彼らは新しいチャレンジをしていたんですね。それはアメリカで体験したことに対する彼らなりの見事なアンサーだった。そのおかげでこの映画は生き延びたというか、次のフェーズに行けるチャンスを得たんです。編集に時間がかかったことが幸いしたんですね。もし神谷くんがもっと手早くまとめていたら、まったく違う映画になっていたと思う。いろいろ変なシーンを入れてたしね。人に見せられないようなの、たくさんあったでしょ。 神谷 もう本当に病気でしたね（笑）。 松尾　今だからわかるだろうけど、あれは本当にダメだよね。当たり前のようにマヒトくんと2ショットで喋ってるシーンなんかもあったよね。 ーーそのシーンでは何を喋っていたんですか？ 神谷 それは……内緒でいきましょう（笑）。 松尾　まあ、曲のこととか偉そうに喋ってたよね。 神谷 言っちゃうんですね……。

ーー松尾さんがこの映像を映画にしようと思った決め手は何だったのでしょうか。 松尾　音楽モノというのは、元来はファンが見ることが多いですよね。ライブ映像をノーカット版で出すことはよくあると思います。でもこの映像は、神谷くんも含めたGEZANチームによる、ある種の青春的なドキュメンタリーだったし、世界に出たことによって何をどう受け止めて帰って来たのかという普遍的なものが入っていた。だから単にGEZANのファンだけに向けたものではなく、もっと広く、GEZANを知らない人にも観てほしいと思ったんです。 ーー映画化にあたって、松尾さんは具体的にどう関わったんでしょうか？　プロデュースを引き受けることはリスクを一緒に負うことでもあると思うのですが。 松尾　全然そんなことないですよ。だって、やるのは神谷くんだから。プロデュースなんて大したことはしてない。ただ、神谷くんにはまだ経験がないから、きっとミニマムな世界に陥ってしまうだろうなとは思っていました。それを広げてあげるとか、ちょっとしたアドバイス的なこと。それだけですね。具体的に画をいじるわけでもないし。構成から何からビシッと全部やる人もいるけど、あんまり俺はそういうことはしないな。そこは監督の自由に任せたい。僕も監督をやっているんで、監督がいちばんしんどいということはわかってるし。 ーーそもそもの始まりは、幻冬社plusに掲載されていたマヒトさんの文章を読んだことがきっかけなんですよね。 松尾　『眩しがりやが見た光』という連載の「政治の話は人々の血でできている」という題の回ですね。僕とマヒトくんって、そんなに親しいわけじゃなかったんです。どついたるねんとかハバナイ（Have a Nice Day!）とか、うちの会社がドキュメンタリーを撮っていたアーティストと同じようなところで見かけるバンドのひとつというイメージだった。ぶっちゃけ、あいつらちょっと怖いなと思っていましたよ（笑）。なんとなく気軽に話しかけづらい雰囲気を感じていて。でもあの連載を読んだ時に、すごくピュアな人だなと思って。文章も良いしね。それでマヒトくんに「あの連載で書いていたUSツアーの映像ってあるの？」って聞いたら、あるって言う。編集しているか聞いたら、今やりかけてるところだと。じゃあ一番最初に見せてくださいね、という流れでした。 ーーその時点では、松尾さんと神谷さんは知り合いだったんですか？ 神谷 いえ、全然。初めて会っていきなり「映画にしないか」だったから、もうパニックですよ。 松尾　ちょっとインチキっぽいよね（笑）。おいしい話を持ちかけていざとなったらハシゴ外す、みたいなことも多いからね。でも気を付けろよ、映画業界には詐欺みたいな奴もいるからな。映画なんていくらでも潰れるんだよ。話聞いているとひどいよ、上映してやるから金出せって言う人までいるから。 神谷 怖……。松尾さんでよかった。 ーーこの映画が公開されたら、そういう人が寄ってくるかも……。 神谷 でもこんな部屋に住んでいて明らかに金持ってないから、なんか大丈夫そう（笑）。

ーー完成した映画を最初に見た時、松尾さんはどう感じましたか？ 松尾　まあ、いろいろ過程を見すぎているので、正直あんまり客観的には見られなかったですね。でも『全感覚祭』のシーンを入れたことで良くなったとは思った。メッセージが明確になったし、安心しましたね。 神谷 いろんな人に完成バージョンを見ていただいて、良いお返事をもらって。めちゃくちゃ嬉しくて、夜中の3時とか4時にマヒトに電話して「こんなこと言われたよ！」って報告して。もう俺、喋りながらずっと「ヤッター！」って叫んでました（笑）。 松尾　神谷くんは、まれに見る感激屋なんです。 神谷 そうなんですかね？ 松尾　そうだよ。だからこの映画は、ピュアな人たちが作ったピュアな映画なんです。そういうピュアさが出ていると思う。僕みたいに長いことこの仕事をやっていると、そういう感覚って失ってしまうんですよね。マヒトくんは「ピュア」という言葉を嫌がるかもしれないけど、GEZANのメンバーはみんなピュアだと思う。わからないことはわからないとちゃんと言うし、考えるべきことはちゃんと考える。そういうことができる人って、減っていると思うんです。多くの人が、ネットで調べてほんの数秒読んだだけで理解した気になって、流してしまう。 神谷 僕の感覚では、マヒトって切り替えがすごく早い人なんですよ。メンバーとケンカしても10分後にはケロッとしている。そのマヒトが、帰国してからしばらく落ち込んでいて。 松尾 それだけアメリカでの出来事が大きかったってことだよ。『全感覚祭』や、帰国してからリリースしたアルバム『Silence Will Speak』がそれを反映している。そういう意味では、僕から見ればGEZANチームはすごく真面目で、そのピュアさに心を打たれたところがあります。たとえばさ、恋人を殺されたネイティブアメリカンの件は、詳細については映画のなかで検証していないよね。ふつう、ああいうものを映画で表現する時、もうちょっと多角的に検証するものなんだよ。それをせず、ある種、一方的に彼らの悲しみを描いている……というバランス感覚が働くはずなんだよね。 神谷 そうなのか……言われてみればたしかにそうかも。 松尾　でもそれを描かないで自分たちが感じたことをダイレクトに出している。それが良かったんだよ。映画を観ながら「俺はもう、こんなふうに素直には感じられないかもしれないな……」と思ってしまった。きっとこの映画に対して、これからいろんな感想が出てくると思う。「どこかで観たことのある映画」とか「ちょっと展開が弱い」とか。でもそういう感想を持つ人たちって、もしかしたら、素直さを受け入れられなくなっているのかもしれないね。 神谷 素直さを受け入れられない、ですか……。 松尾 ある個人やバンドがああいった現実に直面して何かに昇華していく姿というのは、たしかにこれまでにいろんな人が経験して、いろんな作品が語ってきたことかもしれない。でもそれを変にスッと乗り越えるのではなく、ちょっと立ち止まって考えて、もう一度自分たちの活動と照らし合わせる姿勢は、非常に貴重なものだよ。やっぱりみんな、本読んだりニュース映像見たりして、わかった気になっちゃうから。 神谷 そうですよね。そうやって知ったことと実際に体験することは、全然違うことだと思います。

ーー細かい話なんですけど、ネイティブアメリカンのコミュニティスペース「PROTECT THE SACRED」から外に出た時に、画面が白飛びしますよね。あれは、わざとですか？ 神谷 いや……ミスですね（笑）。 松尾　あのホワイトアウト、良かったよね。 ーーめちゃくちゃ良いですよね。世界が一瞬、真っ白で見えなくなる。そうしてまた見えるようになると、これまで見えてなかったものまで見えてくる。 松尾　ファインダーも見ずに、なおかつ絞りも変えずにそのまま続けたっていうのは、まあ、偶然ではあるかもしれないけど、あれは良かったよ。 ーーこの映画の明確な転換点になっていました。また、これも野暮を承知で聞きたいんですが、映画の最後の方に出てくる天使、あれは何ですか？ 松尾　それは、すごく良い質問だね（笑）。 神谷 そもそもはUSツアーのあいだにMVを撮るつもりでいて、カメラとは違う目線の世界を撮ろうという意図がありました。だから最初からあの天使は本編に入れるつもりでカメラを回していました。編集で付け足したものではないです。ラストカットの天使は想像にお任せします（笑）。 松尾　あの天使のアイデアは良かったよ。

