──今回の＜ONE PARK FESTIVAL＞は福井出身の社長も発起人の一人とお伺いしました。このようなフェスは福井では初だったりするんですか？ 地元の人間が主導する、この規模の野外フェスとしては初の試みとなります。これまでも野外フェスは幾つか行われてきましたが、ここまでの規模のものはなかったし。大きな野外フェスで＜sea of green＞がありますが、各県を渡り歩いた末、福井に辿り着いたという、県外のオーガナイザーの方が福井を気に入ってくださったものです。一方、屋内フェスになるとFM福井さんが13年前から行っている(＜BEAT PHOENIX＞)もありますが、音楽フェスで屋外で都市型となると今回が初になります。 ──実施場所や出演アーティストのラインナップ的にも、かなりコンセプチュアルに映ります。ちなみに「やろう!!」と思い立ったキッカケは何だったんですか？ 地元の友達のDJらと「この場所(福井市中央公園)で音楽フェスなんてやったら気持ちいいだろうね」「いつかはやりたいよね……」的な会話が発端でした。 ──では最初から会場である中央公園で演ることありきだったと。 場所ありきでした。「ここで何かやりたい！」「音楽フェスをやりたい！！」「僕も地元で何かやりたい！！！」。この3者の思惑（おもわく）からでした。 ──やはり社長も福井への地元愛が……。 今でこそすっかり東京暮らしが長くなってはいますが、自分は常に福井出身だし、軸足は常に福井にある自負を持って生きてますから。そんな中ここ数年、外から見た福井の音楽シーンの面白さや町のポテンシャルも発見し出して。「今の福井の子たちも面白いことをやってるな……」と感じることもちょいちょいあって。「そろそろそのようなイベントを行うタイミングかな」と。

──機は熟したと。 自分も長く東京で活動し色々と経験も積んできて、国内外での人脈も出来だして、「今だったら自分がここに参画すれば面白いキュレーションになれるんじゃないかな……」との考えもありましたし。まずは地元の友達たちの熱い想いをどこかで形にしたいな…とは個人的には思ってました。 ──そこからその行動に移すタイミングは？ 2年ぐらい前になるのかな？　当初は3人で、「こんなこと出来たら面白いね～」なんて雑談レベルでしたが、僕が福井でのライヴの際にステージから、「フェスやりますから！！」と宣言しちゃったんです。そうすることで引っ込みをつかなくさせて鼓舞していきました。そこから友達が実行委員を組織してくれたり、行政にも色々と協力要請をお願いしたり……。 ──この立地で、しかも白昼にやるには意外なアーティストさんも多く若干そこに啓蒙的な意識も伺えました。 その辺りはこのフェスの座組にも関係していて。このフェスの言い出しっぺの2人が元々DJだったこともあり、当初はダンスミュージックを軸としたフェスにしようというのがまずありました。ダンスミュージックといっても多岐に渡りますが、まずはDJやダンスミュージックに影響を受けている、またはダンスを喚起させるグルーヴ感を演奏できるバンドを中心にラインナップを考えました。

──先ほど社長が「感じている」とおっしゃっていた、「今の福井の音楽シーンの面白さ」をもう少し詳しく。 自分は地元では割とDJの友達が多いんです。そのDJたちがどんなDJを県外や国内外から呼んでいるか？そこにどんなお客さんがついているか？等ですね。なかなかマニアックなDJを呼んでくるし、成功させてるんです。 ──そうらしいですね。あのリッチー・ホウティン(テクノ系のアーティスト)がよく福井を訪れてプレイしているとの話を知り、失礼ですが意外に感じました。 確かにリッチーもここ福井でのキーパーソンではあります。彼は「ENTER.SAKE」という日本酒のブランドを展開していて。その中の供給元の一つが福井の黒龍酒造だったり。また、結婚式の招待状に使われた越前和紙は、僕の友達のDJで今回の運営委員長が手配をしてあげたり。でも、これこそ福井の潜在的なモノづくりの実力だと自分は感じていて。 ──失礼ですがどれも存じなかったです。 ですよね。こんな感じで、あまり国内では取り上げらないが故にけっこう埋もれがちで。なので、直接海外に流れていってしまっているケースが福井の産業ではけっこうあるんです。そんなこんなに面白くて海外からのお客さんも多くいる、そんな現実が増えつつある。いわゆる点で盛り上がっている状況というか。これはもうそろそろその線をつないでいったら、とてつもなく面白い絵が描けるんじゃないかなって。そんなタイミングも感じていたんです。

──福井ではクラブシーンもけっこう盛んだったりするんですね？ そうなんです。僕からすると、「なんでそんなマニアックなDJに800人も入るんだ！？」って感じのものがポツポツあって。今回出演していただくアーティストさんやDJたちもけっこうマメに（DJやライブをしに）福井には来て下さってるし。 ──街にキチンとそのような素地があることを聞き安心しました。失礼な話、けっこうマニアックな方々も出るし、それをこの規模で、しかも街のど真ん中でやっても大丈夫なのか!?との不安もあったもので（笑）。 （笑）。大丈夫ですよ。これまでも色々な方から「マニアックなラインナップだね」と言われてきてますから（笑）。でもお声かけしたアーティストさんたちにしても、芯を持ちつつもふり幅は考えました。マスにアピールできる方はもちろん、啓蒙の意味合いもあったので。 ──まさにそのようなラインナップですよね。何か各アーティストさんに声かけする際の基準ってあったんですか？ まずは「自分たちの実力とプレイでお客さんを巻き込むことが出来るグルーヴ感やスキルを持っているアーティスト」がありました。なので出演していただく各人、かなり高い演奏力と独自のグルーヴ感を擁した方々ばかりで。そういった生の演奏を体感することによって特に若い子たちは音楽の持つ力みたいなものの原体験になったらいいなという想いもありましたし。 ──確かに、どのアーティストさんも特に前知識なく、楽しめる方々ばかりの印象があります。例え知らないアーティストでも身を委ねたり、体感すれば楽しめる音楽性の方々ばかりですもんね。 そこなんです！で、後で調べて知ったり、掘って欲しい面もあって。「実はあの時に出ていた〇〇と〇〇はこんな共通項があって、こんな繋がりがあったんだ!!」的な後々の発見もあるでしょうから。そこまで行けたらいいなとの希望的観測も含めてのラインナップだったりもします。 ──まさに一過性ではなく、その後もしっかりとインフルエンスしていきそうな方々です。ちなみに行政との深い関わりや協力もあっての実現だとお聞きしています。 その辺りは完全に地元の発起人等に任せちゃったんで、僕からは彼らから聞いた範囲になっちゃいますが。みなさんめちゃめちゃ協力的だそうです。あの土地自体、市の持ち物なので。市の協力があったからこそ開催できたところはあります。行政のみなさんの方も、どこか「待ってました！！」があったようで。凄く協力的だし応援していただいてます。 ──その行政の方々の「待ってました！！」感ってなんか分かる気がします。 それもですが、僕個人としては今、新幹線が福井まで伸びる予定がある中、「隣の金沢に勝てるものって何だろう……？」と考えるわけです。今、「福井」と聞いてパッと浮かぶのはきっと永平寺、東尋坊、恐竜、カニ、ちょっと知識のある方になると鯖江の眼鏡、それぐらいでしょう。今は恐竜一人勝ちですが（笑）。そこで「福井に行こう！！」となった際に、もっと福井に来る目的や意義を挙げられるポイントを沢山作りたくて。そんな中、やはり「福井にはこんなフェスもあるしね」と言ってもらえる所まで育てたいんです。 ──では、ゆくゆくは街の年中行事の一つにまでこのフェスを昇華させたいと？ ですね。これを一回目に、これからそこまでなれたら本望です。

──ちなみに何かお手本にしたフェスってあったりするんですか？社長はこれまで国内外様々なフェスに何度も出演してきたわけですが。 よく実行委員たちと話していたのは、僕らもSOILで呼ばれ、出させてもらったイギリスの＜ケルバーン・ガーデン・パーティー＞という小さな町のフェスのような感じが理想でした。ここもわりとダンスミュージックよりのフェスなんですが、イギリス国内外の人気バンドも出れば、DJがずっとテクノを流しているステージもあったり。かと思えば地元の合唱団や地元のお父さんのアマチュアバンドがライヴをするステージもあったり。その音楽のクオリティの高さや集まってくる幅広い層、それから街のお祭りや手作りさや温かさが共存しているフェスで。「あんなフェスがいいよね」的な話はしました。＜ケルバーン・ガーデン・パーティー＞自体、地元の名家の敷地でやっていると思うんですが、そこはステージバックにお城があって。それもアートにペイントされているんです。 ──＜ONE PARK FESTIVAL＞も＜ケルバーン・ガーデン・パーティー＞同様、地元福井で活動しているアーティストもフックアップされ、同じステージに立ちますもんね？ そうなんです。オーディションを行って。そこでも福井の若いミュージシャンたちの底知れぬポテンシャルを感じました。今の福井の若い子のセンスや感覚って凄いところまで来ていたことを目の当たりにして。優勝は「ヘンデカゴン」というジャム系のインストバンドと、特別賞として水咲加奈さんというピアノの弾き語りのシンガーソングライターの女性が出場権を獲得したんですが、他最終エントリーに残ったアーティストたちも、生バンドのヒップホップグループ、MPCを叩くビートメイカー、ロックバンドという幅広さ。各位全く違った音楽性ながらどれも面白くて。 ──フェスに出演する2組についてもう少し詳しく教えて下さい。 hendecagon（ヘンデカゴン）はテクノとワールドミュージックとジャズが融合した感じのグループで。それこそ人力のグルーヴとその音楽性で惹き込むタイプです。もう海外でも通用するレベル。ライブオーディション当日も「踊って!」的なMC一切なしでオーディエンスを最も躍らせてましたから。もう今回のコンセプト通り。一方の水咲加奈さんの歌声は素晴らしい。今、彼女は福井の各地のイベントで引っ張りダコなんですが、「これが今の福井を代表する歌声なのか！！」と、もう一枠特別に用意し、ステージに立ってもらうことにしました。そして、他の3バンドも、同日に福井駅前で開催される「ホームタウンフェス」という音楽祭のステージに出場するんです。こちらはフリーのライブで。 ──では、この日は福井駅前周辺で音が楽しめるわけですね。ちなみにこんなに駅近の公演でやるフェスもあまり類を見ません。 “駅から5分歩いただけでメインステージが楽しめる”。それも売りの一つですから（笑）。加えて場内は自分のスタイルで楽しめるのも魅力で。あと出入りも自由なんで、空き時間等は是非街も散策してもらいたいです。近くにもご飯が美味しいお店が沢山あるので、そこで音漏れでも聴きながら食事をするのもありかも。

──公園内ではどのようなことが楽しめるのでしょう？ ライブステージやそれを立ったり座ったり、寝っ転がったりと自由に観れるエリアはもちろんですが、福井の名物、名産がずらりと並びます。越前そばを始め福井の名店と呼ばれる店が集うフードコートやキッチンカーもあって。あと、福井を中心に北陸全体の伝統的な工芸品、漆や陶器、刃物、和紙のマーケット。それからバーエリアもあり、そこでは20数蔵にも及ぶ、福井のほぼ全ての日本酒の酒蔵さんが一同に介します。もうヘロヘロになること必至でしょう（笑）。他にも子供も楽しめるエリアもあるので、親子で来られても楽しめますし、もうとにかく会場中をウロウロとしてもらい、逆に様々な発見をしてもらいたいです。

──そんな中、今回はハーレーもブースを出します。そこでは人気のバイク展示はもちろん。免許がなくても運転体験できるマシンでエンジンの鼓動を体感できたり、地元福井で人気のDJがプレイし、大人から子どもまで楽しめるアクティビティも設置されると聞いてます。 地元福井で活躍するDJがスピンしますので、是非ここでも楽しんで欲しいです。あと、グラフィティアーティストのESOWさんがそれらに合わせて、20年ぶりにスプレーでグラフィティのライブペインティングをする催しも予定しています。 ──あと、眠るのさえもったいないぐらい音楽を浴びたいなんて方はどのようにしたら良いでしょう？ 周辺のクラブで朝まで遊ぶのもありだと思います。クラブ・Casaでは国内外の著名なDJで朝まで遊べるし、こちらはこちらで“えっ!?”と驚く海外のDJもアサインしてますから。 ──最後に「こんだけ説明したんだからフェスに来いよ！！」的なアジテーションメッセージをお願いします（笑）。 そんなキツくは言えないけど……（笑）。来てくれたら嬉しいです。距離感的にも足を延ばすには各地からちょうどいいでしょうし。ここからまた新たな福井の音楽カルチャーが育まれていくので、その第一回を是非みなさんに体感してもらいたいです。待ってます！！

──今作のEP『27』は、自身名義としては今年2月の配信シングル“道”以来のリリースですね。3年前には2nd EP『24』がありましたが、年齢をタイトルにした作品にはどんな思いを込めているのですか？ 年齢に沿った作品を出し続けようという思いは特になかったんですが、｢The 27 Club｣（※）という言葉があるくらいミュージシャンにとって27歳はひとつの節目なのかなと思っていて。今回のEPは、自分の活動の過程で聞こえてくるポジティブだったり、ネガティブだったり様々な声を受けた上で、今の自分の作品に対しての熱意やアーティストとしてのプライドを表現したような作品になりました。※ジミ･ヘンドリクスやカート･コバーンなど、27歳で他界した音楽家たちの総称。 ──タイトルトラック“27”は、アルバム『PURE』に収録された“Haters”に通ずるメッセージ性を感じました。特に「歌以外はやるな そう言うお前は 言えるような誰かなんだろな」というフレーズは、浮遊感のあるトラックからは予想できないほどダイレクトな表現ですね。 最近、著名人に対してのSNSを介したバッシングが多く見受けられますよね。顔も名前も見えないから誰でも好きなように言えるし、客観視すると｢どうしてこんなこと言うんだろうな？｣と思う発言ばかりで。僕は音楽に限らず、ファッションやアートについてもSNSで発信していくことを重要視しているんですけど、中にはそれを“音楽を軽視している”と捉えて｢音楽以外はやらないでいい！｣と言う人もいて。僕は、ミュージシャンがファッションやアートワークまでセルフプロデュースできるのは大きな強みだと思うので、音楽以外はいらないという考えは不思議なんですよね。だから、活動の上で色んなことをするけど、すべて自分の音楽に繋がるものなんだという思いを歌詞にしました。発表するか迷いましたが、今だからこそ自分の好きなことややりたいことを胸を張って言えるようになったので、これを1曲目にしてEPを作ったんです。

──“「誰でもなくて」また僕は歌に救われる”という歌詞もまた、大きなポイントになっているように感じます。 自分が昔書いた歌詞を聴いて「今の僕には書けないな」と思ったり、勇気づけられることがあるんです。それに、日頃のネガティブな感情は楽曲を作ることで消化していることも多いです。どんな感情も音楽にできるけど、悔しいことや腹が立ったことが原動力になって生まれる楽曲は強いパワーを持つんですよね。 ──“27”に続く“Go Away”も、ネガティブな題材をもとにした歌詞だと思いますが、そういったテーマの楽曲でトラックにおいてはどんなことを意識していますか？ 僕は「トラックとリリックにギャップを持たせたい」という天の邪鬼な節があるんです。以前の“FLY”では、爽やかなサウンドなんだけど歌詞では聴き手を熱く鼓舞していたり。“Go Away”は歌詞のメッセージ性が強いので、トラックはアッパーじゃないけど揺れられるテンション感を目指しました。1stアルバム『BLUE』から2ndアルバム『PURE』にかけては、トラック以上にリリックに重点を置いていたんですが、今作は“24”の頃のようにリリックとトラックのバランスをとって、トラックとしても聴けるような楽曲作りを心がけましたね。先日フランスでライブをしたとき、お客さんは日本語の歌詞は理解できないはずなんですけど“Go Away”は特に反応が良かったんですよ。

──今年だけでもアジアツアーやフランスでのフェス出演を経験されていますが、海外でライブをするとどんなことを感じますか？ キャリアを重ねていつも観に来てくださるファンのかたたちが増える中で、自分をほぼ知らない人たちの前でライブをするのは刺激になりますし、まだまだ必要な部分がたくさんあるなと感じます。海外の人たちは「良いものは良い、良くないものは良くない」というのがはっきりしていますね。フランスのフェスでは、日本でのライブでメインに据えるような楽曲をほとんど外した挑戦的なセットリストだったんですが、お客さんがどんどん増えていって、PAさんやスタッフさんも気に入ってくれて嬉しかったです。音響もとても良かったですね。 ──EPのお話に戻りますが、特に私の印象に残ったのは“もう一度”です。メロディー、歌詞、トラックに含まれる音のひとつひとつまで、幼い頃に聴いていた2000年代の日本のR&Bを想起しました。 当初、2000年代のR&BにインスパイアされたEPを制作しようというアイデアがあって、結果的に今作は違ったコンセプトに落ち着いたんですが、そのアイデアが色濃く反映された楽曲です。“J-R&B”と呼ばれたジャンルの音楽で多用されたメロディーや歌詞の乗せかたを意識したので、僕と同じような音楽の聴きかたをしてきた人には、「わかるわかる！」と感じてもらえる要素が詰まっていると思います。今のメジャーシーンでは古く聴こえるかもしれないという懸念もありましたが、色んなサウンドをやってきた自分ならルーツであるこの音楽性をしっかりと形にできると思ったので、EPに収録しました。

──“もう一度”に続く“Last Peace”は、EP収録曲の中で最もそぎ落とされたサウンドで、新進シンガーFriday Night Plansとの共演が実現しています。顔を見せずに活動するFriday Night Plansにはミステリアスでアーティスティックなイメージを持っていましたが、この楽曲で聴ける彼女のピュアで柔らかい歌声は、向井さんとのデュエットだからこそ引き出されたものなのではないでしょうか。 彼女はどんな曲調でも歌えるんですよね。JJJとSTUTSとやっていた“PRISM”ではラッパーさながらのフロウを聴かせていましたし。彼女名義の作品にはトラックに重点を置いた楽曲が多くて、ヒップホップやR&Bの中でもひときわ尖ったアプローチだと思うんですが、この曲では彼女の声の魅力を十二分に引き出したかったので、アレンジは極力シンプルにしました。ボーカルもほぼ重ねずに少しコーラスが入ってるくらいで、“生”の質感を大切にしています。メロディーは主にFriday Night Plansのアイデアが軸になっていて、歌い出しも彼女からです。歌詞は二人でどのようなストーリーにするかを決めてから、それぞれが歌うパートを書いて持ち寄りました。この歌詞では長年付き合った二人が、“結婚”といった次のステージへ気合いを入れて飛び出すのではなく、じんわりと自然に新しい形を迎えて一緒に進んで行く様子を描きました。27歳になった今だからこそ歌える内容なのかなと思います。 ──中にはこの楽曲でFriday Night Plansに出会うリスナーもいると思いますが、彼女がアーティストとして特に秀でているのは、どんな部分だと思いますか？ 技術があるのはもちろんですがそれだけじゃない、彼女のように歌に対しての良い解釈を持ったアーティストは、なかなかいないと思います。あとは、今ヒップホップやR&Bをやっているアーティストたちはトレンドを取り入れるのが上手いんですが、彼女はその中に自身の個性を活かすセンスを持っていて、バランスがいいですね。この曲のレコーディングで録ったすべてのテイクが素晴らしくて…もはや僕はただのファンですね（笑）。

──そしてEPは“24”のリミックス（※）で締めくくられます。オリジナルは深みのあるビートレスなバラードですが、日本のアーティストと多く関わっているプロデューサーDevin Morrisonの手により、1990年代を彷彿とさせるアーバンな質感に生まれ変わっています。 ※iTunes／Apple Musicのみの限定配信 “24”は自分の楽曲の中でも、未来を見据える歌詞が特に好きなんです。Devin Morrisonは、僕も大好きな1990年代〜2000年代のサウンドをうまく落とし込んでくれる人なので、レイドバックしたヒップホップのビートによってまた新しい楽曲になりました。このEPはCDではなく配信でのリリースですが、このリミックスを含め7曲に僕のアイデンティティが色濃く出ています。リリースを重ねるごとに感じますが、今作もまた今の自分を象徴するような名刺代わりの1枚になりました。 ──27年間の経験で抱いた様々な心情が反映されたEPでしたが、これからの“向井太一”が歳を重ねても変わらず貫くものは何でしょうか。 全員に良く思われることは難しいけど、批判する人たちの言葉に左右されることは今後もないと思います。先ほど話したように僕は天の邪鬼な節があるので、逆にその人たちが批判できないくらいやりきろう！　と思ってしまう（笑）。自分でも驚くほどペースが速いんですが、次に向けた制作もどんどん進んでいて、これまでとまったく違うものになっています。これからも作品を通して自分のやりたいものを素直に表現していくので、期待して待っていてもらえたら嬉しいです。

──お二人は、ファッションにどんなこだわりがありますか？   Natsuki 実は僕、今年の3月から下北沢の『MUD』という古着屋で働いているんです。もともと原宿にあって、好きで通っていた『BUD』というお店のスタッフさんが、独立して新たに始めたお店なんですけど。めちゃめちゃ音楽好きの方で、行くといつも音楽の話で盛り上がってたんですよ。そこで働いているうちに、徐々に古着の知識も身に付いてきています。   着るものに関しては、最近はもう開き直っているというか。バンドもやっているし、どうせ派手だし（笑）、どんな格好してもいいかな、と。「え、これいつ着るかな……？」というようなキラキラで派手なシャツでも、ステージ衣装ならいいかなって。で、結局それを普段も着ているっていう。

──もともとファッションに興味はあった？   Natsuki 中学の頃からずっと好きでしたね。最初に衝撃を受けたのは、Peaceというイギリスのバンドのファッション。めちゃくちゃ細い黒スキニーに革靴を合わせ、白い靴下がちょっと覗いてて。で、上はワケわかんない柄のシャツに、豹柄のコートとか羽織っていて（笑）。高校生の頃に彼らのアー写やMVを見て「カッコよすぎるな」と思っていました。それからはずっとスキニーを履くようになりましたね。   同世代だとSwim DeepやTemplesも好きです。「柄on柄」でゴチャゴチャしてるし、多分そこらへんの古着屋でテキトーに買ってきているのでしょうけど、その感じもいいんですよ。あと、エディ・スリマンも超好きで。彼がイヴ・サンローランにいた時に、ちょうど僕は高校生だったんですけど、コレクションとか毎回見ていましたね。全く無名のバンドマンがランウェイを歩いているのもカッコよくて、けどサンローランなんて買えるワケがないからブランド古着屋へ行って。エディ本人も古着ばっかり着てるし、「これ全部古着屋で揃うだろ」って（笑）。

──Natsukiさんにとっては、その頃から音楽とファッションは切り離せないものだったのですね？   Natsuki 逆に、そこを切り離して考えている人が理解できなくて。絶対一緒だと思う。エディのコレクションを見ても、シーズンによって60年代風だったり70年代風だったり。「これは明らかにヴェルヴェッツだな」「これカート・コバーンだろ」とか。その混ぜ方も、絶妙なバランスなんですよ。だから僕も、ジザメリの当時のアー写とか参考にして取り入れたりしていますね。   ──ガチの60年代だったり70年代だったりするのではなく、周回するたびにその時々の要素をブレンドして新しい着こなしになっているんですよね。   Natsuki そうなんですよ。だからきっと何年か経って、00年代風や10年代風なんていうのも出てくるのでしょうね。

──Erikaさんはどうですか？   Erika うちは、母親が大学を卒業してデザイナーをやっていたり、父親がグッズ制作をやっていたりしたので、家には常に服が揃っていたんです。ヴィンテージの服や、バンドのTシャツなんかもあって、ステージ衣装として母が持っていたドレスを着ることもあるし、自分のファッションは両親の影響が強いですね。   中高の頃はCrystal Castlesが好きだったんですけど、アリス・グラスがヴィンテージのドレスにスニーカーとか合わせているのがすごく可愛くて。髪型とかもしょっちゅう変わるしタイツとかも変な色で（笑）、そういうところにすごく影響を受けていると思います。

──今はどんなところで服を買っているんですか？   Erika 古着屋で買うこともあるし、ネットで買うこともあります。自分の中にコンセプトがあるんですよ。例えば90年代とか80年代の映画とかに出てきそうなファッションというか。私、ホラー映画がめっちゃ好きなんですけど、必ずゴスキャラが出てくるのでその服装を真似したり（笑）。『ザ・クラフト』（1996年）というティーン・ムーヴィーがあって、それに出てくる女の子が全員ゴスなんです。それを参考に、スタッツのチョーカーを買ったり、ヒラヒラのついた黒いコルセットを買ったりしていましたね。 ──お二人とも、ステージ衣装と私服ってほとんど変わらないですよね。   Natsuki 変わらないですね。ただ、例えばThe KVBとライブに出ることが決まったら、その日はメンバー全員黒っぽい服にするとか、そうやってちょっとだけ合わせたりすることはあります。   Erika 基本は私服も衣装も変わらないですね。なんでだろう、あまり切り替えたくない。「さあ、今から着替えてライブやらなきゃ」みたいな気持ちになりたくないのかもしれない。

──ちなみに、靴はどんなものを選んでいますか   Natsuki 僕もErikaもDr.Martensばっかりですね（笑）。僕のお気に入りは「MARY JANE」っていう、女の子がよく履くモデルなんですけど、ストラップになっててすごく可愛いんですよ。Luby Sparksの“The Short Lived Girl”という曲にも登場するくらい好きです（笑）。後は「10 Holes」のような、ホールが多くて長いやつを愛用しています。   Erika Dr.Martens以外だと、DEMONIAのブーツも好きで履いています。厚底の大きいタイプが昔から好きで、T.U.K.という、昔からイギリスにあるパンク系のブランドもよく履いていました。

──CONVERSEのスニーカーとかはあまり履かない？   Erika たまに履くけどボロッボロにしてますね（笑）。   Natsuki 僕もそう。基本あとは革靴とかブーツばっかりですね。

──今回、お二人にはPALLADIUMのブーツを履いてもらいました。いかがでしたか？   Erika 私は「PAMPA HI ORIGINALE／HIカットE／ブラック」を履いてみたのですけど、素材感はスニーカーっぽいのですが、軍でも使用されていたというだけあってフォルムは結構ゴツイし、色も黒だったので違和感なく自分の服に合わせられました。しかも、見た目と違ってすごく軽いのに驚きましたね。中のクッション性も高くて、長く履いてて疲れないのも嬉しいです。

Natsuki　僕は「PAMPA PUDDLE LITE WP＋E／HIカットE／ブラック」を履いてみたんですけど、いつも履いているスキニーにピッタリ合いました。スキニーは丈にもこだわりがあって、微妙にくるぶしが見えるくらいでブーツを履くと、ブーツがすごく綺麗に見えるんですよ。PALLADIUMの丸いロゴも、ホールも上の方までしっかり見えるし。厚底で、しかも防水なのでいつでもどこでも履けますね。

──例えば＜フジロック＞のような、野外フェスにはどうでしょう？   Natsuki 最高じゃないですか（笑）。軍にも採用されていたくらいだから、アウトドア用に申し分ないし、しかもすごく洗練されたデザインだから野外の音楽フェスにはピッタリだと思います。

──ところで、ErikaさんがLuby Sparksに加入して1年ちょっと経ちましたが、バンドはどんなふうに変わりましたか？   Natsuki たぶんErikaが加入してからの方が、Luby Sparksとしてのサウンドが確立されてきたと思うし、世間的にも今のLuby Sparksの方が定着していると思うので、むしろここから始まったかなという感じがありますね。   ──Erikaさんという「アイコン」が加わったことで、Luby Sparksの音楽やファッション、アートワークなどの統一感が、より強くなりましたよね。   Natsuki そもそも自分がやりたかったことも含め、「これがLuby Sparksです」と言えるものがようやくできてきたかなと感じています。もちろん、ファーストの頃からずっと変わらない部分というのもあって。アルバムやEPを出すたびにコンセプトやテーマをどんどん変えていって、それでも変わらない部分がLuby Sparksのオリジナリティとなっていけばいいなと思っています。まだまだ模索中ですけど。

──「Luby Sparksとは何か？」を知るためにも、作品を作り続ける必要があるというか。   Natsuki そうですね。ちょうどこの間、新曲のレコーディングがあったんですよ。それはファーストとも、前回のEP『Lost in Sadness』とも全然違う感じを狙ってみました。そうやって日々曲を作り続けながら、美しい流れで発表していけたらいいなと思っています。   ──では最後に、改めて2人にとってファッションとは何かを教えてください。   Natsuki ファッションは音楽と同じです。「音楽がファッションに付随している」でも「ファッションに音楽が付随している」でもなく、完全に同等。絶対に切っても切れないし、絶対に同列にあるべきものですね。   僕は音楽を聴くとき、それを演奏している人の服を必ず見ちゃうし、アー写があればそこに含まれている意味を見つけようとする。表現する人にとっては、その人から出てくるすべての要素が等価値にあると思っています。   Erika　うん、私もそう思う。ファッションはLuby Sparksの一部であり、作品の一部ですね。

──今回、＜フジロック＞への初参加が決まった心境をまずお聞かせください。 アサノケンジ（Gt／Vo）　嬉しいです。僕らずっと＜フジロック＞に出たくて、毎年ツイッターとかでも「全然（出演の）連絡がこないんだけど」みたいにボケてたんですよ（笑）。 モリタナオヒコ（Gt／Vo）　元々バンドをやろうと思ったのも、フジロックを観に行ったのがきっかけでしたからね。友達のバンドもみんな出るようになったし、毎年「お前ら今年、決まったらしいじゃん」みたいな噂を流され、「いやいや、決まってないから！」って突っ込むパターンを繰り返してたので（笑）、そろそろちゃんと出たいと思っていました。 アサノ　出るって決まった時に、バンド仲間や友人、お客さんと周りがみんな喜んでくれたので、それも嬉しかったですね。

──プライベートで苗場に行ったことはありますか？ アサノ　あるけど、3日間丸々参加したことは誰もなくて。 モリタ　友達のバンドを観に行くことが多かったですね。初めて行ったのはSuchmosやYogee New WavesがROOKIE A GO-GOに出た年だから5年前かな。まだ僕らバンドをちゃんと始める前で、＜フジロック＞に日本のインディーバンドが出られるんだと思って超感動しました。「＜フジロック＞、最高のフェスだな。出たいな」と強く思ったのを覚えています。 アサノ　俺は3年前に初めて行って。Red Hot Chili PeppersとMONO NO AWAREを観て、朝まで遊んで帰ってきました。去年は初めて昼間から見に行ったんですけど、それまで野外フェスとか行ったことがなかったので、フェスっぽい格好？　みんなポンチョとか着てるのを、それっぽく真似したのだけど、防水じゃなくて布だったし足もビーサンだったから、一瞬でドロドロになっちゃって「帰りたい」ってずっと思ってました（笑）。 モリタ　フェスとかライブハウスへ行くような青春時代を送ってこなかったので、「フェスといえば92年の＜レディング・フェスティバル＞でしょ？」みたいなノリで。当時の映像を観て、みんなCONVERSEのスニーカーにデニムとネルシャツで、グチャグチャになってはしゃぎまくってるのかなと思って行ったら、そんなやつ1人もいなくて。みんな本格的なアウトドアのウェアで重装備していて衝撃を受けましたね。 ヨシダタカマサ（Ba）　僕は2015年に初めて行きました。ちょうどTempalayと知り合ったばかりの頃で、彼らがROOKIE A GO-GOに出るから「観に行きたいな」と思って。 アサノ　バイクで行ったんだよね、１人で。 ヨシダ　確か3日目の夜だったか、バイト終わりに「今から行こう」と思ってバイクを飛ばしました。 一同　（笑）。 ヨシダ　チケットもなかったしギリギリまで迷ってたんですけど、行ったらすごい楽しくて。 モリタ　あの時にヨッシー（ヨシダ）が送ってくれた動画、本当に衝撃を受けましたね。てか、身近で＜フジロック＞出るやつがいると思ったら、ちょっと悔しい気持ちもあってマトモに観れなかった。ケンジは特に興奮してたよね？ アサノ　いやもう、びっくりした。当時のTempalayは対バンしててもお客さんとか全然いなくて。そういう奴らが、動員とか関係なく純数に音楽だけの力で苗場に出てるの、マジですげえと思って。「やべえ、普通じゃいられねえ！」ってずっと騒いでましたね（笑）。 ヨシダ　ほんと、僕も普通じゃいられなかったです。ただ、翌朝からバイトだったので、明るくなる前に東京に戻ってきましたけど（笑）。 オオイナオユキ（Dr）　僕はまだ＜フジロック＞に行ったことがなくて。去年は配信を観てましたね。自分たちのライブの出番直前までマック・デマルコを観てて、それでステージに上がったから……。 モリタ　その時だけナオユキのドラムがユルユルだったよね（笑）。

──今回、楽しみにしているバンドってありますか？ アサノ　僕はSuperflyとKing Gizzard & The Lizard Wizardですね。 モリタ　King Gizzard & The Lizard Wizardは俺も楽しみ。いいバンドだよね。あとは、初日のMitskiやyaeji、深夜のKAYTRANADAが楽しみ。中でもyaejiがめっちゃ好きで、まじで友達になりたいですね。世界で活躍しているアジアのアーティストに色々話を聞きたい。 ヨシダ　僕はKhruangbinが楽しみですね。この間の来日公演は行けずに、ずっとYouTubeで観てたので。 オオイ　今、出てきた外国のバンド、一つも知らなかったので予習して行こうと思いました。僕はTempalayが楽しみですね。