ーー試写会の挨拶で、神谷さんは「見えない戦争が日本にもある」と言っていましたよね。 神谷 日本でふつうに生活しているなかでも、いろんな軋轢がありますよね。それこそ、試写会に来てくれたある人に「この映画を観て、嫌いだった上司の違う部分を見られるようになった」と言われたんですけど。 松尾　え、あの映画を見たことで？ 神谷 そうです。 松尾　……あの映画を見て？ 神谷 （笑）。 松尾　それは不思議な感想だね。嫌いな上司のことは、やっぱり嫌いだけどね（笑）。 神谷 許容とまではいかないけど、みんなそれぞれに正しさがあるんだからもっと別の視点で見てみよう、と思ってくれたみたいで。そういう感想はすごく嬉しい。 ーーつまり、この映画のネイティブアメリカンたちの状況は、ある意味わかりやすい例ではあるけど、本質的には同じことが日本でも起きている、ということですか。 神谷 そういうことです。 ーー「日本、中国、沖縄、みんなひとつだ。でも、白人だけは違う」というセリフは、やはり考えさせられるものでした。 神谷 一見矛盾しているように聞こえるけど、彼らにとっては矛盾していないんですよね。あの言葉、けっこう何回も繰り返していたんですよ。それを聞いているイーグル（タカ、Gt.）の顔もすごかった。あんな顔、見たことないですね。なんとも言えない顔をしていて。そういう仲間の知らなかった表情を見ることができたのも面白かったです。マヒトが語っている時の、ため息をついた時の顔とか。GEZANとは友だちになってから10年近く経ちますけど、それでも見たことのない顔でした。 ーーいよいよ映画は公開されるわけですが、どんな人に観てもらいたいですか。 神谷 音楽が好きな人はもちろん、そうじゃない人にも観てほしいと思っています。この映画に出てくる人って、当てはまる人が案外いると思うんです。何かに挫折して、でも諦めきれない人。性のことで悩んでいる人。僕みたいに、こうやって汚い部屋でひとりで悩んで、誰とも連絡取らずに引きこもっている人。そういう状況の人たちに観てもらいたいです。 松尾　いつからか、ミュージシャンが政治的・社会的メッセージを発することはまったくなくなってしまいましたよね。昔のロックにはそういうところがあったと思うんだけど。なんだか、おじさんみたいな言い方になってしまうけど、今の若い人たちは非常に平和主義的で、直観力も高くて、物事を瞬時に理解できて、お行儀も良いけれど、何をしたら良いかわからないんだと思うんです。政治的なイデオロギーって何なのか。なぜここで戦争が起きているのか。そういうことを頭ではわかっているのかもしれないけど、じゃあ自分たちはどうするのか、ということがわからない。まあ、俺たちの世代がやってこなかったからこうなっているんだけど……。そういう点からもこの映画を観てもらいたいですね。同時代のGEZANというバンドが、こういうアクションを起こしつつあるということを含めて。

ーー皆さんは現役大学生なんですよね。改めてバンド結成の経緯についてお伺いさせてください。 近藤大彗（Vo/Gt）　僕が大学に入る前からバンドを組みたいと思っていて。ずっと前に作ったデモを後藤と2人でご飯食べに行った時に聞かせて、そこから『いいね、やろう』という話になって。2年半の間にメンバーのベースとドラムスが変わり、このメンバーでやっているという感じなんですけど。 ーーちなみに最初は後藤さんにどの曲のデモを聞かせたのでしょうか？ 近藤　現在制作中のアルバムに入る予定の「RAT」という曲なんですけど。高校3年生の時にデモを作って、ずっと暖めといたんです。ちゃんとバンドを組んだときに、絶対やりたいって。 ーー最初デモを聴いてどんな気持ちになりました？ 後藤晋也（Gt）　いやあ、『こんなことしてたのかよ！』となりました（笑）。 ーー仲良くなってからすぐには伝えなかったんですよね？ 近藤　はい。誰にも言いたくなかったんですよ（笑）。人によっては茶化されそうだと思って。本気でやりたそうな奴に目星をつけて、話をした感じです。彼なら音楽の趣味も合いそうだし、オリジナルバンドをやることに、乗ってくれそうだなと思って。この楽曲がアルバムに収録されれば、作ってから4年越しになるので、不思議な気持ちですね。 ーー数年前にリリースした「Tic」が予想以上に反響があって。バンドとして焦ったり、戸惑いを感じたことはありますか？ 杉山沙織（Ba）　私が入った時より、益々注目されるようになっていって。1年程経って、急にMVの再生回数が伸びた時に、それに追いつこうと焦っていた時期もありました。当時は、『このままではいけないんだ』みたいな気持ちだったんですけど。でもだんだん落ち着いてきて、当に自分の中で、いまやるべきことが明確に理解できるようになっていったんだと思います。 ーーどういう背景から変わっていったんですか？ 近藤　物理的に自分たちの演奏のスキルが以前よりもよくなっていったこと。自分たちが納得のいく演奏が増えてったので。自分たちの音楽に対する気持ちの強度が高まったような感じですね。 杉山　確かに。よかったな、って思えるライブがすごい増えてきて。 ーーなるほど。ただ、自分達の人柄としては自分たちは変わってないと。 近藤　そうですね。あまり変わらずにできてると。…、でも最近すごいライブのテンション感は、歌詞とか曲が持ってるテンションにそぐわず、結構ハイな感じになったり、結構動き回ったりもしてたりするんですけど。 ーーハイになってる近藤くんを見て、他のメンバーはどう観ているですか？ 杉山 　そんなに自分たちのテンションと外れたところに、一人でいってしまった感はないです。それが普通になってきてるというか…。なんか今日元気だな、とか（笑）。腰痛そうだなとか（笑）。そんなにやってんな、みたいな感じではない。 後藤　なんか上がる時って、皆がどうかわかんないけど、俺も結構動いたりしてる。 近藤　そう、動いたりしてるよね？ 杉山　私も結構曲によって気持ち入るときもあって。そういうの、あんまうまく出せないんで……。（出せたときは）すごい楽しいです。 ーー考えてみるとお調子者がいないバンドですよね？ 近藤　そうですね……。できるだけ調子に乗らないように。多分、あんまり調子に乗る人を好きじゃないからんでしょうね（笑）。

ーー現在シングルリリースされた「With or Without It」という曲はユニゾンのギターリフが印象的な曲ですよね。 近藤　作ったのは確か、1年以上前だよね？ 一同　（頷く） ーーギターソロのときに前に出て、後ろでリズムを取ってメンバーが踊ってるMVが印象的ですが。 後藤　すごい恥ずかしかったです。 近藤　割と親しい人たちに撮ってもらえてるので。物作りに関しても、大学の映像やってる後輩に構内で撮ってもらって。自分たちが憧れてきた人たちに関わってもらうことも素敵だなって思ったりするんですけど、でも気心知れた人間と、その中で最大のいいものが世の中に放たれて、それがいいと思ってもらえることに、僕はすごいロマンを感じるというか、素晴らしいことだなって。 No Buses - With or Without It (Official Video)

――お二人とも小学校から中学校に上がるまでを海外で過ごされたと聞きました。Tossさんはロンドン、Ryoさんはハワイ。日本と比べて生活と音楽の距離感に違いはありましたか？ Toss　僕が通ってた学校や生活、世代の範疇のことなので、それがすべてなのか、今もそうなのかはわかりませんが、日本に帰ってきて多少感じたことはありました。日本の学校だと、音楽で何かをするとき、例えば合唱コンクールとかになったら、構えて一生懸命練習するイメージがあります。それがロンドンだと、当時流行っていたSpice Girlsの曲を先生も生徒も一緒になって歌って踊る、みたいなことが日常的にありました。 Ryo　僕もTossの話に近いです。ハワイの学校ではふつうにラジオがかかってるんです。日本でも昼休みに放送委員の人が何かかけてたんですけど、ハワイのほうが自由な感じしました。子供の頃からいろんな音楽に自然と触れられたことは、振り返ってみるとよかったと思います。 ――日本に帰ってこられてからの中学時代は、そのギャップに息苦しさを感じることはありましたか？ Ryo　当時はまだ帰国子女やハーフって、ほかの人たちとの間に壁があって、それがいい方向に作用しないこともあったから、英語が話せることを隠してました。それは僕自身の性格の問題だったようにも思います。積極的なタイプではなかったから、本来の自分が周りになじめるようにする努力はしなかったんです。 ――そしてお二人は高校で出会います。その頃には、帰国子女であることへの、ある種のコンプレックスはどうなってましたか？ Ryo　高校のクラスは帰国子女やハーフの人たちがほとんどだったんですけど、そこで解放されたかというとそうではなく……。公立の中学で3年間を過ごしたぶん、今度は”国際色豊かななかにいる日本人”みたいになっちゃって。 Toss　僕もRyoと似たような感じですね。逆に日本の漫画とかにあるヤンキーとか侍魂みたいなものに惹かれて、ちょっとそれぶってみたり（笑） ――そんななか、二人で音楽を始めた。 Toss　そこは仲間や先輩に恵まれてました。いろんな音楽を聴かせてくれたり、音楽の鳴る場所に引っ張っていってくれたり。 Ryo　で、先輩に「なんかやってみろ」って言われて、ヒップホップの何たるかなんてわからないまま、BUDDHA BRANDのビートをひたすらループさせて、Tossがラップして僕が歌って。 ――ブレイクのリズムをひらすらループさせてパフォーマンスする。ヒップホップの創生に近い感じですね。 Ryo　カッコよく言えばそうかも（笑） ――そして現在、sankaraはご自身の音楽を”ヒップホップ”だとおしゃってますよね？ Toss　はい。ジャンルレスに活動していきたいんですけど、根底にあるのはヒップホップなので。 ――では、sankaraにとってのヒップホップとは？ Ryo　子供の頃から親父の影響でR&Bが好きだったんです。Boys Ⅱ Menとか。そして時を経て高校に入って、友達にManhattanRecordsのミックスCDを聴かせてもらったことは大きかったですね。当時はヒップホップとR&Bの融合みたいなことが盛んにおこなわれていました。ラップがあって僕が好きだったR&Bのメロディーがフックにあるみたいな。これがメインストリームにあるヒップホップなら、「Tossがラップして俺が歌えば……、できるかも！」と思った、始まりの気持ちを大切にしたいんです。 Toss　そこからヒップホップのことをいろいろ掘り下げてもいくんですけど、ジャンルとかサウンドスタイルというよりは、いろいろ含めてのマインドですね。だから僕らの曲を「こんなのヒップホップじゃない」と言う人がいても、僕ら2人がヒップホップに共鳴してここまでやってきたことが重要なんです。今回の『BUD』に入っている「State of Mind」には、そんな気持ちが詰まってます。