──TENDOUJIを結成してすぐ、Tempalayやドミコと出会ったことは活動にかなり大きな影響を与えているそうですね。 モリタ　俺ら、バンドやるのもTENDOUJIが初めてで、バンド仲間とかも全然いなかったから、すぐに彼らと知り合って。しかも唯一「カッコいい」と思えたバンドだったので、ほんと会うたび刺激をもらっていました。

──昨年11月にリリースされた4th EP『FABBY CLUB』は、片寄明人さんがプロデュースを手掛けていますが、片寄さんとの出会いもバンドに変化をもたらしましたか？ モリタ　レコーディングがめっちゃ楽しくなりました！ 感覚が近い人と一緒にモノを作るのって、本当に大きな喜びがあって。自分の頭の中にあったアイデアが、どんどん具体的なイメージに近づいていくというか。「この曲は、こんな感じにしたいんだよね？」って、片寄さんが提示してくれるリファレンスがまあ、ことごとく当たってるんですよ（笑）。 もちろん僕らはGREAT3も大好きだし、片寄さんのような歴史を作ってきた人から直接知恵を授かるのって、ほんと光栄だなと思っています。 モリタ　実は今、新作のレコーディング中で、それも片寄さんにプロデュースしてもらっているんですよ。この前1曲だけラフで軽くミックスしてもらったんですけど、マジでハンパないものになると思います。とりあえず日本人でこの感じ出せてる人もいないし、たぶんおれらが最初になるんじゃないかなって。 アサノ　まだ歌入れもしてないし、この段階で自分の音源を何度も聴き返すことなんて一度もなかったんですけど、もうリピートしまくってますね（笑）。 モリタ　最近、Spotifyで音楽を聴くことが多いんですけど、そうすると海外の音と日本の音の差に愕然とするんですよね。音圧もそうだし、アプローチの仕方もそう。僕ら、やるならどこに出しても恥ずかしくないような、世界基準の音源を作りたくて。そのアプローチを常に模索しながらやってきたんですけど、ようやく一つ達成した感はありますね。「これだ、これでいける！」って、ラフミックスが終わった瞬間に思えたし。 アサノ　早く全部終わらせて、リリースしたい。そして休みが欲しいですね（笑）。

──メンバーみなさん、もともと中学からの友人なんですよね？ モリタ　はい。バンドは昔からやりたかったんですけど、28歳の頃に「今がラストチャンスだな」と思ったんです。とにかく毎日がつまらなかったんですよ。仕事もつまらなかったし、当時付き合ってた彼女がとにかくイケメン系のバンドマンが好きな子だったので「このままじゃ寝取られる」と思ったのが、本気でバンドを組むきっかけでした（笑）。とにかくその頃は、劣等感にまみれてたし、生きづらいという感覚が常にあって。 アサノ　マジでこじらせてたよな、俺ら以外の友達も全然いなかったし（笑）。 モリタ　バンド始めてからは余計そうなりましたね。仕事なんか行くより、マジでこいつらとつるんでる方が100倍楽しいって。だったら、こっちの人生に賭けてみようって。

──もちろん音楽も大事だけど、この4人でいることも大事というか。 モリタ　少なくとも俺はそうでしたね。気が合わないヤツと一緒だとマジでしんどいっていうのを、社会人になってめちゃくちゃ痛感したので。笑いのツボとか、面白がるポイントとか、カッコいいと思うセンスとか、そういうのが一緒のやつといる方がいい。「靴がダサいヤツとは一緒にいられねえな」って思っていますね。 ──（笑）。音楽的には、どんなバンドを目指していましたか？ モリタ　90年代のNirvanaやTeenage Fanclubが大好きで。いつもYouTubeに上がっている動画を観ながら「こういうライブやりたい」って思っていますね。去年、Teenage Fanclubのオープニングアクトをやったときに、ノーマン（・ブレイク）におそるおそる訊いてみたんですよ。「いつもライブやるときに心がけてることあるの？」って。そしたら彼が「そんなのないよ。ミスってもいいしメチャクチャになってもいい。毎回違うライブを観たくてお客さんも来ているわけだろ？ 適当に楽しんじゃいなよ」って言われて。ただあの人たちよく考えたらクソ売れてるんで、あんまり参考にならないなと（笑）。 ──しかも、演奏メチャメチャしっかりしてますからね（笑）。 モリタ　そうなんですよ（笑）。でも、その姿勢みたいなものは共感しました。 アサノ　僕ら、4人で共有しているライブのイメージがあって。それは、さっきモリタが言った92年の＜レディング＞に出ていたTeenage Fanclubのライブ。もう客が泥だらけで、ゆるい曲でも超ブチ上がって踊り狂ってるんですよ。あれが理想ですね。

モリタ　そのこともノーマンに話したんだけど、「そうだったっけ？」みたいな反応だったね（笑）。 ──さて、今年のフジロックは苗場食堂に出演ということですが、とにかくハチャメチャで楽しいと評判のTENDOUJIのライブを初めて観るお客さんにオススメの1曲はありますか？ ヨシダ　ほんと予習とか何も必要ないので、気軽にふらっと遊びに来て欲しいですね。 モリタ　そうですね。フジロックとか、俺らよりも観るべきバンドたくさんあると思うし、でもそんな中わざわざ観に来てくれた人たちには、とにかくフリーマインド、オープンマインドで楽しんでもらいたいし、俺らも楽しんでもらえるように精一杯演奏します！ アサノ　めっちゃ晴れてるか、土砂降りの豪雨かどっちかがいいですね。 モリタ　えー、豪雨はやだよー（笑）。

──the McFaddinの母体は2012年に結成されたそうですね。皆さんそれぞれが音楽を始めたきっかけや、バンドが現体制に至るまでの経緯を教えてください。 Gt. 片平泰斗（以下、片平）　僕、自分がなぜギターを始めたのか覚えていなくて、「高校に入ったらバンドをやるぞ！」と思っていたわけないのに、気づいたら軽音楽部に入っていて（笑）。楽器を始めたばかりの頃に、もう脱退してしまった前ドラマーの同級生と、同じく同級生の山田と集まってバンドを組みました。 Vo.／Gt. 山田涼生（以下、山田）　最初はNIRVANAのコピーバンドをやっていたんですよ。前ドラマーが脱退してから1学年下の後輩の安東が入ってきました。僕と片平、安東の3人はよく音楽の情報交換をしていましたね。高校時代は王道のミクスチャーロック、ポップス、UKロックにもハマりました。ヒップホップも聴いていたしね。

Dr. 安東悠羽（以下、安東）　僕がバンドに入った当初は、The BirthdayやTHEE MICHELLE GUN ELEPHANTといったガレージロックバンドをコピーしていました。聴いていた音楽はKASABIAN、Rage Against the Machine、Red Hot Chili Peppersなどだったと思います。音楽を始めた経緯は、5歳からピアノを弾いていたんですが小学校高学年くらいで飽きてきて、父親がドラムをやっていたのもあってドラムのスクールに通い始めたんです。中学校では吹奏楽部でコントラバスを弾いて、高校では吹奏楽部と軽音楽部を掛け持ちしていたんですけど、その頃に山田や片平に会ってバンドにシフトしたという感じです。 Ba. 松永 雅之（以下、松永）　僕も高校時代にクラシックのコントラバスを弾いていたので、そもそも「楽器を弾く＝ポップミュージックをやる」という感覚ではなかったんですが、20歳くらいになってエレキベースもやってみようと思い、このバンドに参加してるという感じです。 Gt. 前田圭昭（以下、前田）　僕がみんなと出会うのは彼らが大学に入ってからなんですが、僕のルーツはRADWIMPSなどの日本のバンドです。

──アルバム『Rosy』収録曲には打ち込みの音が効果的に使われているものが多いですが、このような打ち込みと楽器が融合した楽曲は、作曲段階でどのようにして組み立てているのですか？ 山田　僕と安東、片平は打ち込みでも楽曲を作ることができるので、家でパソコンで作ったものをスタジオに持ち寄ってメンバーに聴かせて、「やってみようぜ！」となればどの楽器がどのパートを弾くかを固めていきます。バンドに落とし込んだのもをもう一度持ち帰って、打ち込みでブラッシュアップしてまたスタジオへ持っていく。削ったり足したりの繰り返しです。 片平　すべての楽曲がその手順を踏んでいるわけでもなくて、2時間スタジオに入るだけで完成したり、1か月以上かかったり、曲によってさまざまです。今作の収録曲だと“Dear, rosy McFaddin”は半年くらいかかりました。最初はまったく違うテイストだったんですが、ライブで演奏しながらアレンジを変えていきました。

安東　僕らの曲は「やってみたらこうなった」という曲も多い中、“Dear, rosy McFaddin”は「こういう楽曲にしたい」という最終地点を決めて作り始めた曲で、今までにあまりない試みだったので難しかったです。 前田　コンセプト先行でいろいろ試して作り上げた曲なんですが、何度か挫けそうになりましたね（笑）。ただ、山田、片平、安東が一緒に住んでいるので、一度スタジオで作業をしたら、次回集まるまでにある程度進めて持ってきてくれるんですよ。その上で「こう弾いてみて」と言ってくれると僕らも乗っかりやすいですし、このバンドのやりやすいポイントだなと思います。 松永　シンプルなオルタナティブサウンドで、ギターもドラムも直球の生音で、コードをバーンとかき鳴らすような楽曲をひさしぶりにやったんですよね。こういう熱くてヤングなアプローチは僕らの曲には少ないので、面白かったです。

──今作“Rosy”を聴かせていただき、個人的に印象に残ったのは“N.E.O.N”だったのですが、ヒップホップシーンの現行のスタンダードであるトラップのサウンドを取り入れていますよね。 山田　僕の中では“N.E.O.N”はなかなか攻めている曲です。というのも、もともとはthe McFaddinのためではなく個人的にヒップホップのトラックを作っていたんですよ。僕は歌詞を書くときに英語と日本語のバランスをよく考えるんですが、日本語をかっこよく聴かせるラッパーのようなメロディーを乗せたくて。そんなある日家に帰ったら、片平が僕のトラックに音を足していてそれがすごく良かったので、いっそのこと曲の前半と後半をまったく違うものにしたくて、後半をすべて安東に作ってもらいました。ビートに含まれる「チチチチ」という音も、生でやらないとバンドでトラップをやる意味がないので、安東に生で刻んでもらいました。 安東　レコーディングでも実際にパッドに音を入れて叩きました。人力トラップです（笑）。やってみたら意外とできたんですよね。

──なるほど！ヒップホップを思わせる楽曲もあれば、EDM的エッセンスの強い“Let her down”もあったりと、サウンドが幅広いです。 山田　“Let her down”は2nd EPのリードトラックの再録版です。リスナーのみんなが気に入ってくれた曲なんですが、僕らは｢この曲はもっとできるな｣と思っていたので、前のほうが良かったと言われてもいいから思いきり作り変えよう！と思ってリミックスしました。ちなみにその次に収録した“Parakeet”は3rd EPからの再録です。どちらも当時とはバンドの体制が変わっているので、音も大きく変わったと思います。 ──アルバム『Rosy』全体の制作期間はどのくらいだったのですか？ 山田　昨年9月に京都磔磔で行ったライブ後に作り始めました。 前田　作曲はそこから半年間くらい行って、レコーディングを終えたのは今年5月です。 片平　“Fresh air”なんかはレコーディングと並行して作曲しましたね。

──先ほど、完成までに半年かかった“Dear, rosy McFaddin”のお話がありましたが、逆に最も制作期間が短かった楽曲はどれですか？ 山田　“Blue tank”は、2回スタジオに入っただけで完成しました。一度、作曲する日に松永がスタジオに来なかったことがあったんですよ。仕方がないので残りの4人で楽器を回しながら、僕が代わりにベースを弾いたりしてみて、その日にできたコード進行とメロディーを持ち帰って家で曲に起こしたのがこの曲です。 片平　不思議なのが、スタジオで鳴らした段階では全然ピンと来なかったんですよね（笑）。次の日僕が家に帰ってきてパソコンにある曲のデータを見たら、昨日とまったく違うものになっていて、「これはいける！」と思いました。

安東　今まではスタジオで全員集まって作曲することが多かったけど、このアルバムから作曲方法が大きく変わってDTM（パソコンを用いた作曲）を導入したのは大きな変化ですね。 山田　DTMはずっとやりたかったんですけど、まだ技量的にイメージを再現できなかったというのもあるし、機材にもお金がかかるという壁があって。でも最近やっと少しずつ環境が整って、形にできるようになってきました。

──初めてDTMを用いて作り上げた作品が世に出たわけですが、これらの楽曲はライブではどんなふうに立体化されるのでしょう？ 山田　前提として、ライブのほうが絶対に良いと思うんですよ。制作する段階から、ライブで音源をいかに再現するのか、そして生で演奏したときのどう爆発するのかをイメージして作っているので、思いっきり浴びてほしいです。

──今後この作品を提げて、ライブを始めとする様々な活動をされると思いますが、今バンドとして挑戦してみたいことは何ですか？ 前田　まだライブをしに行けていない場所に行きたいね。僕らのツアーは半分旅行みたいなものなんで、観光するんですよ（笑）。先日は高知に行く機会があったので、ライブの合間に飲みに行ったり、滝の見える場所に行ったり。東京に行くときは前乗りして湘南で遊んだり。 山田　東京に行くときは富士急ハイランドに寄ったりもするね。 安東　遊ぶの大好きやもんねぇ。 片平　ライブやイベントも重ねつつ、グッズを作っていきたいです。自分たちのバンドをブランドとしても良いものにしたいので。まだ実現できていないアイデアはたくさんあります。 松永　楽曲の歌詞や世界観に沿ったグッズを作って、好きな楽曲を手に取れるようにするのはすごく面白いんじゃないかと思います。 山田　とりあえずTシャツは準備しています！他にもこれから色々と考えていけると嬉しいです。 ──音源だけじゃないこれからのthe McFaddinの展開を楽しみにしています！

Interview／Text by Natsumi Kawashima Photo by Yoshihiro Mori

━━まず今年に入ってからのSANABAGUN.ついて聞きたいのですが、2月にキーボーディストの大樋祐大さんが新メンバーとして加入し、再び8人編成の“新生” SANABAGUN.が誕生しました。どういった意気込みやテーマで動き出しましたか？ 澤村一平（以下、澤村）　祐大が入って“新生” SANABAGUN.ということで、まあ同じようなことを前にも言ったと思うんですけど、また頑張るぞって感じで。6月末のライブで10月にアルバムも出すことも発表して、それに向けて新体制でどういうSANABAGUN.を作っていくかが、自分たちの中で一番大きなテーマです。 ━━そのテーマというのは、明確にどういうものか言葉にしていますか？ 髙橋紘一（以下、髙橋）　意外とそこは抽象的なのかなって感じてる、俺は。 澤村　模索しながらですね。やっぱり1人でもメンバーが変わるとバンドの雰囲気も変わるし、出る音も変わる。10月に出すアルバムに向けて、どういうサウンドでどういう曲を作るか、どういうライブをするか。そういうのをみんなで話しながら進んでいきたいっていう段階ですね。 髙橋　メンバーが変わっても、ライブでずっとやってきた軸は変わらない。ただ、音源を作る過程で新しい部分を共有している感じはします。 ━━「こういうことが新たにできそう」と感じている部分はありますか？ 岩間俊樹（以下、岩間）　今までも、本当はもっとやれるのにやれていないことはたくさんあった。今年のテーマに関してさっき紘一が“抽象的”という言葉で表現しましたが、それって理由があるなと思って。SANABAGUN.ってメンバーが2人脱退しながらも常に変化し続けてきた反面、なかなかこれっていうものバシッと提示できていないところがあって。音源もその都度作り方が変わってるんですよ。最初のアルバムは一発撮りだったし、常にエンジニアさんも変わってる。 ━━ただ、今回の新メンバー加入をきっかけに“これ”っていうのが見つかりそうな予感はあるんじゃないですか。先月末の渋谷CLUB QUATTROで行われた公演、＜White Black＞も絶賛の声が多かったですし。 澤村　正直、今の8人でのライブはすごく手応えがあります。そして、このタイミングでフジロック出演も決まったので、今のSANABAGUN.を多くの人に見てもらえるチャンスがあるのはすごく楽しみですね。

髙橋　目には見えないんですけど、“サナバくん”っていうのが僕らの心の中にいて。これまでいろんなことがあって、サナバくんはずっとこっちを見ていない状態が続いてたんですよ。でも今は一番「サナバくんが近くにいるな」ってみんな感じてると思います。ここまで長かったですけど、やっとこうなれた、なれるかもみたいな、何かをつかめそうな兆しはありますね。 ━━ライブの魅せ方に関して変えていこうと思っている部分はあるんですか？ 澤村　でもさっき紘一が言ってみたいに、ライブのパフォーマンスに関して軸の部分はそれほどブレていないけど、それがお客さんにどう伝わるかとか、自分たちが満足度をどれくらい感じるかという部分で、今の8人になってかなりいいなって思う。方向性を探っていくというよりは、どちらかというと「この感じがもっといける！」っていう感覚ですね。 髙橋　アップデート作業だよね。それに新しいメンバーが入っても、今までのものを押し付けるじゃないですけど、もうこういう方向性があるからみたいな感じで。ライブに関しては元からあるものに乗っかってきてもらうというか、理解してもらうというか。だから祐大にもこの夏かけて、演者としての楽しみ方をもっと理解していってほしいですね。

━━みなさんは祐大さんにどんな印象を抱いていますか？ 髙橋　楽しいやつですよ。 澤村　でもあいつ……スマブラ弱いんですよ。 （一同）　ハハハ！ 髙橋　それは絶対書いてもらった方がいい（笑）。 澤村　楽器はめちゃめちゃうまいんですけど、スマブラは弱くて。そこだけはまだあいつ若いんで、じっくり時間かけて育てていこうかなって。 岩間　64？ 澤村　いやSwitch。すいません、ホントどうでもいい話でした（笑）。 ━━いえいえ。少しだけ話を戻して、先ほど岩間さんは「本当はもっとやれるのにやれていないことはたくさんあった」と言っていましたが、それは具体的にどういう部分ですか？ 岩間　うーん……例えば、もっとライブにしてもエンターテイメントにできると思うし、MC、振り付け、“間”とか、もっと詰められるところはある。ただ、詰めなくてもなんとなく合っちゃってた感じもこれまではあったので、俺自身のことに関してはその辺ですね。8人いるので、ステージ以外だと時間の共有が難しい部分がある。もっと時間をシェアして音源を作れたらいいなとか、そういうところですね。あと、SANABAGUN.は前にここ（下北沢ケージ）で夏祭りをしたんですけど、そういう面白いことを企画したりとか、今まで誰もやっていないことを考えて実行したりする能力はあると思うので、それを甘えずにやり続けられたらいいなと。今でもやってないことはないんですけど、さらに意欲的にやったらもっと“サナバくん”が近くに来る気がします。

━━10月23日発売のニューアルバム『BALLADS』は、もうほぼ完成していますか？ 澤村　9割ぐらいは。もう歌入れも終わって、あと最終的なミックスぐらいですね。 髙橋　あと“お皿に盛るだけ”ぐらいの感じだよね。 澤村　え、なんかすごい……カッコいい言い方したね。 （一同）　ハハハハ！ ━━じゃあもうアルバムの制作に関しては落ち着いているんですね。 澤村　そうですね……あとは“お皿に盛るだけ”って感じで。 髙橋　俺のセリフね……。

━━フフ。アルバムの新曲はマンスリー・ライブの各公演で披露していくんですよね？ 岩間　そうです。すでに1曲ずつマンスリー・ライブで発表していきますってことは伝えていますね。 ━━アルバムの話をもっと聞きたいのですが、先ほどライブに関して軸は変わらずと言っていましたが、音源を制作するにあたって変化した部分はありますか？ 岩間　今まではプリプロは入ってもこういうボイスメモで録って、バンド全員でスタジオに入って作る、みたいなことが多かったんです。でも今回、楽器陣はまんべんなくみんな作っているんですけど、DTMである程度デモをパソコンで組んでから持ってきた。そういう作り方は、新しいチャレンジだったかなと。今までは本番RECを録ってその一週間後にボーカルRECとかだったので、その間でしか声を乗せるトラックを聴けなかったんですね。でも、今回はそれを先回りしてやってくれていたおかげで、自分のフロウとか乗っている声の質感とかをイメージできる時間をしっかりとれる状態で臨めたのでだいぶ違いました。なので、今回ラップはうまいと思います。 髙橋　お〜〜〜。 澤村　いや昔からうまいよ、ラップ。自信持ちなよ。 （一同）　ハハハ！ 澤村　楽器陣的にもその変化は大きかったです。今までは楽器隊の本番の音を録ってからボーカルの声の順だったので、初めてそのときにオケにボーカルが乗ったのを聴く。そのときたまに「こういう風になったんだ。でもここをもうちょっとこうしたら良かったのかな」って思っても修正が効かなかった。でも今回は早い段階でまずDTMで作って、それに声をあらかじめ乗っけてくれたから、「もうちょっとこうしたいな」っていうアレンジができたんです。でも普通に考えると、みんなこんなことは当たり前にやっていたんだろうなと思って。やっと僕らも始めたわけですがそれを知れたのは大きな一歩で、まじこれまでは原始人のような作り方で……。 髙橋　ね、文明のありがたみを感じた。 澤村　こうやったら曲のアレンジの完成度がもっと上がるんだなと。 髙橋　だからみんなDTMで打ち込んでから持ってくるんだって。 澤村　高校生以下みたいな（笑）。でも大きな一歩を踏み出したね！

髙橋　ライブは良いけど音源は……っていうのは自分たちも思っているし、外からの評価も妥当だと思ってるんですが、今回はそのあたりをみんなすごく意識して制作した。なので、次のアルバムは伝わりやすさも含めて、新たな色は出せたんじゃないかなと思います。 澤村　みんなの共通認識として、音源とライブの差別化をしたいっていうのもあって。それは次のアルバムにおいて大きなテーマになっていると思います。結局、音源をライブで重ねていくうちに、ライブ版みたいにどんどん進化していって、久しぶりに音源を聴くと「なんかしょぼいな」みたいに感じることがこれまであって。逆に今回は、ライブでは絶対再現できないような、すり減らない音源を作るということをみんな意識しました。 岩間　まだ情報解禁できない部分が多いのですが、新しく仕掛けていることが多いのでいろいろ驚くはず。楽しみにしていてください。 澤村　そうですね、今まで出てきてないようなアイデアが山盛りです。『BALLADS』はかなり新鮮なSANABAGUN.を出せているんじゃないかと思います。 髙橋　言いたいけど今は言えないですね。ここから新しいSANABAGUN.を小出しにしていこうかなと。もったいぶって。 澤村　そのもったいぶりがピークに達して、みんなCD屋に並びまくるみたいなのが理想。 岩間　と言いつつ、4ヵ月後の告知をすでに小出しにしちゃってるよね（笑）。 髙橋　焦らしたいくせにすぐ言っちゃうんだよね。

━━アルバムの発売も待ち遠しいですが、その前に今年の夏は、とうとう＜フジロック＞への出演が決まりました。率直に決まったときはどう思いましたか？ 髙橋　でもあのサプライズ発表の動画のやつがホント最初に聞いたときだったので、あれが素の反応ですね。あの時点ではもう「今年もダメだった」と思ってましたし、なんなら正直「他の予定入れたいんだけど」ぐらいの感じだったので。 澤村　それ毎回ある流れだもんね。「最終があるからまだスケジュール空けといて」って言われて、「空けてます、大丈夫ですよ」って言いながらも「結局……無かった」っていう。 ━━あの動画で、岩間さんだけ少し反応が薄かったような気がしたんですが。 岩間　あのときは「おお……」って感じで、もちろんめちゃくちゃ嬉しかったんですよ！　反応薄いって声と、後にけっこうみんなから「岩間、感動して泣いてる」みたいに言われて（笑）、 髙橋　うらやましいですよ。反応薄かったのに結果、岩間株があがって（笑）。 岩間　あとは、あのタイミングでやらなきゃいけない曲のリリックがまだできてなくて……。 髙橋　そう、楽器陣はもうあのときはレコーディングが済んでいて。「終わったー！」みたいな感じになっていたところにあの吉報だったので、もう……。 澤村　心の底から喜べる感じでした。 岩間　俺は真っ只中だったんですよ。3日後にレコーディングだったのであの日もスタジオに一人で行って、12時ぐらいまで掛かったので家には帰らず漫喫で寝て。またスタジオ行って終わったあとに仮歌入れて……とかしてたので。ちょっと……感情を素直に表に出せなかった。 澤村　でも俊樹だけじゃなくて、（高岩）遼もちょっと反応が薄くて。みんなで喜びながらもそれがチラッと目に入って、「フロント2人は知ってたんだな〜」って思ったもん。でもあとから聞いたらそうじゃ無かったんで、あれ、あんま血が通ってないのかな、うちのフロントマンはと思って。 （一同）　ハハハハハーー！ 髙橋　でも確かに、うちのフロントマン2人は特にその気があるかもしれない。みんなが「わー！」ってなってるときに「おお」みたいな。寡黙に向き合ってる姿を見ることが多い気がする。 岩間　いやでも、あのとき「これ喜ばなきゃいけないんだ」とすぐに悟って、あとから飛び跳ねちゃったりした自分がいました（笑）。

━━＜フジロック＞最終日、WHITE STAGEのトップバッターですが、どんなパフォーマンスにしたいですか？ 髙橋　やっぱり＜フジロック＞に出るならWHITE STAGE以上がいいと思ってたから。生意気ですけどROOKIEA GOGO（以下、ルーキー）は通れなかった時点で、地道にというよりは一発目からドーン！って感じがSANABAGUN.っぽいし。そこはプライドというか……なので素直にめちゃくちゃ嬉しかったです。 澤村　毎年スケジュールを空けても入らない状況が続いていたので、その期間は家でヒマしてたんですよ。でもそのときにSNSを見るとみんなフジロックに行ってるので、もうSNSは見ないようにしてました。それが今年はSNSに上げる側になったので……どうしようかな。 ━━会場にはいろんなお客さんがいますし、SANABAGUN.の存在を魅せつけて欲しいですね！ 澤村　ワンマンだと2時間かけてじっくり自分たちを見せられるけど、今回は40分という限られた時間しかない。その中で自分たちの全部をぶつけたいです。 髙橋　やっぱり俺らは“路上上がり”を自負しているので、人の足を止めさせることに関しては秀でている。人が寄るっていう話で言えば、リアルタイムでのお客さんの反応だったり、通りすがりの人たちを立ち止まらせるとか、＜フジロック＞ならではの環境を俺らは追い風にしていければ。 岩間　同世代でも出ているアーティストがたくさんいるし、ルーキーを通っている人もいる。そう考えるとこれまでかなり悔しい思いをしてきたので、今年はその気持ちを思い切りぶつけたいですね。

──君島さんはまず、佇まいがいいですよね。見るからに才気走ったオーラを放っている。 そうですか（笑）。 ──ファッションにもこだわりとかあったりします？ こだわり……「何をするか」というよりは、「何をしないか」を意識しているように思います。文字の書いてあるシャツは着ない、とか。 ──へぇー。髪型も独特ですよね。 これは自分で切ってます（笑）。もう5年くらいになるので、目を閉じても切れますね。 ──それはすごい（笑）。宅録を始めたのも5年前みたいですが、『午後の反射光』を発表してから急激に注目されるようになりましたよね。そういうリアクションをどんなふうに受け止めていますか？ 昔から曲作りはしていたので、（ストックは）貯まっていたけど音源にしたことがなかったんですよ。だから、阿部さん（〈Apollo Sounds〉オーナーの阿部淳）に「CDを出させてください」と相談して。「これが自分です」という作品を出して、あとは半年くらい何もしないで寝てようと思っていたんです（笑）。出せたらどうでもいいわって感じで、出したあとのことは頭になかった。 ──わはは（笑）。　 そんな感じだから、ここまで聴かれるようになるとは思わなかったですね。今までの自分を清算するような、ホントに個人的な音源だったし。なかなか実感がわかないけど、TwitterやInstagramで反応してくださる方がすごく増えてきて。「嘘でしょ！？」って感じですよね。今はそうやって聞いてくれる人のことを意識しすぎてしまわないよう、（周囲の声を）意識的に遮断している状態です（笑）。

──とりわけ反響が大きかったのは”遠視のコントラルト”だと思います。最近、カラオケでも歌えるようになったそうですね。 そうそう、僕も歌ったんですよ。先日、6年ぶりくらいにカラオケに行ったら「君島くんの曲もカラオケに入ってるよね」という話になって。「うわ、MIDIの打ち込みだー、ドラムがんばったなー、再現度がすごいなー」って面白くなっちゃいました（笑）。なんだかもう、曲が自分から離れてしまった感じがしますね。 ──あの曲の制作背景を改めて教えてもらえますか。 4年くらい前から曲はあって、ずっと歌詞がつかなかったんですよ。そこから2年ぐらい前に、自分のなかですごく悲しかったことを、自分で掬い上げるようにしながら作った曲で。だから、歌詞もストレートではないし、自分にしかわからないような言い回しをしていて。自分のなかの大事な部分が救われることを願いながら作った曲というか……誰かに聞かせるために作った曲ではないですね。 ──「悲しさを掬い上げる」って素敵な表現ですね。そういう内省的なフィーリングが、君島さんの音楽にはある気がします。 僕はたぶん、音楽を作るより聞く方が好きで。昨今のソロ・アーティストを見ていると、1人でギターを弾いて歌を歌うという範疇を超えて、サウンド・プロデュースやミックス、アートワークまで自分で完結させられる人が増えていますよね。そうやって内面を掬い上げる、炙り出していくような感じが、最近のソロ・アーティストの音楽にはある気がして。そうやって「個」に帰っているのは興味深いし、時代が病んでることも関係していそうですよね。それこそ「個人的な悲しみ」だったり、「こう感じるのは自分だけじゃないか」ということをテーマにして作った”遠視のコントラルト”が、いろんな人に聞かれているのもその表れだと思いますし。

──君島さんがブライアン・イーノ（Brian Eno）の”By This River”をカヴァーしている映像がありますが、あの曲を好んで演奏するセンスも、今の話と繋がっていそうな気がしました。 あの曲は歌詞がとても好きで。何を言っているか全然わからないんですけど、荒涼とした場所でひたすら悲しみにくれている自分と誰か……人称も曖昧だし、何も強く主張してこない感じが自分のなかにスッと落ちてくるというか。「ここに帰れる場所があるんだな」と思わせるようなものが底流に流れている気がして、すごく好きです。

──そういう穏やかなサウンドも奏でつつ、『午後の反射光』にはノイジーな音や昂ぶったフィーリングも収められていて、そのコントラストがまた面白かったです。　 リリースからしばらくして、「レディオヘッド（Radiohead）みたいだ」「UKっぽい」とか言われたんですけど、レディオヘッドって1枚しか聞いたことなくて、全然知らないんです。それなのに「こいつ影響受けてるよね」みたいな言われ方をして。 ──あらら（笑）。 僕はそもそも「音の壁」みたいなのが好きで。高校のときに親がパソコンを買って、YouTubeがやっと豊かになってきた頃だったので、そこから音響系をいろいろ聞くようになって。まずジム・オルーク（Jim O'Rourke）から入り、フェネス（Fennesz）がめちゃくちゃ好きになって、ああいう音楽をやる人になろうと思ったんです。Macとギターでアンビエントを作って、「スーパー・デラックスで煙草吸いながら演奏するんだ！」みたいな（笑）。 ──硬派でエクスペリメンタルな感じですよね（笑）。 あと、メタルもすごく好きで。ああいう音楽の轟音って、いきすぎると心地よくなってきますよね。眠くなってくる。マイ・ブラッディ・ヴァレンタイン（My Bloody Valentine）もそうじゃないですか。静寂と表裏一体というか、やさしい気持ちになってくる瞬間があって、そういうのが好きなんです。 ──君島さんの音楽にはポストロックの要素を感じるのに、他のインタヴューでそういう話をしてなかったので「あれ？」と思っていたんですよ。でもやっぱり、そういう音楽もルーツとして大きかったわけですか。 そうですね。当時はマス・ロックとかも流行っていたけど、テクニカルなことは高校時代にメタルをコピーすることで黒歴史みたいになったので、そっちはあんまり惹かれなくて（笑）。すごく低いところでドラムが鳴ってるとか、ベースが全部左に寄ってるとか、そういう音像へのアプローチに興味があります。 ──そういったサウンド・デザインへの興味が、宅録の道に向かわせたんでしょうね。 そうだと思います。ジム・オルークの『The Visitor』っていうアルバムが大好きで、急に12弦ギターが「何本鳴ってるんだ！？」って感じでいろんな方向から聴こえてきたりして。これは絶対にバンドでは再現できないし、そもそも再現性なんか考えてないだろうし、そういう意味では芸術性を突き詰めているんだけど、ポピュラリティもかなり高い。そういう意味で、ジム・オルークが手がけてきた音像を、自分のなかで目標の一つに置いている部分はありますね。

──7月にリリースされた2曲入りシングル“散瞳 ／ 花曇”も、君島さんの音楽における二面性をプレゼンするような内容だと思いました。“散瞳”は《灰色のノイズが走った》という一節もあるように、躁的でそれこそポストロック的というか。 たしかに、サウンドの空間性みたいなものを意識した曲ですね。これは『午後の反射光』を作っている時点ですでに完成していたんですよ。あのEPは自分の内省的な気持ちとずっと向き合いながら作っていたので、ひどく疲れてしまって。「自分はこんなに暗い人間じゃない」と思いたくて、”散瞳”みたいな曲を入れようと考えたんですけど、いざ出来上がったら明るくなりすぎたので外したんです。でも、『午後の反射光』のために作ったくらいなので、コンセプトにも通じるものがあるから（発表まで）時間も空けたくなかったし、「すぐ出したら面白いかな」と思ってリリースしました（笑）。 ──“花曇”はどうでしょう？　 EPを出したあと、4月くらいに出来上がった曲ですね。実は“花曇”を聞いてほしくて“散瞳”を出したんです。というのも、自分が本当にやりたいのはアシッド・フォークなんですよ。時代が病んでる今、そういう音楽をやるのは意味がある気がしていて。