――教室でほうきをギターとベースに見立てて、バケツをドラム代わりにしてロックンロールと叫んだ。適当に紙を丸めてマイクにしてラップしてヒップホップだって言った。そこがスタートで、もちろんやっていくうちにラップは表現方法でヒップホップはカルチャーだとか、いろいろわかるんですけど、ゴールも同じ地点であるんじゃないかと、私は思います。 Toss　その感覚に近いと思います。だからおのずと自分たちに起こったことを、リアルに書いて表現することになるんです。そこはずっと変わってないですね。 ――「State of Mind」の”真似した歯ブラシでジョーダン磨く”というラインが好きなんです。そこを含む一連の流れがあって”Mookie is trying to do the right thing”で回収されるところも。 Toss　最初は「ヒップホップの人たちは歯ブラシでスニーカーを磨くらしいぜ。すげえキレイになるんだって」ってよくわからないまま真似してその気になって。でも、そもそもどうしてそういう話になってるんだろうって、映画『Do The Right Thing』を観て「なるほど、そういうことか。合ってる！」みたいな。そんなことの繰り返しが、僕らとヒップホップとの関係。超リスペクトして書いたリリックです。 ――だから、”do the right thing”は文化的にもメッセージとしても、素晴らしい締めになっています。 Ryo　僕とTossがsankaraと名乗るようになった当初から「2年で何か掴みたいね」って話してて、今がちょうどその時期なんです。その間に沸々と湧き上がっていた感情が爆発したEPになっているので、言葉の鮮度はすごく高いと思います。 Toss　ちょうどいいタイミングでリリースの話をもらえたことも、ほんとうに恵まれていると思います。その沸々した感情をただ語るのではなく、ちゃんとアートとして違う切り口で曲にしていきたいんです。そのことを、自分たちの経験とヒップホップの文化を照らし合わせて作った「State of Mind」は象徴しているのかなって。そこまで先のことを考えてやれる頭はないんで、後付けの部分が大きいですけど（笑） ――今の話を受けて、あらためてそれぞれの曲のリリックを思い返すと、この作品全体から感じる、自分の足で立つことやオリジナルであることを大切さを、だれよりも獲得したがっていたのは二人なんじゃないかと。高校の頃から一緒に音楽をやってきてsankaraになって2年が経っての今。ここまで正直きつかったですか？ Ryo　表現することがきつかったというより、表現したいことができなかったんです。それは、自分に迷いがあったことが大きいと思います。今はもう吹っ切れてますね。 Toss　僕らのスキル不足だったと思うんです。今は歳を重ねたから書けることもあるし、僕らとしては一生懸命種を蒔いてきたんですけど、今回のタイトル『BUD』が意味する芽すら出なかった時期があったから表現できることもある。だからこのタイミングでリリースできたことは、ある意味定めだとも思います。芽が出てここからどこまで花を咲かせることができるか。エネルギーの向いている方向はすごくポジティヴな作品です。 ――トラックはスムースなイメージなんですけど、そこにある言葉やパフォーマンスは総じて人間くさい。それがsankaraらしさだと思ったのですが、いかがでしょう。 Toss　自分たちのことを偽りなく表現したいんです。それでこそ説得力が生まれると思いますし。でもさっきも少し言いましたけど、生々しく自分のことを書いても仕方がない。

――「俺のことわかってくれ」となるのは、sankaraとしては違う。 Toss　そうですね。そこはトラックとの兼ね合いとか、言葉の使い方とか韻とか、僕らが溜めてきたスキルで、僕らの思うアートに昇華して伝えたい。あとは、僕らががっつりヒップホップシーンのなかで活動してきたわけじゃないから、そこの人たちに「リアルじゃねえよ」とか、思われたくないっていうのもあって。そのある意味怯えてる感情もまたリアルなのかなと。 ――カッコつけるところも含めて、包み隠さない姿勢がウェルカムな空気を作っているように思います。 Toss　さらに言うと、作品を出したりライヴをしたりするということは、いろんな人が関わってくれてるし、聴いてくれる人たちもいるわけじゃないですか。迎合するとか誰かに合わせるとかそういうことではなくて、ウェルカムな姿勢をちゃんと示して、入り口は広く持ちたいんです。そこから繰り返し聴いたり、リリックを追ったりしてみると、面白いことがたくさん出てくる。そういう表現でありたいと思います。sankaraという存在に必要性を感じてくれている人がいるなら、そこには素直に感謝しかないですから。 ――そのベクトルでの新たな音楽的チャレンジもおもしろいと思いました。リードトラックの「Slipping」は、モータウンクラシックや80年代のポップスを思わせるビートの跳ね方が印象的で、私が見てきた限りですが、これまでにはなかったアッパーなトラックになっています。 Ryo　最初はこのビート感ではなかったんです。そこにラップと歌を乗せたときに、「それならこっちがいいんじゃない？」って、トラックメイカーが作り直してきてくれて。sankaraはチルな曲が多いんで、僕にとってもあたらしい感覚でした。 ――ミュージック・ビデオも“ザ・東京”な感じで。 Toss　センター街で撮ってる時に「ユーチューバーだっ！」て言われてました（笑）。今回はダンサーの方々に入ってもらったんですけど、それがすごくよかったと、何度観ても思います。僕らの曲と東京がひとつになって躍動しているようで。

――どの曲にも言えることで、Ryoさんの歌うメロディーの包容力もまたsankaraの大きな特徴。 Ryo　ジャンルとかボーダーなしで、キャッチーなものが好きなんです。自然に体が揺れるとか、歌い出したくなるとか。 ――もがくTossさんのラップ、それを”楽しくいこうぜ”まとめるのがRyoさんの歌、大雑把すぎますけど、そういうイメージが。 Toss　（笑）。それはそうかも。ふだんも僕がすぐ熱くなったり考え込んだりして、Ryoが「まあ落ち着けよ」って。基本的にRyoのフックは”ハワイ感”だと思ってます。いいもの自然体でノーボーダーで出せる。僕も細々考えるタイプではありますけど、カッコつけすぎて小難くなるのは好きじゃないんです。そこの感覚は15年くらい一緒にいるから、言わずとも共有できてますね。

――この先、目指していることについても聞かせてください。 Ryo　ヒップホップを掲げている以上、その土俵でも戦いたいですけど、そのなかでどうこうならなきゃ嫌なわけではなく、広く音楽として楽しんでもらいたいです。 Toss　これからどんな人たちに出会うのか、すごく楽しみにしながら活動できてるんです。今は名前も知られてないし、未知の領域が広すぎるんですけど、これまでも、「ここでやって大丈夫？」みたいな場所で意外と覆せたこともあったから、臆することなくなっていきます。シンプルに、僕らの曲がNHKで流れたらめちゃくちゃ嬉しいですから。 ――6月21日に大阪、6月25日には東京、同じRure Recordsに所属するOpus Innとのダブルリリースパーティがあります。 Ryo　sankaraとしてのリリースパーティは初めてなんで、めちゃくちゃ気合い入ってます。Opus Innはまだ知り合って間もないんですけど、二人ともすげえカッコいいと思うんです。今回はコラボで作った曲を披露するんですけど、いい化学反応が出せたらいいなと、思います。 Toss　僕らもOpus Innの二人も、あまり人懐っこいほうではないしスタイルも違いますけど、一緒に音楽を作ることで、しっかり繋がれた感触がありました。だからOpus Innを観にきたお客さんと、僕らが目的で駆けつけてくれたお客さんがいたとして、「一つになろう」とか言うことじゃないけど、音楽で繋がった者同士だからこその何かが感じられて、自然とそうなるようなパフォーマンスをしたいと思います。