──たしかに、君島さんの音楽性を一言で括るなら、アシッド・フォークが一番しっくりくるかもしれない。 それこそ、ジェイムス・ブレイク（James Blake）の1stアルバムも僕の解釈ではアシッド・フォークなんです。「こういう系譜だからこういうジャンル」みたいな話は僕にとってくだらないことで、もっと内省的な解釈で歌っていることや音楽を捉えたいんですよね。 ──ジェイムス・ブレイクもジョニ・ミッチェル（Joni Mitchell）が好きだから、ああいう歌心に富んだ音楽を作ったわけですしね。 そうそう、アルバムのなかでカヴァーもしてますし。 ──その線で、最近好きな音楽ってありますか？ 韓国の空中泥棒ですね。元は公衆道徳という名前で、Lampの染谷大陽さんがやっているレーベル〈Botanical House〉から出ていたんですけど、名義がいきなり変わって、去年の10月くらいにBandcampで見つけて、そこからずっと聞いてます。 ──『午後の反射光』を出した直後に、韓国の音楽を集めたプレイリストを公開していましたよね。 そうなんですよ。空中泥棒も一人で宅録していて、インタビューを読んだら商店街の地下室で作っているそうで。あの人もジャズ・ギターを習っていたみたいでコードワークとかも面白いし、音像がサイケデリックで、最初はどこの国の音楽かもわからなくて。ブラジリアンっぽい要素もあれば、急にディスコっぽくなったりもするし、「自分もこれやりたいなー」って気持ちにさせられますね。そこから、韓国のインディー・シーンをかなり意識するようになりました。

──ここからは＜フジロック＞について話を聞かせてください。出演が決まったときはどんな気持ちでしたか。 夏フェスはずっと縁がないものだと思ってたんですよ。ずっと自分の家で音楽を作っていく人生だと思っていたので、単純にすごく嬉しかったです。 岩間　そうです。すでに1曲ずつマンスリー・ライブで発表していきますってことは伝えていますね。 ──アルバムの話をもっと聞きたいのですが、先ほどライブに関して軸は変わらずと言っていましたが、音源を制作するにあたって変化した部分はありますか？ ──＜フジロック＞に行ったことは？ ないんです。ベースを弾いてもらう和輝さん（新井和輝）は長靴を買おうか迷ってる、山道だしヤバイらしいとか言ってて。そんなところに僕は行ける気がしませんでした。あと、羊文学の塩塚モエカちゃんが昔から知り合いで、何年か前に＜フジロック＞でジェイムス・ブレイクを観たという報告がLINEできたんですよ。「どうだった？」って聞いたら「そんなことより寒かった」と返ってきたのがメチャクチャ印象的で。 ──2016年ですよね。中村佳穂さんも同じ年の＜フジロック＞で「めっちゃ寒い思いをした」と話してました（笑）。 よっぽど過酷な状況だったんでしょうね（笑）。ただ今回は、バンド・セットも信頼できるメンバーを無事に集められたので、このメンツで夜中の＜フジロック＞なんて絶対楽しいじゃんって。 ──この3人がいかにすごいのか読者に伝えたいので、付き合いの古い方から順に、君島さんとの出会いについて教えてください。　 一番古いのは和輝さん。同じ東京の西の方の出身で、近所の違う高校に通っていて。年は向こうが二つ上で、軽音部の部長も務めたりしていた気がします。毎週木曜日にセッションができるライブハウスが福生にあって、僕も高校1年生から通い始めたんですけど、そこに学生服で5弦ベースをバリバリ弾いている和輝さんがいて。こんなに怖そうな同世代くらいの方がいるんだ！って思いました。ベース一本で場を制すどころか、空間を捻じ曲げていたんですよ。そこから一緒にセッションしたり、ジャズの話とかもするようになり、高井息吹というシンガーのバンドで一緒にやるようになって。そこからの付き合いですね。 ──今ではKing Gnuのメンバーですもんね。　 この前、「（知り合って）7年も経ってるのエモい」って話してたんですよ。King Gnuの前身バンドを組み始めたときもリアルタイムで見ていて、ライブにも行っていたので不思議な感じがしますね。

──その次に知り合ったのは？ 西田氏ですね、みんな「修大メン」って呼んでいます。三軒茶屋でギタリスト5人でセッションするという恐ろしい会があって（※）、そこで知り合ったんですけど、エフェクターの並べ方が扇型なので「絶対にネルス・クライン（ウィルコのギタリスト）好きでしょ？」みたいな話をしてたら、急に観念的なことを言い出して。「場合によってはクリーンな音を鳴らすほうが、俺らのなかでは歪んでる認識になることもある」みたいな（笑）。 ※三軒茶屋GRAPEFRUIT MOONで2017年5月に開催された＜「ULTIMATE SESSION 2017#2」~ULTIMATE GUITARS~＞のこと。 ──彼はそういう話をするタイプですよね（笑）。 僕もそういう事を考えすぎる性質なので急にそんな話をし始めてくれて凄く嬉しかったんです。この人は絶対おもしろいと思って。そこから連絡をとるようになり、初めて対バンしたのが石若駿さんのSong Book Trioで。そこで石若さんとも知り合いました。修大メンはメチャクチャ仲良しで、週2くらいのペースで3時間くらい電話してます。バンド組み立ての高校生みたいに（笑）。 ──西田くんは5年前、吉田ヨウヘイgroupの一員としてROOKIE A GOGOのステージに立ってますよね。あのときは盛り上がってました。 当時の話を聞かせてもらったあと、「まさかROOKIE A GOGOにもう一回出るとは思わなかった」と言ってました。たぶん、修大メンが一番燃えていると思います。 ──そのあと、ドラムの石若くんとも知り合うと。 修大メンと連絡をとるようになったあと、初めて対バンしたのがSongbook Trio（※）で。そこで駿さんと知り合ったので、僕のなかで最初の認識はピアニストなんですよ。音を大切にした演奏が印象的で、僕のなかではビル・エヴァンスと並ぶくらいのピアニストですね。そのあと、岡田拓郎さんのバンドだったり、いろんな絡み方でご一緒させていただいて。あそこまで曲を汲み取る能力に長けている人はいないと思いますね。 ※石若によるポップス・プロジェクト「Songbook」では、石若、西田と角銅真実によるトリオ編成や、さらにメンバーを拡張したバンド編成でライブ活動を行なっており、そこで石若はピアノを担当している。 ──彼と共演してきた人はみんなそう言いますね。 でもさっきの3人は、そういう音響的なデザインを（合奏で）何も言わなくてもしてくれるし、むしろ知らなかった景色まで見せてくれるんですよ。駿さんに至っては、本番でリハーサルと全然違うことをやるから、「こんなに（スネアが）後ろにいるのに私たちは合うんだ！」みたいな感じで（笑）。「そんな技は知らんぞ！」っていう音塊を修大メンが仕掛けてスパークする瞬間もあります。そういうマジックが至るところで起きるんです。それは観ている方には伝わらない、かなり微細なものかもしれないけど、4人のなかで絶えず反応し合っている感じがしますね。お互い信じられるフィジカルの強さが当たり前にあった上で、譜面の先まですぐに行ってくれるというか。演奏の鮮度も高いし、常にキラキラしていて、ライブの内容も毎回違うけど絶対にいい。そういう多幸感があるような気がします。 ──話を聞いていたら、ホントに楽しみになってきました！　お客さんとして＜フジロック＞で観たい人は？ Ego-Wrappinですね。中納良恵さんに強く憧れた時期があって。Ego-Wrappinの曲も大好きなんですけど、“ソレイユ”っていうソロの音源を聞いて、そこからすごく好きになりました。歌い方がEgo-Wrappinのときとは少し違うんですけど、それがまた素晴らしくて。ピアニスト的で、ソングライター的で、さっきの話じゃないけど「個人的なものだなー」っていう印象が“ソレイユ”にはあって。思い入れが深いので、絶対に観たいですね。あとはやっぱり、ジェイムス・ブレイクも気になります。

──君島さんと縁の深い、崎山蒼志さんも出演しますよね。 3日目の苗場食堂ですよね。遊びに行こうかなと思っています。 ──また一緒にやったりしないんですか？　今年5月の＜CROSSING CARNIVAL'19＞に引き続き。 どうにかなんないかなー、とは思ってるんですよね。楽器はあるので（笑）。 ──実現を祈っています！　最後に、＜フジロック＞への意気込みを聞かせてください。　 僕自身が楽しみで、すごく高揚しています。たぶん、メンバー全員が高揚しているので、いいステージになると思います。夜中に外でライブができるっていうことにも単純に興奮を覚えているし、ずっと家で音楽をやってきた人間がROOKIE A GO GOに出演することにも勝手に意義を感じてしまっているので、僕も楽しみにしていますし、みなさんも楽しみにしてくださると嬉しいですね。

──今年で活動歴30周年なんですよね。 別に（リリースには）関係ないっちゃ関係ないんですけど（笑）、たまたま。 ──（笑）。この3作品のリリースになった理由は？ 『Mellow Waves』ってアルバムのツアーがあって、去年、国際フォーラムでライブをやったんですけど、そこが一応ファイナルで。その『Mellow Waves』のプロジェクトをまとめようということで、作ろうとしてて。この2枚（CD『the first queation award』、『POINT』）は、もともとポリスターってレコード会社で作ったアルバムなんですけど、その権利をワーナーが買ってくれてたんですね。それにたまたま去年『Mellow Waves』のツアーでアメリカに行った時に、『POINT』のアルバムをアメリカで再発しないか？みたいな話になって、で、じゃあアメリカも出すんで、日本もこの2つ権利を持ってたんで、出そうかと言うことで、同時に3つリリースすることになりました。 ──『the first question award』はサブスクも解禁されるんですか？ うん。『POINT』もやります。 ──『POINT』は全曲再現ライブをされるんですよね。『Fantasma』に続く全曲再現ライブですけど、今のタイミングで『POINT』なのは何故なんですか？ 何故今なのかは言われたからっていうことなんですけど（笑）。前回、『Fantasma』はアメリカだけだったんですけど、今回は日本もやるってことで。まぁ、あと、今やってるライブのスタイルの割と原点となってるのが『POINT』ツアーから始まった感じで。今バンドもあの頃よりだいぶいい状態なんで。当時はこの『POINT』のアルバムを演奏するのはすごく大変で。やってはいたんですけど、全然できてなかったなと思うんですけど、今のバンドだったら割とちゃんとできるんじゃないかなと思って。 ──プレイヤビリティもあると思うんですけど、何か技術的にクリアできて今ならできるという部分はありますか？ うーん、流石に慣れてきたっていうのと（笑）、あと、メンバーに大野（由美子／Baffalo Daughter）さんが加わって、よりバンドが安定して。演奏の幅も広がったっていうのもありますね。 ──国際フォーラムのライブの映像と、『Mellow Waves』のミュージックビデオは見る順番によって感想が変わりそうです。 ああ、そうですね。コーネリアスの場合は作品は僕だけで作ってるんで、その録音されたものがちゃんと演奏されるのは、作品ができたあとなんですよ。それによってだいぶ印象が変わるんじゃないかなと思いますね。その、ライブの演奏とレコードの音楽とでは印象がだいぶ違うんじゃないかと。

──ミュージックビデオも全曲分作るのは最初から決まってたんですか？ うん、決まってましたね。 ──小山田さんの作品ではおなじみになった辻川幸一郎さんとのタッグが多いですね。 うん、辻川くんは相変わらず。今回は「デザインあ」とかで一緒にやってる中村勇吾さんが初めて関わってくれて。オープニングの映像だったり、何曲かミュージックビデオ作ってくれて。あとはgroovisionsの住岡（謙次）さん。前のアルバムの『SENSUOUS』から関わってくれてるんですけど、その3人で。 ──中村さんの作品はインターネット・デザイナーらしい作品で。 うん。動きの気持ち良さみたいなね。勇吾さんは、オブジェクトだったりタイポグラフィだったりの動きの気持ち良さっていうのが、特徴的で。それがすごい出てるんじゃないかな。 ──ディレクションを誰にしてもらうかは楽曲ができた段階である程度、割り振りは決まってるんですか？ 一応全部できた段階でオファーするんですけど、その時に、一番最初にみんなで一回会ったんです。それで「この曲やりたい人」みたいな。 ──挙手制なんですか（笑）。 挙手制もありつつ、ま、振り分けみたいなのが決まって。最初の何曲かは僕が決めてて。最初に7インチで出した“あなたがいるなら”、は辻川くんで、“いつか ／ どこか”は勇吾さんで、それで“夢の中で”が住岡さんてのは決まってたんですけど、その先はみんなで話しながら決めて配分していったって感じですかね。 ──一昨年の＜フジロック＞で拝見した時にすごく印象が強かったです。 うん。新しいからね。単純にこれ見て思うんですけど、新しいMVは解像度が違うんで、よりシャープに見えてくるんで、全然違うなと思います。 ──それに改めてミュージックビデオとして見ると、こんな展開や絵もあったのか？　と気付かされます。 すごい細かいんで、何度も見ないとわかんないと思います。ライブだと他に視覚的要素も多いからね。 ──groovisionsの最近の作風も一つの驚きでした。 基本的なコンセプトは変わってないんだけど、より細かく、さらに発展させた感じになってて。前の『SENSUOUS』ってアルバムで“wataridori”って曲のミュージックビデオをgroovisionsが作ってくれたんですけど、横スクロールでシルエットがどんどん映るっていうミニマルなアニメーションの2Dの世界だったんですけど、それがより、3Dになったりアングルが変わったりする。コンセプト変わらず進化してる感じがgroovisionsっぽいなと思って。 ──辻川さんの作品は作風のレンジが広い印象です。 うん。住岡さんはアニメーターでありディレクターなんで全部自分で一人で完結してるんですけど、辻川くんはディレクターで、手法も色々持ってて、撮影ものがメインだったりするんで、そういう撮影ものとCGものと、あと1曲“Melow Yellow Feel”って黄色い世界のクレイアニメーションがあるんですけど、あれは辻川くんが部屋で自分一人で全部作って。 ──気が遠くなります（笑）。 そういうこともやるんで。辻川くんは幅広いですよね。ディレクションだけの場合もあるし。広告の仕事とかやってるからネットワークも結構あって、それぞれのエキスパートとつながりがあるから、CGの人もいるし。色々できる。 ──個人的には“Surfing on Mind Wave pt2”が、演奏のノイズピットか？　という音像とあいまって衝撃で。 ちょっと体験というかね、エキスペリメントという感じ。辻川くんが音像を映像化するときに、ちょうど過不足ない感じに落とし込むんで。「〜Mind Wave」は音楽というよりも体験みたいなことをライブでできないかなっていう、そういう曲ですよね。 ──波の中に存在するというか、どういうインスピレーションであの映像を作られたのかなと思ってたんですけど。 あれは撮影じゃなくて、全部CGなんですよ。撮影では絶対撮れないんで。ずっとループの波の中をくぐり続けるってやつなんですけど。あのCGやってくれてる人は、その前の『SENSUOUS』の“Fit Song”っていう、角砂糖が動いたりするあれをやってくれた人で。そういう物理計算みたいなのがすごい得意な人らしくて。一つのものがどういう力を与えると次の時点ではどういうふうな形状になってる、みたいなことを映像に出来る。その人は東大出てて、頭いいんだけど、ドラマーだったりして、リズム感覚もすごいある、そういうすごい人がやってくれたんですよ。 ──理系脳で叩くドラムっていうことなんですかね（笑）。 そうそう。でもなんかコーネリアスのリズムって理系脳のドラムって感じもちょっとしますよね。 ──小山田さんは活動の初期からライブ演出における映像も込みでトータルなステージを作ってこられたと思うんです。あまり演者がフォーカスされないというか。その根本にある理由はなんなのでしょう。 ああ、あんまり見られたくないっていう（笑）、ことですかね。映像を使い始めたのは『Fantasma』のツアーからで、いわゆるシンクロライブみたいなのをやり始めて、その頃は映像は自分で作っていて。いろんな映画やテレビとか、映像をカットアップして作っていました。VHSには音声トラックがステレオでLRであるじゃないですか。片一方にクリックが入ってて、もう片一方にシークエンスとか音が入ってるんですね。『Fantasma』の頃ってまだそういうサンプリング・コラージュみたいなことをして音楽を作ってたんで、バンドの演奏以外の音も結構あったんですね。それもそこから出してて、それをステージ上で自分でビデオデッキにガチャっと入れて、スタートボタンを押してライブが始まるみたいな、初期はそういう感じでやってたんですけど、『POINT』の頃から割と今の『Mellow Waves』のツアーに近いような形になり、最初から最後までシンクロしてっていうスタイルが始まるんです。その中でひとつ大きかったのは『Fantasma』の頃にちょうど海外でライブツアーをやり始めて、言葉も通じないんで、そういう視覚的なコミュニケーションができるっていうか、言葉が通じない分、曲のイメージを補完したりするっていうこと、あとは照明的な役割だったり。他にそういうことやってる人たちもあんまりいなかったんで。そこからだんだんそういう方向になっていったって感じですかね。