――今回の「killer tune kills me feat. YonYon」でのみなさんのコラボレーションは、堀込さんからYonYonさんに声をかける形で実現したものだったそうですね。堀込さんが、YonYonさんのことを知ったきっかけはどんなものだったんでしょうか。 堀込高樹　車を運転しながらFMラジオを聴いていたら、SIRUPさんと2xxx!（ツートリプレックス）さんとの「Mirror（選択）」がたまたま流れてきたのがきっかけでした。最初は「あ、韓国語だ」と思ったんですけど、「いや、韓国語に日本語も混ざってる。この曲は何だろう？」と気になって。後で調べてみたらそれがYonYonさんだったんですよ。それで、最初はシンガーかと思っていたら、調べていくうちに『森、道、市場』にDJとして出ることを知って、「DJでもあるんだ？！」と（笑）。それで、すごくユニークな人だな、と思っていたんですよ。その後、しばらくしてKIRINJIのInstagramを開いたら、YonYonさんのアカウントからフォロー申請が来ていて。「もしかしてあのYonYonさん？」と聞いたら「そうです」と。それで、「もしKIRINJIでフィーチャリングすることがあったら、お願いできたりするの？」と聞いたところ、「いいですよ」と返事をもらいました。もしも合う曲が出来たら、そのときはぜひお願いしたいということを、ふわっとお伝えしたんです。 ――それはいつ頃の話だったか覚えていますか？ YonYon　今年の早い時期だったと思います。でも、私が何でそのタイミングでKIRINJIのInstagramをフォローしたのかは、実は全然覚えていないんです……（笑）。 堀込＆弓木英梨乃　（笑）。 YonYon　でも、私は普段からDJとして活動していくために色んな曲を掘っているので、気になったアーティストは順不同でフォローしていくところがあって。きっと、KIRINJIもその中でフォローしたんだと思います。 ――つまり、ちょうどいいタイミングで、それぞれがお互いの音楽に自然にたどり着いていたんですね。弓木さんは、YonYonさんのことは知っていたんですか？ 弓木　私は、もともとYonYonさんがイベントをされていることはインターネットの記事を見て知っていたんですけど、「killer tune kills me」でご一緒するまでは、音楽活動をされていることは知らなくて。今回、高樹さんから「新しい曲は弓木ちゃんがメインボーカルで、YonYonさんをフィーチャリングしようと思う」という話を聞いてから、「YonYonさんのことをちゃんと知ろう」と思って調べていきました。それで、「色んなことをやっている人なんだ！」と。 YonYon　分かりづらくてすみません（笑）。 堀込　YonYonさんは、第一に日本語と韓国語をどちらも使えることが魅力的ですよね。それから、今回の「killer tune kills me」で言うと、弓木さんとの声の対比もいい形になると思ったんです。弓木さんは少し高めの声で、YonYonさんはハスキーというほどハスキーではないけれど、どこか中域が印象的な歌声で。それから、ラッパーでもあり、シンガーでもあるというところも魅力的なので、結果的に色々とお願いすることになりました。 弓木　私は、最初に「YonYonさんと一緒に曲をつくる」という話になったときに、「高樹さんらしいな」と思って、すごく腑に落ちた部分があったんです。KIRINJIのライブも、最近韓国のお客さんが増えていますし、YonYonさんに韓国語でラップをしてもらうということも、高樹さんが考えそうなことだなぁと思って（笑）。 ――堀込さんは、どんどん新しいことを追求されていく方ですよね。 弓木　そうですね。私は高樹さんと1年間一緒にラジオ（『LIFESTYLE MUSIC 929』）をやっていたんですけど、そこで高樹さんが普段聴いている音楽としてかけている曲を聴いていても「高樹さん、最近こういう曲を聴いているんだな」とか、「次の作品はこういうものになっていくのかな」と自分の中で思ったりしていて、そういうことを考えても、今回YonYonさんと一緒に曲を作るということは、色んなことが腑に落ちた感覚がありました。そこからYonYonさんのことを知っていったんですけど、自分の中では、YonYonさんは年齢も近くて女性ということで、KIRINJIの中で同じぐらいの年齢の女性とコラボレーションできるということが、すごく嬉しかったです。それで、最近はずーっとYonYonさんのInstagramを過去までさかのぼって……「オシャレだなぁ」って（笑）。YonYonさんはDJプレイもよくアップしているので、「ああ、こういう曲をかけてるんだ」って、すごく刺激を受けています。（YonYonさんに）ありがとうございます。私の毎日に刺激をくれて（笑）。 YonYon　恐縮です（笑）。普段だったらなかなか交わらないところにいる方から声をかけていただいたことが、すごく嬉しかったです。私は普段クラブ・ミュージック界隈で活動していて、その中では割とオープンな方だとは思うんですけど、こうやって声をかけてくれる方というのは、なかなかいないので。本当に、幅広い音楽を聴かれている方なんだな、と思いました。それで、この間『森、道、市場』で初めてKIRINJIのライブを生で観たんですけど、そこではオートチューンも使われていて。「すごく現代的な方なんだ」と思って。 堀込　僕を無理しているおじさんみたいな感じにしないでよ！（笑）。 弓木＆YonYon　あはははは！

――KIRINJIとYonYonさんの表現は、それぞれ違いはあるものの、同時に似ている部分と言いますか、リンクする要素も感じたりはしているのでしょうか？ 堀込　まぁ、音楽的に似ているというわけではないと思うんですけど、でも、YonYonさんがDJでかける曲というのは、自分が普段から聴いている曲とも似ているな、とは感じます。『森、道、市場』でのDJプレイを観ても、自分が知らない曲が色々とかかってはいたけれど、「この曲いいな」と思う感覚には、共感できるところがあって。それもあって、YonYonさんなら、KIRINJIがやっていることも楽しんでやってくれるんじゃないか、と思いました。それに、そもそもコラボするならば、我々のようなミュージシャンの場合、近いところで活動しているアーティスト同士でやっても、面白くはならないと思っているんです。 ――実際、KIRINJIのこれまでのコラボレーションは、KIRINJIに新しい要素を加えてくれるような方々を選んできた印象がありますね。 堀込　そうですね。自分がやっている音楽と似たようなことをやっている人とコラボレーションしても悪いものにはならないというか、むしろ確実にいいものになるとは思うんですけど、一方で、それだと最初からどんなものが出来るか予想がついてしまう。なので、RHYMESTERも、いつかさん（Charisma.com）もそうで、音楽性が違う人とやることの方が、僕は面白さを感じます。特にYonYonさんはまだ若いし、これから活躍していく、これから知られていく人だと思うんですね。なので、今回は有名になる前に声をかけておこうと……（笑）。最近は、人気が出ていくスピードもとても速いですから。 YonYon　最初に声をかけていただいたときはビックリしました。まず、SNSで声をかけていただいたので、本物か偽物か分からなかったんですよ。オファーってだいたいメールで正式に来ることが多いので、私はSNSでのDMは基本的に信用していなくて。

堀込　じゃあ、やべえやつみたいになってたんだ（笑）。 YonYon　いえいえ、そうじゃないんです（笑）。でも、よく海外のアーティストさんで偽物がいるんですよ。「俺はすごく有名だから、コラボすれば海外で売れるよ」ということを言ってくる人が結構いて、そういうDMは全部無視していて。そういうことがある中で、突然すごい人からDMが来たので、「本当なのかな？」と思ったんです。オフィシャルの認証マークがあったので分かったんですけどね。 堀込　正式なルートを辿ってもよかったんですけど、「既にアカウントも分かってるしなぁ」と思って、直接DMを出してみました（笑）。僕らも普段はあまりこういう方法で連絡することはないんですけど、今回はたまたまそういう経緯になりました。 YonYon　でも、レコーディングする日まで、実際に会うことはなかったんですよね。 堀込　そうなんですよ。やりとりをする中であまりそういう雰囲気が出ていなかったので、クラブ界隈の人は当日に初めて会ってレコーディングするのも普通なのかな、と。会って聞いてみたら、「そんなことはないです」という話だったので、こっちが勝手に解釈しちゃっていたんです（笑）。 弓木　そういえば、高樹さんのプライベート・スタジオに歌入れのために行ったときに、「まだYonYonとDMでしかやりとりしていないんだけど、大丈夫なのかな？」とすごく心配していました（笑）。 堀込　（笑）。無事に楽曲が出来てよかったですね。 ――ということは、レコーディング前の楽曲のやりとりに関しては、すべてデータを往復する形で進めていったということですか？ 堀込　はい。ただ、ここでもひとつ行き違いがあったんですよ。最初にこっちからメールでデモを送ったんですけど、3回ほど、徐々に音や歌詞を変えて送っても全然返事がなくて。「おかしいな？」と思ってDMに送ると、すぐに返事が返ってくるんです。「これはどういうことなんだろう？」と思っていたら、どうやら僕がアドレスを間違えていたらしくて（笑）。だから、「デモ音源に加えて、今回の歌詞はこういうテーマで、こういうことを歌っています」と曲の内容について書いたメールを、何にも知らない人が受け取っていた可能性があるという……。「デモデモ詐欺」じゃないですけど、「デモテープがここにあるから、クリックしてみてね」という、変なフィッシングメールみたいになっていた可能性があるんです。 弓木＆YonYon　「デモデモ詐欺」！！ 堀込　だから、最終的によく完成したと思いました（笑）。曲自体は、いつも通り僕がデモを作る段階で、徐々に徐々にかためていきました。シングルなので親しみやすいものがいいと思いながら、いくつか曲を作っていって。それを最終的に2つほどに絞りました。