──どんどんクオリティも上がり、映像のテクノロジーも上がっていくわけで。小山田さんは映像に関してどういうものを求めていて、今回のような作品になったと思いますか？音の構造物として曲を解釈したものもあれば、素朴なものもありますし。 うん。なんか色々あっていいかなと思ってあの3人の人選になったんですけど。そうですね……そのバランスっていうか、「どういうもの」って一個じゃないんです。自分の音楽のイメージを時には広げてくれたり、時にはすごくリアルに再現してくれたりっていうことなのかなと思うんですけどね。 ──コーネリアスの表現の場合、先にテクノロジーありきじゃないように感じます。 そうですね。必要なことしかやってないですけどね。今、プロジェクターでライブやるのってそんなに最先端じゃないっていうか（笑）。みんなLEDとかで、プロジェクターは逆にちょっと古いみたいな。なんだけど、うちはプロジェクションの方が合ってるなと思って。プロジェクターを使ってる理由は演出の都合上、前に紗幕があって、そこと後ろを映したり、あと、体にも投影できるっていうところ。L.E.Dのモニターは解像度が高くて綺麗なんだけど、自発光なので後ろからしか光がこないとか、そういう理由なんですけどね。映像がより見えるのはきっとL.E.D方が見えるんじゃないかな。あと、コーネリアスはバンドで、いろんな環境でやらなきゃいけないんで、その場合はプロジェクションの方が楽だったりするんですよね。 ──『Mellow Waves』のライブでは始まりの輪が投影され、そして演奏が終わる時に「Thank you,so much」っていうあのエンディングまで、何度見ても感動するんですよ。テクノロジーがあってこそ可能な表現ももちろんあるとは思いますが、ライブも映像も並大抵の作業じゃない、労作だからなのかなと。 うん。まぁテクノロジーっていうか人力ですからね、演奏に関しては。基本的なテクノロジーは『POINT』の頃からそんなに変わってないですよね。その頃はDVDでやってたんですけど、それが今回Blu-rayになったってぐらいで。画質とか解像度とか全然違いますけど、基本的にプロジェクションして、まぁそれとシンクして演奏するっていうのは、もう20年ぐらい変わってないですね。 ──今回、Blu-rayには入らないんだと思うんですけど「Another View Point」のライブの表現がなかなか社会的というか、ソリッドな内容でもあって。 あれだけは僕が自分でやってて。コーネリアスのライブってファンタジックというか、ちょっと現実から離れるみたいな時間だと思うんですけど、その中に思いっきり現実を入れると、よりその現実も浮き彫りになって、ファンタジックな世界もよりわかるというか。あと現実が一番狂ってる事がわかる。そういう感じがするのかなと思って。あれを入れることによってだいぶ広がりが出る気がしたんで。ただ、あれはこういうソフトには収録できないんで（笑）。

──（笑）。一回性のものですね。 一回性のもので、しかもそのとき、一番新しいニュースとかが入ってるんで、よりそのタイミングで見ないと。 ──それこそ一昨年のフジロックでエイフェックス・ツインがやっていたことも、そのときやるから意義があるという意味では共通点があるなと思いました。 うん。エイフェックス・ツインのライブ、うちらのあとだったんで見れなかったんだけどね。見たかったな。 ──小山田さんにとって音楽以外のアーティスティックな表現は切っても切れないものですか？ まぁ、全部一つのプロジェクトというか、全部一緒に考えてますけどね。自分もそういう風に音楽を聴いたりしてたんで。音楽にまつわるもの全てというか、自分が子供の頃聴いてた音楽とかも、ジャケット眺めながら聴いてたし。ま、全部一緒だと思いますけど。 ──手で触れるアートワークから、映像まで色々あるわけですけど、単純に物理の解像度だけでなくて、内容が迫ってくるものがあると思います。今のクリエーターの方達のバランスはすごくいいのもあると思いますが、『Mellow Waves』の映像作品の中でも小山田さんが一番ギョッとした作品ってどれですか？ ギョッとしたっていうか、辻川くんが、“Mellow Yellow Feel”を本当に一人で作ったっていうのを聞いて、すごい偉いなと思いました（笑）。偉いっていうか、ちゃんとしてるなというか。彼も元々は一人で映像を作り始めて、で、そこからいろんな仕事をしたりして、結構でかいプロダクションも仕切ったりするようになって。で、たまたまそのちょっと前に＜Audio Architecture展＞っていうのがあったんですけど、そこでいろんな若い作家の人の中に辻川くんも入って作って。その中の大西さんという方が、彼一人で頑張ってCGで作ってたんだけど、そういうところに辻川くんが触発されて。それで、あえて一人でやるみたいな作風に向かっていって「偉いなぁ」と思いました（笑）。 ──それは仕事でもあるんだけど、コーネリアスの作品がクリエーターのモチベーションを上げる要因にもなってるんでしょうね。 辻川くんは初めて映像作ったのがコーネリアスで、そこからずっとやってくれてるんで、そういう意味ではモチベーション持ってやってくれてるんで。まぁもちろん仕事でお願いしてやってくれてるんだけど、もともと最初はただの友達だったんで。そのノリで今でもできてるっていうのがいいなと思いますけどね。 ──クレイメーションはおそらくすごい根気が必要だし、どこで完成とするか？　もその人のこだわり次第でしょうし。 うん。そういうことを今やってるっていうのがすごいなと。そういうところに出るなとは思いますけどね。 ──本気とか熱意ですね。テクノロジーの進化だけでは表現できない感覚みたいなものがむしろあると思います。ところで、もしお金いくらでもかけていいんだったらどんなショーをやりたいですか？ え？　わかんないですけど、ホール作りたいです（笑）。そっからやりたいですね。 ──専用ホールですか？ 専用ホール。コマ劇場のサブちゃんみたいな感じで（笑）。一週間ぐらいおんなじホールで、なんかやるスタイル。演劇とか、ブルーマングループとか、ああいう感じで、そういうのができたら面白いなと思います。 ──会場を持つのは夢ですね。 そうですね。自分の会場を持つって。なかなかいないよね？　ストーンズとかでも、ジェット機は持ってるけど。 ──（笑）。 会場、オリンピック前で、全然空いてないからね。それにアリーナとかはライブには向いてないし。国際フォーラムは2年前に押さえたって言ってたもんね。2年後のスケジュールまで決まってるから、ちょうどいい会場を押さえるのが、今大変なんだよね。でも2年後のこと言われてもわかんないじゃないですか（笑）。 ──（笑）。でも大体皆さん2年後ぐらいは考えて動いてるのかなと。 そういうの辛いですね。ほんとは何にも考えたくないんですけど（笑）。 ──（笑）。余談ですけど、香港の＜クロッケンフラップ＞でデヴィッド・バーンのライブはご覧になりましたか？ ああ、見た見た。 ──ステージ上にアンプや定位置の楽器がないという。 すごいね。デヴィッド・バーンはあのプロダクションを全部の会場に持ってってるんだもんね。あのプロダクションはすごい。毎回、デヴィッド・バーンのショーは面白いですね。ほんと誰もやってないことをやりますよね。 ──しかも年齢上がるに従って、フィジカル的にきつそうなことをやるという。 うん。めっちゃ踊ってたもんね。70ぐらいだけど元気だったね。あの人もよりロックバンド的なものじゃないところに行ってて、ほんとパフォーマンスって感じですね。今見ると、「ストップ・メイキング・センス」とか普通にロックバンドだなと思う。あれも当時はすごく斬新なパフォーマンスだったじゃない？でも今見えると普通にロックバンドでやってるなと思うよね。ああいうちょっとロックバンド的なところから逸脱したロックバンドの元祖みたいなところだからね、あの人。 ──コーネリアスの次のライブは楽器が消えるかも？ ま、アンプは消えるかもね。 ──また何か意表を突くプロダクションを期待しています。ありがとうございました。

「ほとんどは俺がこの人にはこの曲をリミックスしてほしいってお願いしましたね。全体が似たようなトーンにならずに、それぞれのビートメイカーが見事に自分のスタイルでリミックスしてくれて面白かった。しかも、リミックスを依頼して次の日に返してくれる人もいたぐらいリターンは基本的に早い。そういう瞬発力がいまのビート・ミュージックの面白さであり醍醐味でもある。DOMMUNEでも話したように、いまのビートメイカーはツイッターでつぶやいたり、インスタグラムに写真をアップするような感覚でビートを制作して発表している側面もあると思うんです。1日で5、6曲作っちゃうビートメイカーもいますし、“これが俺のいまの気分”みたいな感じでどんどんビートを残していく」

「いま話したようなビートメイクと、ビート・ミュージックの動きが世界のあちこちで独自に起きて拡がっているんですよね。例えば、日本よりも海外で評価されている日本人のビートメイカーがいるけど、そういう事実や動きはなかなか国内のメディアでは取り上げられないから、アンダーグラウンドでムーヴメントが進行するっていう現象が起きたりもしていますよね」

ILL SUGI　俺が働くようになってからビートメイカーやビート・ミュージック好き、海外のお客さんが来てくれるようになりましたね。店内のスピーカーで大きな音量で音楽を流してお酒とか飲んで楽しくなっちゃっていましたから（笑）。働きながら店内でビートを組んだり、店の上にある事務所にPCを置かせてもらってビートを組んだりもしていました。 仙人掌　俺もフランスでレーベルやっている人とかビート・ミュージックに興味のある海外の人とRAHで会ったりしましたね。

「実は俺、17歳ぐらいのときにBlack Ignition Center（かつて存在した、DRAGON ONE、yack、MILES WORD、宙チート、ILL SUGIから成るヒップホップ・グループ）でMILESさんのバックDJをしていたんですよ。だから、気合いが入って何パターンもビートを作っちゃったりして（笑）」

仙人掌　ILL SUGIはじめ今日いるビートメイカーの人たちはSPを使うじゃないですか。SPのコンプ（コンプレッサー）はめっちゃ重要だよね。 ILL SUGI　元々SPはビートを作るためじゃなくて、別の用途で持っていたんですよ。 仙人掌　SPは元々“音を通す”のが中心的役割の機材ですもんね。 ILL SUGI　そう。SPのコンプをかけると音がめちゃ太くなるから、他の機材で作ったビートにもSPのコンプをかけたりするんですよ。SPのコンプをかけるといきなりビートのクオリティが変わった感じがするから最初はすごいびっくりして。で、あるとき、SPのYouTubeの映像を全面に押し出しているMyspaceのページを発見して、そういうヤツらのビートを聴いたり、プレイしている映像を観るようになって、「なるほど！　SPでこんな風にビートを作るんだ！」って知って。それから自分でもSPでビートを作るようになりましたね。 仙人掌　ILL SUGIは、SP-404のタトゥーが入っていますからね。 ILL SUGI　はい（笑）。たしかケヴ・ブラウンはチョップができるSP-505で、マッドリブがSP-303を使っていたと思う。ケヴ・ブラウンはSP-505をMPC（AKAIのサンプラー）とつなげたりしているんじゃないかな。SP-505は音が良い、というか、新しい音って感じがするんですよね。 仙人掌　ビートを作り始めたときからクオンタイズ（サンプラーに内蔵されたタイミングを補正する機能）は付けていなかった？ ILL SUGI　最初はクオンタイズがかかっているのか、かかっていないのかもわからないぐらい知識がなくて。でも作っていくうちに、クオンタイズを外した方がノリがいい感じになるって気づいていったんです。

「音楽を聴いていると、どんどんいろんなものを好きになっていくと思うんですよ。俺の場合、最初ウータン・クランに衝撃を受けて二十歳ぐらいまでは本当にそういうヒップホップしか聴かなかった。でもだんだん耳が柔らかくなっていくと、いろんな音楽を好きになっていく。だから、みんなにもそういう風に音楽と接してもらえたらうれしいですね。踊れる曲は全部踊っとく。そういうことです。音楽を聴いてダンスしたいし、ダンスしてほしいんですよね。それが、＜SLOW LIGHTS＞のテーマですね」

「CRAMと福岡で初めて会ったときに、『ILL SUGIくん、ディビアシー（Dibia$e）って知ってる？』って言われて。そういう、自分が大好きなビート・ミュージックを共有できる友だちですね」

仙人掌　CRAMは自分のビートのダンス・ミュージック性についてはどう考えている？　ISSUGIもCRAMのビート上（CRAM feat. ISSUGI“Fiend Combo”）でそういうことをラップしていたよね。「踊りたくなるヤツがいてもいいし」って。 CRAM　俺も自分のライヴで人に踊ってほしいですね。だから、ライヴに関してはスウィングしているビート中心にやるんです。 仙人掌　CRAMはトラップについてはどういう意見を持ってる？　というのも、リル・ヨッティとかも好きってインタヴューで語っていたのが印象的だったから。 CRAM　そのビートがカッコいいと思えば聴くし、気分が乗ったらトラップっぽいビートも作りますね

CRAM　「日本と言えば、BUDAMUNKだろ」っていろんな人から言われて。OLIVE OILさんの名前も出ましたね。だから、日本のビート・ミュージックがインターネットを通じてカナダの人にも知られているんだって実感して。 仙人掌　俺もNYのクラブで現地の人に同じようなこと言われた経験がある。Spotifyのプレイリストを見せられて、“こんなにBUDAMUNKの曲が入ってるぜ”って。中国には独自のサンクラがあるんだけど、BUDAMUNKや俺らが知っているような日本人のビートメイカーの曲が聴けたりして、何十万回再生されている曲もあったりする。CRAMの海外とのコネクションは面白いし、柔軟性があるよね。 CRAM　『THE LORD』を作っているときに、自分が大好きなフライ・アナキンとコンセプト・ジャクソン（共にアメリカのリッチモンドのラッパー）にメールをしたんですよね。そうしたら、OKの返事が来ていっしょに曲が作れることになって。 ――SoundCloudで知り合ったというメリーランド州のラッパー、デクスター・フィズも参加していますよね。さらに、あのアンダーソン・パックにもオファーのメールをしたそうですね。 CRAM　普通にシカトされました（笑）。でも、オファーする分には恥ではないですからね。いまそういう考え方ができるのもトロントでの経験が大きいです。日本では良いとされないことが向こうではアリだったり、また日本では良いことが向こうではナシだったり。そういう経験が俺の脳みそを刺激して、“ナシはナシ”っていう考え方になりましたね。 仙人掌　“ナンデモアリ”じゃなくて、“ナシはナシ”っていう考え方が面白いね。

仙人掌　Kid FresinoとのEP（『Backward Decision for Kid Fresino』2014年）でも歌っていたし、ライヴでもだいたい歌うもんね。 Aru-2　そうですね。あの作品もフックで歌っていましたね。歌いながらビートを作ったりしますし、ビートを作っていたらメロディが浮かんでくるんです。ライヴで歌うようになった理由は、いろんなライヴの現場を経験するようになって、ただビートを流すだけじゃないライヴをしたいって思ったのがきっかけでした。 仙人掌　『BOY MEETS WORLD -REMIX-』のミックスとマスタリングもAru-2に任せたし、フリーフォームで多才なビートメイカーだと思う・

Aru-2　あの曲にしかない役者感を感じたのが、リミックスしたいと思った最大の理由ですね。で、チョップ感のあるビートをラップにハメてみたら見事にハマったので“OK!”って感じで完成しました。 仙人掌　ただ実はリミックスを最初聴いたとき、俺は「あれ！？」って思った。俺のファースト・ヴァースの入り方とビートがズレているのかもしれないと感じて。だから、「これで大丈夫？　このビートはこういう解釈で合ってる？」ってAru-2に確認したよね。そしたら、「これで大丈夫です」って返事が来て。原曲にある3ヴァース目もカットされているし、ある意味でいちばんリミックスらしいリミックスを作ってくれたと思う。

「DJプレミア、J・ディラ、マッドリブはもちろん好きですけど、誰よりもサムアイアムは外せないですね。サムアイアムが面白いのはどんどん別のジャンルの音楽を取り入れて、自分の音楽やビートをブラッシュアップしているからなんです。さっき話に出たSP-404の映像になぜサムアイアムが出てこないんだ！？って俺は怒っていたっすね（笑）。あと最近はスティーヴ・スペイセックですね。スペイセックが去年出した『NATURAL SCI-FI』をずっと聴いていますね」