――それぞれ曲調は違ったんですか？ 堀込　違いましたね。採用しなかった方はもっと暗い、サイケっぽいファンクだったので。でも、「killer tune kills me」の方がメロディアスでいいなと思って、最終的にこっちを選んだ感じです。そのときに、メロディの雰囲気も踏まえると、今回は僕が歌うよりも、弓木さんしかり、女性に歌ってもらった方がいいと思いました。弓木さんにはライブではたくさん歌ってもらっているし、アルバム曲でも歌ってくれていますけど、「そういえば、シングルで歌ってもらったことはなかったな」と思って。それで今回は、弓木さんに歌をお願いすることにしました。そこから、「もうひとり誰かに歌ってもらいたい」と考えたときに、「あ、そうだ！」とYonYonさんを思い出したんです。「killer tune kills me」は曲自体のハーモニーやメロディに女性っぽさがありつつも、ビートの強い雰囲気もあって――。 ――どこかディスコっぽい要素も感じられる曲になっていると思いました。 堀込　そうですね。なので、クラブっぽいフレーバーも感じさせたいと思ったときに、YonYonさんならぴったりだと思ってお声がけした形です。 ――昨年のKIRINJIのアルバム『愛をあるだけ、すべて』は、KIRINJIの中にヒップホップやR&B、クラブ・ミュージックの要素が入ってきた作品だったと思うのですが、「killer tune kills me」も、その延長線上にあるようなサウンドになっていますね。 堀込　まだその方向性に飽きていない、ということなんだと思います。僕がKIRINJIでこれまで作ってきた曲というのは、基本的に8小節のA（メロ）があって、また8小節のB（メロ）があって、サビがあってという、J-POP的な組み立てでしたけど、今回はBだけ少し変化はするものの、基本的には同じ進行のループを基調にした曲になっていて。最近は、それでも4分間飽きることなく聴いてもらえるような曲が、自分としても「上手く作れるようになってきたな」と感じているんです。そもそも、AがあってBがあって、サビがあって……という展開は、J-POP以外にはなかなかないですよね。それ自体はすごく好きだし、非常に面白いものだと思うんですけど、同時に僕はこれまでの活動の中で、「そういう曲はもう随分やったな」と感じている部分もあって。なので、今ライブだけでやっている新曲もループものなんですよ。その中で緩急をつける面白さを感じているところですね。 ――では、弓木さん＆YonYonさんのボーカルパートはどんな風に進めていったのですか？ 堀込　弓木さんのボーカルパートについては、僕がメロディを考えて、それをもとに話し合って進めていきました。でも、だいたい弓木さんのイメージ通りだったよね？ ――聴かせていただいて、『愛をあるだけ、すべて』で弓木さんがボーカルを担当した「After the Party」と比べても、しっとりとした大人の余韻が感じられる歌い方だと思いました。 弓木　そこはすごく意識しました。高樹さんとラジオをやってきた中で、高樹さんがThe Marías（ジャズやファンクの要素も取り入れたLAのビンテージ・サイケ・ポップ・バンド）を紹介して、「こういう曲、弓木ちゃんに合うと思うんだよね」ということを言われたことがあったんです。今回も「こういう歌い方はどうかな？」と、そういう雰囲気の音楽を共有して歌っていきました。そもそも、前のアルバムから、「あまり可愛く歌いすぎない」ということを少しずつ意識していたんですけど、今回はより意識した感覚です。私は口角を上げるとすぐ子供っぽい声になってしまうので、お家でも色々と聴いて歌い方を考えました。 ――歌い方を色々と工夫していった、と。 弓木　そうですね。こんなに考えたのは初めてだったかもしれないです。KIRINJIに入った頃は、高樹さんが「もっと普段喋っているような感じで歌えばいいのに」と言ってくれていたんですけど、そういう時期を経て、今はまた歌い方を意識するようになりました。 堀込　でも、今話しているときの声と、「killer tune kills me」の声って、割と近いようにも感じられるんだけど？ 弓木　だから、言葉にすると難しいんですけど、全部気を抜いてしまうのではなくて、「バランスを考える」ということを、初めてすごく意識したんだと思います。

――一方、YonYonさんのラップ＆ボーカルパートはどんな風に考えていったんですか？　 YonYon　デモをいただいた段階である程度テーマが決まっていて、弓木さんのパートの歌詞も既にあったので、私はそこにどういう要素を加えて、ストーリー性を持たせるか、ということを考えていきました。私の解釈では、恋に傷ついた女の子が、これまでずっと聴いていた曲が苦しくて聴けない状態になっているのが1番の歌詞で、その音楽＝別れた彼氏なんだろうな、と思っていて。でも、最後はポジティブに終われたらいいな、と思ったので、2番の私のパートでは、何かしらのきっかけでその子が過去の曲に触れられるようになって、その曲や過去の恋を「いいものだった」と思えるような方向に持っていきたいと思いました。 ――過去に向き合えること自体がポジティブな体験だ、というニュアンスですね。 YonYon　はい。決して「もう一度やり直したい」ということではないんですけど、過去の恋愛もいい思い出として向き合えるような、そういう女の子にしたいと思ったので、まずは歌詞に出てくる「killer tune」をもう一度聴けるようになるきっかけづくりを、韓国語のパートに入れて、「その結果どうなったか」ということを日本語の歌詞にしていきました。 ――韓国語のパートには「絆創膏」のようなモチーフが出てくるんですよね？ YonYon　そうです。絆創膏って、人がケガをしたときに傷口に貼るものですけど、特に女性だと、「その傷口を見せないために貼る」という部分もありますよね。そのパートで書いたのは、「傷ついた心に絆創膏を貼って隠しても、結局その傷口は残ったままだし、まだ傷も癒えていない」ということですね。 堀込　僕がもともと書いていた他のパートから歌詞の内容を汲み取ってくれて、そのディテールをさらに詰めてくれたような感覚でした。ドンピシャでいいものにしてくれました。

――そもそも、「killer tune」を終わった恋のモチーフとして登場させるというテーマはどんな風に出てきたアイディアだったんでしょう？ 堀込：最初は、サビの「♪killer tune～」という部分のメロディが浮かんで、そこに「killer tune」という言葉がはまって、そこから発想していきました。恋愛の話ではないんですけど、自分のことを考えてみたときに、ひとつの音楽に対して、今は10代の頃のようにどハマりできないな、という気持ちを感じていたんです。これは自分の年齢的なものが関係しているのかもしれないし、もしかしたらストリーミングサービスで聴くことが増えているからなのかもしれないですけど、思い返せば、10代の頃って同じ曲をずっと繰り返し聴いていて、ご飯を食べる以外の時間はずっとその曲を聴いているようなことがあったんですよ。 ――僕も音楽を聴くために友達の誘いを断って帰る日がありました（笑）。 堀込　そうそう！　友達には全然理解されなかったですよね（笑）。もちろん今も「この曲いいな」と思って繰り返し聴くことはよくあるんですけど、過去にそれくらいひとつの音楽にどハマりする経験をしていたので、そのハマり具合って「昔は全然違ったな」「あんな経験って、もうできないのかな」と、少し寂しさを感じる部分があったりして。これってつまり、「キラーチューンに出会えていないんだな」と思ったんです。なので、「キラーチューンに出会えない」というのが最初のテーマだったんですよ。ただ、今回せっかく弓木さんとYonYonさんに歌ってもらうなら、「彼氏に出会えない」ことと「キラーチューンに出会えない」ことをくっつけて、どっちともとれるような組み立てにしたいと思いました。 ――堀込さんが10代の頃にひとつの曲に強烈に惹かれた経験と、恋愛において相手に強烈に惹かれるようなモチーフが、楽曲の中で重ねられているということなんですね。 堀込　弓木さんとYonYonさんに歌ってもらえるなら、現代の若者の姿が浮かぶようなモチーフを入れたいと思ったので、歌詞の内容も、SNSやストリーミングサービスを使っているところを連想させるものになっています。でも、そうやって「あの人元気かな？ 2人でよく聴いた曲を今聴くと、やっぱりいい曲だな」と感じることって、当然若い人だけではなくて、色んな世代の人に伝わることでもありますよね。だからこそ、今回の曲のテーマとしてもいいんじゃないかと思っていたんです。 ――なるほど。幅広い世代の人々に向けられたものになっている、ということですね。最後になりましたが、「killer tune kills me」というタイトルにひっかけて、みなさんが今思いつくお気に入りのキラーチューンを教えてもらえると嬉しいです。 堀込　ここ何年かの曲で言うと、僕はファレル・ウィリアムスの「Happy」ですね。あの曲は誰が聴いてもキラーチューンだと思いますし、最近CMで流れてきても、いまだにいい曲だと思うので。あれはよっぽどのキラーチューンなんじゃないかな、と。「Happy」と言っているにもかかわらず、実は曲調は意外と落ち着いていて、「バカ明るい」という感じでもなかったりするところも好きですね。あと、ミックスがとにかくいいと思うんですよ。どこまで音量を上げていっても、うるさくはならないというか。 YonYon　私の場合、DJという職業柄、ものすごい量の曲を聴くんですけど、その中でも最近ビビッと来た曲をキラーチューンとしてもいいですか？　だとするなら、So!YoON!の「Noonwalk（Feat. SUMIN）」ですね。So!YoON!はもともとSe So Neonというバンドで活動しているボーカルの女の子のソロ・プロジェクトで、この曲は今年出たファースト・アルバムの3曲目です。フィーチャリングにSUMINというシンガー・ソングライターの方が参加しているんですけど、「Se So Neonっぽい音なのかな？」と思っていたら、全然違うもので、曲の展開がすごいんですよ。2分ちょっとまではモダンR&Bっぽい感じで進んでいくのに、そこから急にブルースのギターが入ってきたりしていて。その変わる瞬間にドキッとして「なんてかっこいい曲なんだろう」と思いました。 弓木　その曲、聴きました。最近、YonYonさんが上げているプレイリストをチェックしたりもしているんですけど、私もすごく面白い曲だと思いました。最近、韓国のDEANの音楽もYonYonさんがきっかけで「いいな」と思いました。私のキラーチューンは……最近のものではないですけど、ジョン・メイヤーの「New Light」ですね。最近、「ギター・ソロが死んだ」という話があるじゃないですか？　自分はギタリストなので、その中でどうギターを弾いてかっこいいプレイを見せられるか、ということは考えているんです。たとえば、H.E.R.やセイント・ヴィンセントのような人たちって、普通に歌ってもいますけど、途中でギター・ソロを弾きはじめたりしますよね。そんなふうに、まだまだ色んなやり方があると思っていて。ジョン・メイヤーは、もともとギターが上手い人なのにそれを前面に出すわけではなくて、曲の中の短いフレーズだけでもギターのかっこよさを見せてくれる人だと思っています。この曲はとてもいい曲なので、最近聴いている回数が一番多い曲ですね。

──最初にお聞きしたいのですが、キャスパーさんは正式メンバーなのですか？ キャスパー・フェルナンデス（Gt）　うん。去年のクリスマスあたりからバンドに参加してる。バーで話し合っているうちにそういうことになったんだ。 ダン・ジャエール・ニールセン（Dr）　「もう一人ギタリストが欲しい」という話は以前からしていて、だったらキャスパーが適任だとみんな思っていたから、彼をバーに連れ出して酔っ払わせてメンバーに入れた。 キャスパー　ほんとはもうロックは辞めてフラメンコ・ギターに転向しようと思っていたんだよね。だけど酒を飲まされ嫌とはされない状態になって、気づいたら日本まで来ていたよ（笑）。

──よろしくお願いします（笑）。ええと、昨年リリースされた最新作『Beyondless』に関するインタビューは、前回の来日公演の際にやらせてもらっているので、今日は改めてバンド結成当時の話や、皆さんがこれまでにしてきた「重大な決断」についてなどを聞かせてください。 全員　OK。 ──キャスパー以外の4人は中学生の頃から「オシャレな不良」として有名で（笑）、音楽を始める前から仲が良かったそうですね。実際どんな少年時代を過ごしたのですか？ ヤコブ・ツィリン・プレス（Ba）　俺とエリアスは幼馴染みで、後の2人は共通の友人がいて一緒に遊びはじめた。 エリアス・ベンダー・ロネンフェルト（Vo、Gt）　若い頃は誰しも自分のアイデンディティを探すのに夢中で、同じような環境や価値観、メンタリティを持った者どうしがくっつくだろ。そんな感じで仲良くなっていったんだ。ダンはドラムが叩けるし、ヨハンはギターが弾けるし、俺は歌うのが好きだったということもあって、ごく自然な流れでバンドを組んでいたね。しかもヤコブの親は神父だから、教会の地下にある部屋を自由に使えることができた、当然のようにそこがリハーサルスタジオ兼、溜まり場となっていったわけ。 ダン　楽しくて続けていたら、いつの間にかオリジナル曲まで出来ていたというね。 ──オリジナル曲を作り始めたのは、当時のフラストレーションを解消するためでもあった？ ヤコブ　その質問について、今なら素直に「イエス」と答えられるけど、当時の自分たちならきっと否定していただろうね（笑）。もともと、あまり演奏能力がなかったからカヴァーすらマトモに出来ず、自分たちで好きなように演奏するためにはオリジナルが必要だったというのも理由の一つだったかな。コペンハーゲンには、俺たちが魅力を感じるバンドも全然いなかったし、「だったら自分たちが聴きたい音楽を自分たちで作るか」というモチベーションがあったことも事実だよ。

──なるほど。Iceageは結成して今年で11年目に入りましたが、活動を続けていく中で何か「重大な決断」をしなければならない局面はありましたか？ ヤコブ　うーん、どうだろう。「人生の選択」って色々あったと思うけど、ほとんどが自然の成り行きというか。「これだ！」みたいな決断をしたことがないし、どれもさほど難しい選択でもなかったし、特にそれで後悔もしていないかな。 ダン　そう考えてみると、その時は「重大な決断」だと思っていたことも、実際には大したことなかった場合が多いよね。バンドを続けるためには学校を辞めなきゃならなかったり、次の展開に向けてバンドの方向性を決めなきゃならなかったり色々あったけど、どれも先のことを見据えながら計画的にやってきたわけでもないし。 エリアス　俺とヤコブはファースト・アルバムを出すタイミングで高校を退学したのだけど、それさえも特に難しい決断じゃなかったな。遅かれ早かれ、結局のところ辞めてたような気がするしね。 ヨハン・ウィート（Gt、Ch）　うん、俺も特にこれといって思い浮かばないな。

キャスパー　僕はこのバンドに加入することが、最近では最も大きな決断だったかな。そのおかげで今こうして日本でインタビューされたりしてるんだからね、数ヶ月前には想像もしてなかったことだよ。 ──日本では、人と違う生き方をするのにとても勇気が必要だったり、足並みを揃えない人に対する同調圧力がとても強かったりします。高校を途中で辞めて、ミュージシャンとして生きていくことへの不安などはありませんでしたか？ ヤコブ　デンマークは福祉がとてもしっかりしているから、そういう点では日本と少し違うのかもしれないね。もし俺が今から学校に戻りたいと思えば、いつでも戻って学び直すことが出来る。なので、日本人ほどストレスや不安を感じずにいられるというか。 エリアス　それでも俺は、チャンスがあるなら掴みにいけと日本のみんなに言いたいけどね。夢を追求するのにタイミングってすごく大事だし、色々やってみた方が、きっと後悔のない人生を歩めると思う。日本でだって、学校にはいつでも戻れるわけだしね。 ──エリアスは読書家で、様々な本から楽曲のインスピレーションを得ているそうですね。最近はどんな本を読みました？ エリアス　サム・シェパードが書いた『A Lie Of The Mind』という戯曲はすごく面白かったな。恋人を殺してしまったと信じ込んでいる男の話で、実際には彼女を暴行で脳死させていて、それに対してお互いがどう折り合いをつけていくのか？　という。かなり悲しくて難解なラブストーリーなんだ。

──そういう本はいつも、どんな基準で選んでいるのですか？ エリアス　その本は親父から譲り受けた。誰かに薦められて読み始めることもあれば、本屋に足を運んで面白そうな音を適当に選ぶこともある。音楽と一緒だよ（笑）。 ──そういうインスピレーション元みたいなものは、他のメンバーのみなさんにもありますか？ ヤコブ　それこそ音楽でも映画でも、見聞きした全てのものから無意識に影響されていると思うよ。 ダン　様々な体験や思考、インプットしてきた情報が、「自分」というタンクの中でいっぱいになって、そこから溢れ出たものがクリエイティブな創造物になっているのだと思う。あらゆることから影響を受けているから、「これとこれとこれ」みたいに3つ選んで並べることはとても出来ないよ（笑）。 しかも、俺たちがこれまで生きてきた人生に加えて、100年くらいある音楽の歴史というか積み重ねがあった上での「影響」だからね。そこはすごく抽象的な部分だし、自分でもあえて分析してみようとは思わない。謎めいたままでいいんじゃないかな。ただ、実際にアウトプットされたものを検証してみると、「あ、これってあの曲からの影響が反映されているな」と感じることはあるよね。