「自分でカセットを100本ぐらい作ってBandcampで買えるようにしたら海外の人からの注文がたくさん入ったんですよね。オーストラリア、中国、ニュージーランド、フランス、イギリス、ドイツ、ハンガリー、アメリカもカナダも、ホントにいろんな国の人が買ってくれて。で、世界各地の住所をプリントアウトして郵便局に行って発送するっていう作業も自分でやる。リリースするたびにお金も入ってくるから生活の柱になっているし、自分の音楽が世界のいろんな人に聴かれているっていう実感がありますね。インターネットでつながっている時代だしその土地特有の音楽的特徴みたいなものはどんどん薄くなっていっているのかもしれないけれど、だからこそ、去年ぐらいから、生活しながら音楽を作っている自分や、そういう普段の生活のありのままを表現したいと思うようになりましたね」

「BUDAくんにリミックス・アルバムの相談をしているとき、早い段階で紹介してもらったビートメイカーがJUNさんなんです。横須賀のスケーターからキャリアを始めているというのも知って、自分たちとノリが近いんだろうなって感じたんですよ。それもあって、JUNさんにはJUMANJIとHITと俺がマイクを回す“Water Flow”のリミックスを依頼したんです。JUMANJIもスケートのシーンと近いグループだから」

「BUDAくんを自分のイベントにゲストで呼んでライヴをやってもらったことはあったんですけど、そこまで普段から会ったりする関係ではなかったので依頼されたときはびっくりしました。でも昔から仙人掌くんのラップを聴いていて、めっちゃヒップホップな人だなって思っていたから、『やります！』って即答しましたね」

JUN NAGAOSA　DJ スピンバッドやエクセキューショナーズ（ヒップホップのDJやターンテーブリストたちが集まってNYで結成された集団）のロック・レイダーとかに影響を受けて一時期はひたすらルーティンを組んでいるようなDJでした。それがあるとき、ディビアシーやラス・Gのビートを聴いて、『これはヤバイ！』ってなって、SP-404でビートを作り始めるんです。SP-404の作りやすさのおかげでDJからビートメイカーにすんなり移行できたのはありますね。MPCとかと違ってリサンプリングで直感的にビートを作れるから。 仙人掌　jjjが、SPでビートを作る感覚を“音を手で掴む”って表現していましたね。サンプルをチョップするときも波形を切るんじゃなくて、音を手でざくざく掴んでいく感覚でやるって。

「ちょうど＜ロウ・エンド・セオリー＞が盛り上がっている時代で、イベントの会場前に若いヘッズがすごい並んでいましたね。ティーブスもそこらへんをうろうろしているし、ギターセンターっていう楽器屋で働いていたマインドデザインと仲良くなって遊んだりしましたね。で、さらに向こうのローカルの子たちと遊んでいると、車でBUDAくんの曲をかけたりしている感じなんですよ。俺も言われましたからね。“お前、BUDAMUNKを知ってるだろ？”って（笑）。そのBUDAくんが俺のビートをチェックしてくれていて、仙人掌くんのリミックスを依頼してくれたことがうれしかったですよ。いま、自分のビートが海外のヤツに聴かれているっていう実感は俺もありますよ。日々発送作業に追われていますから（笑）」

──ライブ、めちゃくちゃ良かったです。 嬉しい！ありがとう。 ──バックスクリーンに、子供の頃の写真を投影してましたよね？ うん。自分がどこから来たのか、忘れないようにするため。今、こうしてここに立っていられることへの感謝を込めてね。今回のライブで、初めて試してみたことだったの。＜フジロック＞のためにね！ ──初めて日本のオーディエンスの前で演奏してみた感想は？ もう、めちゃめちゃ楽しかった。みんなとっても優しくてフレンドリーで……。昨日はものすごい雨だったけど、だからこそ今日の天気を楽しんで、よりハッピーに過ごせているんじゃないかしら。 ──確かにそうですね。ちなみに昨夜はどうしてました？ 私たち昨日、ロンドンからここまで来たのだけど、48時間ずっと寝てなかったから早めにホテルに戻り、メンバーとトランプやったりしてすぐ寝ちゃった。今回の滞在はとっても短くて、あまり色んなところへ行けないのが残念。12月にまた来るからその時は東京と大阪をゆっくり探索したいな。

──是非！ で、今日は「ステラ・ドネリーを構成する要素」についてお聞きしたいなと思って。 OK。自分では大きく2つの要素があると思ってる。一つは「パンク・ミュージック」。色んなバンドを観て、その影響の組み合わせによって出来ているのだけど、中でもパンクからの影響がとても大きい。音楽的にはそう聴こえなくても、自分が思ったことを素直に表明する姿勢というのは間違いなくパンク精神よね。 もう一つは、「これまでの人生経験」。恋に落ちたり、別れたり。女性アーティストとして、この数年間で感じたこと……そのうちのいくつかは、あまりいい思い出ではないけれど、私に歌詞を書くモチベーションを与えたし、書くことによって自分のやっていることに対して自信が持てるようになっていったと思う。そんな自分を見て、若い女の子たちがギターを手に取ってくれるようになって欲しいな。 ──今、ステラが使っているシェルピンクのストラトキャスターは……。 フェンダー・ジャパンよ！　バンドのベーシスト、ジェニファーから安く売ってもらったの。ギターは全部で3本持っていて、アコギと、あと1970年製の赤いヴォックス・ストローラーを持ってる。指1本で持ち上げられるくらい軽くて（笑）アルバムのレコーディングでも使っているわ。 ──もともとはアコギから始めたんですよね？ そう。私が8歳の時に父が買ってくれて、それでいくつかのコードを教えてくれた。そこから先は独学で覚えていったわ。ラジオから流れてくる曲を聴いて、どうやって弾いているのか必死に調べて。そのうち徐々に上達していったという感じ。 で、あるときアコギを車の中に置きっぱなしにしていたら、誰かに盗まれてしまって。仕方ないから、それまで全然触ったことのなかったエレキを手に取ってみたの。もしアコギを盗まれてなかったら、きっとまだエレキを弾いてなかったと思う。なので、あの時の泥棒には感謝してるわ。「（日本語で）ありがとうございます」あははは！

──（笑）。スリーフィンガーでエレキを弾いてるのは、アコギからの名残なんですね。 まさにそう！ ──歌の中に笑い声やため息を入れたり、話すように歌ったりする表現は、どこから来たもの？ 「正直であること」を、常に自分に思い出させるのにとてもいい方法なの。単にメロディをなぞるように歌っているのだと、アイドルと変わらないというか。自分のストーリーを、まるで話すように歌うことでよりリアルに表現できる気がする。 ──ビブラート唱法も特徴の一つですよね。 ライブのビデオを見返したら「あ、やってる」って感じで、自分でも気づかないうちに習得していたみたい。思い返してみると、風邪を引いてあまり声が出なかった時に、無理やり出そうとしたら出来るようになった気がするな。ただ、エディット・ピアフ（Edit Piaf）は好きだけど、やりすぎは良くないと思っているので、ほどほどに取り入れているわ。 ──ミュージック・ビデオではコメディエンヌっぷりも発揮してますよね？ 本当に？　でもそれはきっと、編集が上手いからだと思うな（笑）。キャラクターを演じるのは難しくて、最初は苦労したからそう言ってもらえて嬉しいわ。 ──レオタード姿でユニークなダンスをしたり（”Old Man”）、死体やナースを演じたり（”Die”）、ああいうアイデアはどこから生まれるのですか？ “Old Man”は映像作家のフィオナ（・ジェーン・バージェス）が全体のテーマを考えてくれたのだけど、ダンスの振り付けは私が適当に思いついたものよ（笑）。ちょっと遊び心があって、奇妙な感じはフランスのヌーベル・バーグを意識してるの。ジャン=リュック・ゴダールとかね。撮影はアムステルダムで行ったから、オランダとフランスの要素がいい具合に混じり合っているんじゃないかな。

“Die”はスタジオ・ジラフの作品で、「死」というものを面白おかしく表現したかったの。ちょっとハリウッド映画を意識して、大きな霊柩車に乗ってみたり、棺桶に入ってみたり……（笑）。「死」って語ることをタブー視されているというか、忌み嫌われたものとされているじゃない？　オーストラリアを含め、特に英語圏ではそうだと思う。でも国によっては、あるいは人によっては「死」についてオープンに語ったり、「生の一部」として捉えたり、むしろ明るく祝福するものと考えてさえいる。どちらも否定しないけど、私自身は後者の考え方に近いと思う。まだ死にたくはないけどね（笑）。

──僕も、メキシコの死の祝い方がとても気になっています。 「死者の日」ね！ ──愛読書や、大切にしている映画を教えてもらえますか？ えーっと、そうだな。お気に入りの映画は、アルゼンチンの監督ダミアン・ジフロンの『人生スイッチ（Wild Tales）』（20014年）。「暴力」と「復讐」がテーマで、ありえないような出来事が次々と起こるクレイジーな物語なのだけど（笑）同時に風刺も利いた知的な作品なの。 愛読書は、オルガ・トカルチュクというポーランドの作家が書いた『Flights』。いくつかの短編で成り立っていて、様々な場所が舞台になっているからツアー中に読んでいると、すごく入り込める。2回読んだわ。映画は飛行機の中で観る程度なのだけど、本は大好きで、たくさん買ってしまうから常にスーツケースがパンパン（笑）。なるべく本屋には立ち寄らないよう気をつけてるわ。ちなみに今は、チャールズ・ブコウスキーの『On Love』という詩集を読んでいるわ。 ──音楽や映画、読書以外で関心を持っていることは？ 実は今、言語学（linguistic）をオンラインで勉強していて、近いうちにちゃんと大学に通おうと思っているの。私はウェールズ系のオーストラリア人なのだけど、「ウェールズ語」という素晴らしい言語が失われつつあることに心を痛めてるの。それをちゃんと勉強して、残していきたいなって。 ──次のアルバムでは、どんなことをテーマにしようと思っていますか？ 「テーマにしたい」と思っていることはまだ決まってないのだけど、テーマに「したくない」ものはもう決まっていて。とにかく「ツアーに関する作品」だけは避けたい。よくあるじゃない？　デビュー作を携えツアーに出たミュージシャンが、それに感化されて《I'm on the road, blah-blah-blah〜》（と歌い出す）みたいな曲を作るのって、ありがち過ぎて。 ──（笑）。 ツアーから戻って日常生活を取り戻し、「自分はどこから来て、どこへ向かうのか」にちゃんと向き合いながら曲を作りたいな。 ──ライブの時のあの写真には、そういう意味も込められていたのですね。 その通りよ！

ステラ・ドネリー（Stella Donnelly） オーストラリア・パース出身のシンガー・ソング・ライター。ソロ活動の傍ら、Bells RapidsやBOAT SHOWのギタリストとしても活躍。2017年にリリースした楽曲“Boys Will Be Boys”でオーストラリアの音楽見本市、Bigsound 2017のリーバイス・ミュージック・アワードを受賞したことで世界的な注目を集め、〈Secretly Canadian〉と契約。2018年、“Boys Will Be Boys””を収録した『THRASH METAL』EPにボーナストラックを追加しワールドワイド流通で再リリース。2019年3月にデビュー・アルバム『Beware of the Dogs』をリリースする。

——「サークル・オブ・ライフ」はもちろん、「ハクナ・マタタ」や「愛を感じて」など本作には名曲と呼ばれる歌が数多く登場しますよね。さらに今回、ビヨンセやドナルド・グローヴァー（チャイルディッシュ・ガンビーノ）、ファレル・ウィリアムスといった名だたるアーティストの参加により、音楽的な面だけを切り取っても話題性の高い作品となっています。劇中の音楽については、どんな印象を持たれましたか？ とにかく今回のキャストが世界で大活躍されている方々だというのもあるんですけど、楽曲自体もよりドラマチックさが増すアレンジになっていたり、超実写版に合わせてアップデートされているのをすごく感じていて。特に、劇中で流れるビヨンセの新曲『スピリット』は、歌詞的にも「心の中に眠っている本来の自分の声が聞こえますか？」っていう問いかけであり、「一人一人が輝く花を持っている」っていう強いメッセージが込められていて、そういった部分が物語とリンクして生まれる感動があったり。ビヨンセにしか出来ないような表現がたくさんあったので、そこも本当に素晴らしいなあと思いました。 ——ナラ役で声優としても活躍されていらっしゃいますが、声の演技という点ではいかがでしたか？ すごいですよね！ 音楽以外でもあんなに表現出来るのが「さすがだなあ」って思いました。ライブパフィーマンスはもちろん、これまでにご出演された映画とかもたくさん観ているんですけど、彼女の尋常ではない表現力は本当にすごく尊敬しています。 ——彼女の持っている強さは、ナラにも重なるところがありますよね。 本当にそう思います。ナラって、シンバを一番に信じていて、力強い芯のある女性というキャラクターなので、ビヨンセのように女性を引っ張っていく世界のディーヴァっていうところと重なる部分がたくさんあるなって思います。

——今回、日本版オフィシャルソングを担当されるということで、ジョン・ファヴロー監督とシンバ役のドナルド・グローヴァーさんに直接会って歌声を披露されたそうですね。 歌い終わったあとに、お2人とも「Yeah!!!!!」って拍手してくださって（笑）。ドナルド・グローヴァーさんは「『ライオン・キング』に出演した方がいいよ！　」って言ってくださったり、帰るときに水を飲みながら「またね！　」って手を振ってくれたりして。お会いする前はチャイルディッシュ・ガンビーノのMVをとか見ていて「どんな方なんだろう」って思っていたんですけど、すごく穏やかで優しい方でした。 ——物語中では、プンバァやティモン、「ハクナ・マタタ」という言葉との出会いがシンバを大きく成長させるきっかけとして描かれています。今回の監督やドナルド・グローヴァーさんとの出会いもそう捉えられるのかもしれませんが、RIRIさんにとって特別な意味を持つ言葉や出会いってどんなものでしょう？ 昔からすごく好きで大事にしている、“夢見ることができれば、それは実現できる（If you can dream it, you can do it.）”っていうウォルト・ディズニーの言葉があるんですけど、本当にそうだなって思う瞬間がすごくあって。私は昔から世界で活躍出来るアーティストになりたいっていう大きな夢があって、そこに向かって本気で進んできているし、それなりに大変なこともたくさんあるんですけど、それも将来夢を実現するために起きていることだって感じることが多々あります。それに、自分の身の回りにいる尊敬出来る方たちが力になってくれたりするので、本当に「サークル・オブ・ライフ」じゃないですけど、出会う人に影響を受けたりして、「がんばろう」って思えたりすることもたくさんあります。人と人との愛のつながりの中で素晴らしい影響を受けることがたくさんあるなって、すごく思いますね。

——いい影響を与えあって生きていけたら、それはとても素敵なことですよね。自分で未来を切り拓いていくシンバの姿はRIRIさんにも重なるところがあると感じました。これから新時代のアイコンとしてどんなエンターテインメントをつくっていきたいですか？ 私はグラミー賞を受賞するっていう大きな目標があるんですけど、日本人がまだ獲ったことがない４大部門を目指しています。今、アジアの国のアーティストがどんどん世界に出ていっているなかで、絶対に日本人も世界に進んでいけると思うし、日本人アーティストとして世界で活躍したいという想いも強くあるので、そういった意味で新時代をスタートさせるための革命を起こせるようにという気持ちでいつもがんばっています。これからまだまだ道のりは長いと思いますけど、実現出来るようにがんばります！

──今回の再結成、いきなりの嬉しいニュースには驚きました。いつ頃からこの画策を？ 2年ぐらい前かな、「2019年には20周年になるんだな……」と思いつつ、ただその時はまだ「何かやりたいな……」程度だったんです。そんな中、サブスクリプションを含め、今ワイヨリカの音源を身近に聴ける環境がないことを知って。だったらこのタイミングで何か形に残して、改めてみなさんの耳に触れる機会を作りたいなって。そこからですね、「新曲を入れたらみんな喜ぶかな？」等々を考えはじめて。「新曲を入れるなら、やっぱり再結成」という選択肢にたどり着きました。 ──今回、「Beautiful Surprise」と銘打った再結成への一連の動き（仕掛け）には都度ワクワクさせられています。 最初は「せっかく20周年のデビュー日だから何かしたいよね」から始まりました。そこから「7インチブームだから7インチを出すのは？」と、アイデアが出てきて。と言うのも私たち、デビュー・アルバム発売前にプレ・デビュー盤を12インチで出したことがあって、それが当時1万枚即完したんです。「だったら今度はデビュー曲を7インチで、しかも私たちのライブで人気の高い”さあいこう”を収めてだそう」と。それから、「その告知をする前に、デビュー日に再結成の報告もしちゃおう」と。そこから今回の企画へと続いていったんです。 ──なるほど！その告知名のシリーズが「Beautiful Surprise」とは、すごくマッチしてますね。 ありがとうございます。新曲名が既に”Beautiful Surprise”との仮タイトルがついていました。その時から「アルバムタイトルもこれがイイね」との話をしていたんです。とてもいい言葉だし、私たちのこの20周年を表すのに適切なワードであり、ファンの人にもきちんと伝わってくれそうなキャッチーなフレーズだと思いました。