──以前のインタビューでエリアスに、デンマークが常に「世界の幸福度ランキング」で上位なのは何故かと尋ねたところ、「世界で一番プロザック（抗うつ剤）を飲んでいる国だからだ」と返ってきたのがずっと印象に残っているんですよ（笑）。もちろん、ブラックジョークなのは分かっているのですが。 エリアス　うん、その時のことは俺も覚えてる。もちろん君の言うように、あれはブラックジョークだったし、事態はもっと複雑だ。 少なくとも、デンマークが世界で最も幸福な国の一つだとは思ってないな。「幸福度ランキング」の調査がどのように実施されたのか分からないけど、きっとデンマーク人の穏やかな国民性からして、「幸せかって？　まあ、そうだね」みたいな答え方をみんなすると思う。これが南米のような、ものすごく情熱的な国々だと「めちゃめちゃ幸せだよ！」か、「とんでもない国だ！」のどちらかに振り切ってしまうんじゃないかな（笑）。 ダン　実際、デンマークには難民もいるし貧困層も存在していて、そういうところにまで調査が行き渡っているのか疑問だよね。 ──なぜ今回、再びこのことを尋ねたのかというと、日本では「北欧はいい国」「見習うべきは北欧」という意見がとても多く、社会制度も人口も全く違う国を単純に比較できるのだろうか？　とずっと違和感を抱いていたからなのです。 エリアス　日本の労働者が働き過ぎだという話はよく聞くけど、他の国を見習う必要なんて全然ないと思うよ。その国にはその国での幸せの見つけ方があるわけだし、幸せかどうかは他人と比較して決めることではないんじゃないかな。 ダン　日本人が北欧を羨ましがったり、見習うべきだと思ったりするのと同じように、僕らからすれば東欧のシンプルな生き方や考え方が羨ましかったり、見習うべきじゃないかと思ったりするからね（笑）。「隣の芝生は青い」っていうだろ？

──本作は、ツアーが終わり帰国してから映画化の動きが始まりました。最初にこれらの映像を映画にすると聞いた時、率直にどう思いましたか？ マヒト　ドキュメンタリー映画に対して強いリスペクトを持っているので、正直「自分たちは映画になるほどのことを成し遂げているんだろうか？」という気持ちになりました。今の世の中にあふれているドキュメンタリー風の作品に対して斜に構えていた部分があったんです。だから懐疑的な目線は常に頭の片隅にありました。 ──すぐには「やろう！」というモードに入らなかったんですね。 マヒト　やるやらないということは、その時はあまり考えなかったですね。もちろん、映画になったら良いなとは思いましたけど。いきなり結論に近い話をすると、この映画では一応『全感覚祭』が切り目になっているけど、劇中で描かれていた葛藤に対する答えは、まだ自分のなかでは全然出ていないんです。むしろこれから挑戦していくんだと思っている。月並みな言い方だけど、映画と日常は繋がっていて、これからもっといろんなものが変わっていく。その始まりを捉えたという意味ではちゃんと映画になったし、すごく貴重なものだとも思いました。 ──そもそも、なぜアメリカでツアーを行うことにしたんでしょう？ マヒト　エンジニアのスティーブ・アルビニがすごく好きなんです。彼と一緒にレコーディングをする話が進んでいたので、それに合わせてツアーを組んだということですね。 ──映像作家の神谷亮佑さんを連れて行ったのはなぜですか？　まだその時点では映画の話は一切出ていなかったようですし、神谷さん自身、経済的な理由で当初はあまり乗り気ではなかったと伺いました。マヒトさんたちに半ば説得された、とも言っています。 マヒト　その質問の答えになっているかわからないけど、モノをゼロからつくり出すセンスと同じように、「居合わせるセンス」というものがあると思うんです。 ──「居合わせるセンス」ですか。 マヒト　大事なタイミングで大事なところに居合わせるセンスというものがあると思っているんです。あまりにも情報過多でさまざまなことが同時多発的に起き続けている今の世界で、何をキャッチして何を排除するか、つまりどう取捨選択するかは、「センス」という言葉とほぼ同じだと思うんです。自分にとって、でるお（神谷）がアメリカツアーに行くということがその時の取捨選択だったし、そこにちゃんと居合わせることが、でるおの才能だと思う。 ──それは、元々神谷さんが持っていたもの？ マヒト　こうして友達になって一緒にいるということもひとつのセンスだと思うんです。俺はそれをあいつの才能だと思っている。そして今回の映画は、そういうものの連鎖でできた気がする。カンパニー松尾さんやSPACE SHOWER FILMの高根さんとの出会いも含め、いろんな人と繋がっていくテンポ感も自然だった。あのツアーから今年の『全感覚祭』を含めた大きな挑戦に繋がっている流れを見ると、誰が書いた脚本かわからないけど、仮に神様みたいなものがいるとしたら、神様が書いた脚本はすごくきれいでしたよね。一本の美しい流れがあった。 ──当人たちの想定していたものとはまったく違う方へ進んでいるにもかかわらず、結果的にはとてもきれいな構造の映画になりましたよね。いろんな偶然が繋がって一本の線になっていて、「もしかしてこれはフェイクドキュメンタリーなんじゃないか？」と疑ってしまうほどでした。たとえば、帰国して神谷さんが音信不通になった際、マヒトさんは神谷さんの家に押しかけますが、あの時、なぜマヒトさんはカメラを持っていたんでしょうか？　あれがなければ、映画は全然違うものになっていたと思います。 マヒト　ドキュメンタリー作品が本当に好きで、平野勝之さんの『監督失格』とか岩淵弘樹さんの『遭難フリーター』とか、人のダラダラしているところまで映画にしちゃう実録モノが大好きなんです。だからあの時は、もし神谷が死んでいたらちゃんとフィルムに収めたい、という思考が完全に働いていましたね。 ──死んでいる前提だったんですね（笑）。 マヒト　悲しいけどちゃんと回さなきゃ、と。カメラのボタンを押さずにそのドキュメントに遭うのか、そうではないのか。どちらにせよ悲しいんだったら撮れていた方が良いし。 ──無意識のうちに、カメラを通して悲しみを和らげようとしていた、という可能性はありませんか？ マヒト　いや、それはまったくないですね。俺もちょっと壊れてるので（笑）。というか、良いことも悪いことも、日常生活のすべてが大きな創造物のなかでまわっていると思っているし、「つくる」ことをいちばん信用しているんです。葛藤やトラブルやネガティブな気持ちがあった時、ある人はパートナーや家族の存在によって乗り越えるんだろうし、ある人はドラッグに逃げるんだろうけど、それが自分にとっては「つくる」ことなんです。だからカメラのボタンを押せたんだと思う。

──アメリカツアー後のマヒトさんの様子を、神谷さんは「落ち込んでいた。マヒトのあんな顔は見たことがなかった」という言葉で表現していました。 マヒト　なんとなく落ち込んでいた気はしますね。やっぱり、ある種の事故みたいに大きなものに出遭ってしまったから。それを知っていようがいまいが日常生活は同じように続いていくわけで、そこのチューニングが難しかった。気持ちが揺らいでしまうのは仕方ないと思います。誰もがある程度、自覚的にも無自覚的にも、物事の背景にある構造を見て見ぬふりして過ごしていると思うんです。普段食べているお肉ひとつをとっても、背景を知ってしまえばもう食べたくないと思ってしまう構造がある。そのことは理解できるんだけど、でもやっぱりお肉は好きだし、高いものばかり食べていたら生活できない現実もある。そういうバランスのなかで、どの扉を開けてどの扉を開けないかを選んでいる。 ──聖人君子でもない限り、すべての扉を開けることはできないですからね。 マヒト　そう。みんな「このドアを開けると生活に支障が出るかもしれないからやめておこう」と選択しているわけですよね。そのバランスがうまい人が、生きていく上でのデザイン能力が高い人だと思います。その点では、でるおもGEZANも、はっきり言って下手。だから気合いでなんとかするしかない（笑）。でも飛び込むことを恐れないことがこのチームの特殊なところだと思います。 ──なるほど。今のところ、映画にかんする印象的な感想などはありましたか。 マヒト　試写を見た奥田愛基（SEALDs創設メンバー）がこんなことを言っていました。「この映画のなかにはいろんな現実がある。それらは、ちょっと勉強している人にとっては知っていて当然のことかもしれない。だけどこの映画は、新しい知識を得たり、誰も知らなかった社会問題を暴き出したりする映画ではなく、そうしたものに無知な奴らが飛び込んで行って、自分たちなりの答えを出そうとする映画」。 ──的確なレビューですね。 マヒト　無知であることが恥とされている世の中で、無防備なまでに自分たちの無知さを表に出して、その恥ずかしさを受け入れていく。そんなふうに何も知らなくても踏み出して良いし、表現しても良い。奥田が言うように、これは社会に対して問題提起する映画ではなくて、そういうものに対する向き合い方のひとつのサンプルだと思うんです。Googleで検索したら1ページ目に出てきて10分以内に読み終わってしまうようなことを、1ヶ月間かけて体験して、半年以上かけて編集して、さらに半年かけていろんなところで上映していく。それがこのドキュメンタリーの正体だと今は思っています。 ──「知る」ということには、いくつかのレイヤーがあると。 マヒト　この映画が2019年に存在する意義を考えると、考え方によっては、SNSや情報の選択の仕方という話に繋がってくると思う。フォロワーの多い有名人の言葉をちょっと入れ替えて自分の言葉のように話したり、それによって異なる立場の人を攻撃して優越感に浸ったり、そういうやり方が当たり前になっているじゃないですか。でもこの映画はそれとは正反対のことをやっている。何かを知るということには自分に合ったペースや噛み砕き方があると思うし、本当はこれくらいのリズムが人間にとって正しいんじゃないかという気もしています。と同時に、これじゃダメだというモヤモヤした気持ちもずっとあるんです。だからこそ次のアクションにしていかなきゃいけない。それがまずは『全感覚祭』なんですよね。 ──今でもモヤモヤしていますか？ マヒト　モヤモヤしますね。いろんなことを忘れて風化させる能力って、ある種の贈り物のようにDNAに組み込まれた機能だと思うんです。そうしないと日常生活に支障を来してしまうし、あらゆる扉を開いたら脳がバグってしまうから。そうして日常を保つためにある程度盲目になっている自分のズルさに落ち込むことがあります。

──映画のなかで「なかったことにはできない」とマヒトさんが言うシーンがあります。とても印象的な言葉ですが、実際は、なかったことにした方がラクなことが多いと思うんです。マヒトさんは「脳がバグってしまう」と言いながらも、自ら扉を開けようとしているように見えます。それは、きついことではないですか？　誰もが「なかったことにはできない」という態度でいられるわけではないと思うんです。 マヒト　きついかきつくないかで言えば、きついですよね（笑）。でも自分は深く考える前に、そこに扉があったら開けてしまうんです。これは癖みたいなもので、無意識にそうしてしまうんですね。悪いものだとわかっていても好奇心が勝ってしまう。それは自分の才能なのかもしれない、と思うこともあります。 ──ネイティブ・アメリカンのコミュニティでのシーンでは、マヒトさんが涙を流すカットがあります。これも映画のなかでとても印象的な場面でした。あの涙は何だったと思いますか？ マヒト　英語がわからないから、実は現場ではあまりよくわかっていなかったんです。たぶん、正確なことは全員わかっていなかったと思う。でもどういう話をしているかだいたいはわかったし、何よりも、あの場の空気で感じ取ってしまった。あれは空気としか言いようがない。 ──感情が伝わってきたんですね。 マヒト　みんな言葉を信用して言葉を介してやり取りしているけど、もっと本質的なものがあると思うんです。それを説明する時に言葉が前に出てしまうだけで。今は言葉の方が速く飛ぶからツールとして使われやすくなっているけど、本当はその前に全部答えが出ている気がしていて。 ──なるほど。だからこそ小説やコラムを書いたり、活動の幅が広がっていくのかもしれませんね。 マヒト　小説に表現を広げていくのはたしかにそういう理由もあるのかもしれない。言葉で伝える時に省かれてしまうもの、言葉の外堀で浮遊しているものを形にできたら、という想いがあります。この映画を見た何人かのミュージシャンが「『全感覚祭』の時に感じたものを理解できた気がした」「時間をかけて答えあわせができた」と言ってくれました。これはまさに、言葉の外堀でしか伝わらないニュアンスだと思うんです。そうしたものが映画のなかでどれほどの解像度で残っているかはわからないけど、そういう感想が出てくるということは、ツイッターの何文字かで収まる事実以上のものは残っているんだと思います。それがこの作品が映画である証拠ですよね。

──最後に、「政治」という言葉に対してマヒトさんが考えていることを知りたいです。昨今、多くのアーティストがこの言葉を避けているように見えます。しかし最近のマヒトさんは、映画の後半に出てくる通り、むしろ積極的にこの言葉を使っているようです。「政治」という言葉を使うことにためらいはないですか？ マヒト　ためらいはあります。言葉の持っている力はわかるし、そのリスクも理解できる。だから『全感覚祭』で「政治」という言葉を使ったのは、半分は皮肉ですよね。あれを聞いたら「どういう意味？」って疑問に思う人がほとんどだろうし、「政治」という言葉を聞いた時に浮かんでくる政治家の顔や選挙演説や国会のイメージと『全感覚祭』の空気は、明らかに相反している。だけど本当は、Politics（政治）というのは、都市国家ポリスにいろんな人が意見を持ち寄って自分たちの生活について考えるということが語源なわけですよね。『全感覚祭』はまさにそういうコンセプトのもとで成り立っているんです。 ──なるほど。 マヒト　そういうものが許された環境のなかで、普段自分がないものとしていた気持ちについて考えたり認識したり、許したりするのは、本来の意味でポリティカルなことだと思うんです。 ──「政治」という漢字がミスリーディングなんでしょうか。特に「治める」という字が。 マヒト　でも一度あるイメージを持ってしまったら、言葉はいろんなものを背負いこんでしまうから。今に至るまでの歴史がそうさせているんでしょうね。自分にとっては「ヒーロー」や「カリスマ」といった言葉も価値があるとは思えないし、「オルタナティブ」や「カウンター」という言葉すら怪しい。「GEZANってどんな音楽やってるの？」と聞かれたら、一応パンクと答えるけど、それも微妙に違う気がする。言葉は過去を内包してしまうんです。だから『全感覚祭』では、「政治」という言葉が持つネガティブな歴史のイメージもふくめて使いました。 ──この映画を見ると、人間は本来的に対立する可能性を持った存在だということがよくわかります。利益も違えば価値観も違う。誰かの優しさが誰かを傷つけることもある。ただ、それはわかるんだけれども、じゃあどうすればいいの？と思う人もいるんじゃないかと思うんです。 マヒト　そこは難しいですよね。この映画は、ある意味ですごく暴力的な映画でもある。逃げ場がないし、自分に返ってくる話だから。もしもこれが政治の映画だったら、まだ逃げようがあるんです。「すごい映画だったけど、やっぱり政治が悪いよな」と優越感に浸ることもできる。でもそれがない。この映画はやはり、物事へのかかわり方についてのひとつのサンプルであって、裏側には「あなたはどうするの？」という問いかけがある。 ──決してネイティブアメリカンについての映画ではないし、ただのバンドのドキュメンタリーでもないと。 マヒト　いろんな物事に置き換えることができる。そういう意味では、この映画はあまり良い映画ではないかもしれない。刺激があることは基本的に良いことだとされがちだけど、一定の量を超えると暴力にもなり得ますよね。それを回収して自分なりにポジティブな方へ進むことができれば良いけど、それは本人次第だから。

──では、マヒトさんはなぜ次に進むことができたんでしょうか。もう何もできなくなってしまう、ということもあり得たと思いますが。 マヒト　やらざるを得ないという感覚が強いんですよね。でもそれは自分の癖なのかもしれない。リアクションとしてより内側にこもる人もいるだろうし、より声が大きくなる人もいる。東日本大震災の時はまさにそうでしたよね。それは良し悪しではなくて、その人の癖や性格なんだろうと思います。 ──それこそ「なかったことにはできない」んですね。 マヒト　この映画には「出会ってしまった意味を知りたい」という素晴らしいコピーがついているけど、すべてこの言葉に集約されていく気がしています。GEZANのメンバーに出会った意味、俺らがでるおに出会ってしまった意味。何か動いたことで次の何かが始まる、そうして連鎖していくことが、自分にとっては救いになっているんです。……ただ、バンドもソロも小説も、それで出し抜いてやろうとか売れてやろうというところからはだいぶ遠くへ来てしまったと感じています。もちろん売れたらラクだし嬉しいけど、もう自分の行動原理はそこにないし、戻れない。 ──だとしたら、マヒトさんはこれから何を目指すんでしょう？ マヒト　どうだろう……。健全な世界が良いですよね。たとえば「ありがとう」と言った時に、そう思った気持ちと同じ意味としてちゃんと届くというような……。人はみんな必ず死ぬのだから、ちゃんと存在しているということはすごく重要だと感じています。やりたいことはそれくらいですね。ちゃんと存在すること。 ──ちゃんと存在すること……。 マヒト　自分が自分の操縦桿をしっかり握って自分自身でいられたら、もう誰に負けることもないし、勝ち負けを超えてそれがオリジナルになるんじゃないか。これほど争いや罵り合いが多いのは、きっと誰も自分自身になれないからだと思うんです。ちゃんと存在できていないから、自分の存在の空白を、差別や他者への否定で補おうとしているんじゃないか。そして「存在する」ためには、なにも田舎に行ってヒッピーをやらなくても良いわけで。自分が繋がるべき人とちゃんと繋がって、それぞれの神様や大事にしたい感覚とともに生きていけば良いんだと思います。