──ワイヨリカとして再びso-toさんと久しぶりに一緒にやられてみていかがでしたか？ この6年間、お互い培ってきたものをそれぞれがより一層持ちよれたかなって。以前よりワイヨリカについて俯瞰でみることができたので、以前よりなんか余裕をもって取り組めました。以前はやはり凝り固まっていたり、「ワイヨリカとは」みたいなものに固執していた面もあったんだと思います。今回はそれが抜けて、楽曲制作もレコーディングも凄くスムーズで楽しく行えました。 ──意外です。ワイヨリカは昔から、マイペースに心に余裕がある音楽活動の印象があったもので。 そんなわけないじゃないですか～（笑）。もう、常にギリギリでヒリヒリしながらやってましたよ（笑）。逆に当時はすべてのことに、「ギリギリに追い詰めとかないとダメ！」って感じで臨んでましたね。 ──では逆に今回その辺りの余裕はどこから生まれたのでしょう。 自分たちにとってワイヨリカはベースであり帰着すべき場所ではある。けれど、そこだけに固執していないって部分が良かったんだと思います。特に今回は「戻ってきた」という安心感や安堵感もあったし、リラックスできるホーム感もありました。おかげさまで新曲もむちゃくちゃ楽しく制作できました。もちろん、しんどさもありましたけど。 ──その「しんどさ」とは？ 色々と考えちゃった面もあったんです。20周年であり、でも6年のブランクを経て、その間2人とも様々な活動をしてきた。それをワイヨリカに持ち帰ってきた感というか、その表しかたについてはすごく考えました。今回は「変わらない強さと、変わっていく強さを同時に持ち合わせなくてはいけない」と強く思うところがあったので。それがどこに当てはまるのか？というのを凄く悩みました。私たちの作り方は、まずso-toさんが曲を作り、そのあとに私も含めお互いで精査して曲のクオリティを上げていくスタイルなんです。今回はso-toさんから何が出てくるのだろう？という点もあって……。 最終的に仕上げたのは今回の3曲ですが、実は今回、アルバムが1枚出せるぐらいの曲を作ったんです。候補曲の中から吟味し「これだったら今のワイヨリカとして自信を持って出せる」そんな新曲を目指していました。 ──分かります。活動時期により、音楽性や趣向も様々でしたが、その中でも2人が変わらず常に持ち続けてきた本質みたいなものを今回の新曲から感じました。 その感想は嬉しいです。私たちはほんとに色々な音楽性を経てきましたから。その分、どの時期のファンの方にも喜んでいただける楽曲を作ろうと思っていました。

──改めて、デビュー当時の話について。あの頃は空前のディーバブームで。前年にMISIAさん、宇多田ヒカルさんがデビューし大ヒット。その翌年の1999年デビューとなると、いわゆるそれを受けた歌姫たちが続々とデビューをしていたわけですが……。 いやー、あの年は女性シンガーが多くデビューし、ライバルも多かったですね。むちゃくちゃ忙しかったです(笑)。当時は「ディーバ」って括りではありましたが、各々はかなり個性的でしたよ。そんな中でも、私たち自身はその括りからはちょっと違うところにいたんじゃないかなって思いますね。私もブラックミュージックが根底にはありましたけど、歌い上げるソウルフルなシンガーたちとはまたちょっと違う分野かなと。自分自身でも独自の歌い方を模索してやっていましたね。 ──確かに、当時出てきたディーバたちとは対照的な印象があります。 思い切り表に出す情熱というより、クールさや、秘めた情熱というか。歌に対する温度が伝わるような歌い方や曲を出すことを目指していました。どちらかと言ったらUKソウルに近いものだったと思います。 ──どこか清涼感を擁しており、クラブミュージックテイストな中でもアコースティックな感覚がありました。 アコギを使ってソウルフルな音楽をやる、そこは変わらずにずっと持ち続けていたアイデンティティで。初期こそプロデューサーさんたちと自分たち独自の音楽性の確立や唯一無二さを模索してはいましたが、そんな中でも常に根底には、so-toさんのアコギとメロディ、私の声を一番に聴いてもらいたかったんです。 ──その辺りのお話、ワイヨリカならではの武器性についてをもう少し詳しく教えて下さい。 メロディやサウンドを最も活かす方法を常に考え歌ってきました。私の場合、「私の歌を聴いて！」といったタイプではなく、むしろ歌も楽器やサウンドの一部だと捉えていて。楽器のように歌うシンガーに憧れていたんです。その中で歌詞をつけることで想いを伝える、そのような考えで歌ってきました。 ──なるほど、中期以降はメッセージ性を伝える面にも重きがうつってきたように思えます。 それはありますね。歌っていくうちにライブを通して、お客さんがまるで自分の歌のように捉えてくれる方が増え、その方たちを見て、「ああ、この人たちの想いや気持ちも引き受け、背負って歌を作って、歌わなくちゃいけない！」という覚悟や決意が芽生え出してきました。より聴いてくれる方々に向けての歌詞へと移り出したのはそこからですね。

──ここからはベスト盤『Beautiful Surprise ～Best Selection 1999―2019～ 』の話にうつります。2枚組全30曲で新曲も入り3,000円はかなりお買い得ですね（笑）。 お買い得でしょ～（笑）！やはり今回、感謝の気持ちを込めて。これまでのファンの方にも、ここから私たちに触れてもらう方にも、手にとってもらいやすい内容と価格にしました。先ほどの話じゃないけど、この20周年で絶対に多くの人に聴いてもらえる環境を作りたかったんです。 ──選曲はお二人でやられたんですよね？ そうなんです。おかげさまでかなりお互い思い入れのある選曲になりました。シングル曲はマストで、かつ各アルバムから満遍なく入れました。お互いに重なる曲もありましたし、「えっ、その曲！？」って曲も入っています。2人の入れたい曲を優先的に入れられたので大満足です。全体的にやはりライブで印象的な楽曲が中心になったと思います。

──曲順やリリース時期もランダムですが、アルバム通して全体的にどこか流れやストーリーを感じました。 曲順に関してはほぼほぼ私が決めさせてもらいました。私にとってアルバムの曲順や曲間ってすごく大事だし、こだわっている面でもあって。今回はほとんどが既発曲ではありますが、新しいアルバムを聴いているような感覚になってもらえる作品を目指しました。 ──その為に曲順にはこだわったということですね？ そうですね、いわゆるDJ的な並べ方をしたんです。音楽的な手触りをブロックブロックにして流れを作ったり、あとはライブの感覚ですね。ライブ時のセットリストというか、ストーリーを大事にしつつ、緩急やメリハリ、コントラスト等のドラマティックさは考えました。 ──だからこそ、発表時とはまた違った響きかたをしていました。 まずは聴いてくださる方を思い浮かべながらの曲順でした。聴いてくださる方の感情の動きや揺れ、機微を想像しながら。そう考えるとそれこそDJに近い感覚でしたね。「ここからこの曲の展開がくるとは思ってなかったでしょ？」といった思惑も含めていろいろ考えました！

──新曲の”Beautiful Surprise”はシンプルながら、この上なくワイヨリカのこれまでや今、そしてこれからを伝えている感があります。 ありがとうございます。歌詞は私史上、最もシンプルなものになりました。タイトルも分かりやすいワードが2つ並んでいるのでそれだけでも伝わりやすいですし、シンプルだからこそ人それぞれ色々な意味に捉えてもらえるかなと思います。みなさんの心の中で育つであろう言葉だし、あえてその辺りを狙っています。元々ワイヨリカは多くを語らないし、メッセージや主張を押し付けたくないユニットなので。余白や行間、そこにみなさんの中で楽曲の意味を捉え、育てて欲しいというのが常にありました。今回は6年を経て、それの究極が出来たと思います。 ──よりシンプルにすることで、更に強くその辺りが出た感があります。 これこそ作っている間にファンのみなさんの顔が浮かんできた曲で、歌うたびに言葉の意味も増えていきました。ホント自分でも興味深い曲です。 ──もうひとつの新曲の”Beep-Beep-Beep”。これはかなりライブ映えしそうな曲ですね。 ライブのセットリスト的に考えると、メリハリとしても楽しくみんなと一緒になれる曲が欲しくなるんですよね。その流れで作りました。元々、歌詞のモチーフはso-toさんだったんです。彼の実家では昔フォルクスワーゲンに乗っていたらしくて。この曲は、それに乗ってカップルが楽しくドライブにいく様子を描いてます。でも、ドライブ中にカップルが喧嘩しちゃうっていうのをふざけながら書いていたら完成していました（笑）。「自分の人生の歩みもこの車のように時代に追いつけていないし、速度も遅いかもしれないけど、それでも僕を愛してくれるかい？」、というような歌になってます。 ──3つ目の新曲”ONE ROOM”は夜で、ややセクシーさを擁したアダルティな雰囲気の新曲で。どこか背徳感とスイートさの同居を感じます。 背徳感、当たってます。バッチリです（笑）。これも立派なこれまでのワイヨリカの側面ではありました。この曲は女性の恋愛観の真骨頂のような曲を書きたかったんです。それを昔だったらもっと暑くるしく伝えていたと思いますが、それをあえてサラッと書きました。その方が女性の人生、その奥の何かも伺えるし、想像できるかなと。 ──デビュー曲の”悲しいわがまま”も今回、20年ぶりにリメイクして収録していますね。 これは2人だけで一発で録りました。もうライブでやるそのままでしたね。私たちのキッカケの曲でもあるし、それを「時を経て今の私たちはこうですよ」と、今の自分たちのライブ観をまじえて、「今のso-toさんのギターです！」、「私の歌です！」との思いを込めて、改めて録りました。 ──久しぶりのライブも予定されてますね。ファンからやって欲しい曲のリクエストを募り、1位の曲は必ずやるという趣旨のものですね。 今からライブはかなり楽しみにしています。と同時に想像するだけで緊張してきますね。ソロでもずっとやってきてはいたので、当初は「大丈夫だろう」と高を括ってましたが、久々に全曲ワイヨリカですからね。やはり近づくにつれ……。 ──リクエストは予想通りでしたか？ かなり分かれました！意外さも含め、すごく面白かったです。それぞれの人にそれぞれの想いが各曲にあったことに改めて気づかせてもらいました。特に現状2位の曲は意外で。現在想定しているセットリストには入ってなかったので入れるべきか今悩んでます。 ──これを機にワイヨリカは今後も続けていく所信ですか？ 当初はその辺りフワッとしていたんですが、so-toさんがこの前「やる！！」と言ってました（笑）。ですが、昔みたいに気負って曲を作ったり、頻繁にライブをやったりのスタイルとはまた違った活動の仕方になるでしょうね。それが出来ないのではなく、あえてやらないスタンスという意味です。その「無理のない活動」というのが今のワイヨリカにとっては重要なスタンスなんです。なので、頑張るけど無理はしない。そんなスタンスで活動していければなと思っています。 ──では最後に。20年前の自分にメッセージをするとしたら？ うーん……。なんだろう……。「続けることが一番難しいけど、そこにはご褒美がちゃんと待ってるから頑張って」かな。あとは、「そんなに必死にならなくてもいい……」、いや、逆に「今は必死にガムシャラにやっとけ！！」って言いたいです(笑)。あとは「仕事を断るな！来た仕事は全てやれ！！」。それがのちに色々な糧になったり、点が線に繋がっていったりしますから。ホント20年経って、その辺り改めて実感しています（笑）。

INTERVIEW：ravenknee

――7月3 日にリリースした新曲“ubugoe”の評判がとてもいいですね。 松本祥（Vo/Gt以下、祥）　「ポップだけど、革新的なところを突いていて、聴いたことのない感じだった」と言われたのは嬉しかったですね。 松本一輝（Gt以下、一輝）　今までのテイストを加えながらも、聴きやすいように、ポップに仕上げているので、これまでとは違った印象の楽曲になりました。 ――“ubugoe”はみなさんのルーツが散りばめられていて、それが「革新的」と言われる部分に繋がっていると思うのですが、作る上で、どんなことをイメージしましたか？ 祥　僕が高校２年生ぐらいの時に、なんとなく一人でいっぱい曲を作ってた時期があって、特に披露をするとかもなく溜め込んでたストックがあるんです。構成も決まってなくて、歌詞もなくて、メロディーとコードだけある曲で、いつかバンドをやる時に、できたらなっていうような。今までそのストックを弾き語り、僕が90%くらいトラックを作り込んだものをみんなに渡してたんですけど、今回は、ギターと声だけで録ったやつをみんなに送って、そこから組み立てていくっていう新しい形で、初めて作ったやつですね。 一輝　自分は“daydreaming”（2017年12月に自主制作にて発表した楽曲）の感じがすごく好きなので、そういう北欧のテイストのギターリフと、それにのっかるようなシンセサイザーのリフを重ねられたらいいなと思いました。祥くんからもらった音源に、その２本だけを１コーラスつけて送り返して、それを元にだいたい90%くらい完成させてもらって、それからメンバー全員で構成を削って、足したりしてという感じですね。 祥　本当は転調してCメロとかあったんですよ。結局、最後はサビが転調するんですけど、元々はCメロっていうまったく別の転調があって、そこで転調してたんですよね。でも、ごっそり思い切って削ってみたり、ひたすら5時間ぐらいバンドでスタジオに篭って、構成を考えながら作りましたね。

――制作にはどれくらいの期間かかったんですか？ 祥　弾き語りのボーカルをみんなに送ったのは2月末くらいでした。そこからレコーディング撮り終わったのが4月の半ばです。 一輝　期間的にはそんな経ってないかもしれないですけど、何回もトラックを作り直したり、そういうので結構労力がかかりましたね。 ――東さんと安田さんは初めて楽曲を聴いた時、どんな印象でしたか？ 安田照嘉（Ba以下、安田）　弾き語りできたっていうのはすごく新鮮でしたね。祥くんの弾き語りがいいと思って、バンドに入ったというのもあったので。 東克幸（Dr以下、東）　トラックが作り込まれてきた時に、それを再現するのがドラムの重要な課題だと思ってたんですけど、フィルの自由さも“ubugoe”の前ぐらいからあがってきてて、色々考えていれられるようになって。鳥が羽ばたいていくイメージを想像しながらプレイしました。

――みなさんの“ubugoe“のイメージは？ 祥　まぁ、緑は浮かびました。あくまでポップで壮大で、エレクトロで、空間の広がりがあるようなシューゲイザーまでいかないけど、北欧や民謡系のサンプルを取り入れたり、エレクトロなんですけど、オーガニックなイメージというか。 安田　北欧のお祭りはイメージしてましたね。 一輝　電子音楽に使われている音色は民族楽器だったりとか、自然っぽさを意識してます。 安田　音楽的な面でもジャンル的な面でも、「新しい時代への移り変わり」というのを考えてました。 一輝　ある意味、前から一貫してるよね。“新しいことをやっていきたい”っていうのは。

――確かに5月から年号が令和に変わり、時代の移り変わりは感じますよね。以前、インタビューさせてもらった時は、サーキットフェスの出演を控えていたり、ライブの本数も去年に比べて増えていると思うのですが、そういったことを踏まえて、バンドに何か変化はありますか？ 祥　すごくありますね。ライブが楽しくて、自信になってきたというか。 一輝　「やってやったぜ」みたいな感覚がたまにでてきましたね（笑）。 安田　ハプニングを楽しめるようになってきた感じはありますね。 祥　あと、ライブ中にテレパシーが通じるような感覚。メンバー間で目だけで話せるような感じがでてきたような気がします。エレクトロバンドといえど、グルーヴとか、フィジカルを大事にしているところもあるので、そういうのが結構難しい課題ではあったんですけど、エレクトロをメインに、例えばエレクトロユニットだったらほとんど２ミックスで出してる感じでよかったりだとか、他にもユニットの難しさもあると思うんですけど、バンドサウンドはバンドサウンドで生音だけでやってるバンドがあったりする中で、結構エレクトロの２ミックスと生音とのバランスみたいな、中音と外音がこうでみたいなのは、すごく難しい課題なんですけど、毎回、ライブごとに小さい課題を考えている中で、クリアしているような気がしていて、それがこの半年間で、自信と楽しさに繋がってる気がします。 一輝　僕はできるところは全部ちゃんとリアルタイムでやって、ちゃんとドラムとかにもエレクトロの同期とかを返しているんで、たぶんリアルタイム感っていうのは伝わっていて、電子音楽なんだけど、ライブの生感に繋がっていると信じているんですよね。そういうことを追求していって、やっと形になってきたかたな、と思います。 祥　毎回、ライブは少しずつ違いますね。曲の繋ぎとか、セクションのアレンジとか。エレクトロの部分も毎回同じシーケンスが鳴ってる日はないし、エフェクトをかけるタイミングもその日によって違うし。セットリストは決めているんですけど、アレンジは本番でいきなり変わったりとか結構ありますね。

――それに対して、周りのお客さんの反応はどうですか？ 東　こっちが楽しくなるにつれて、反応もいい方向に変わってきている気がしますね。 一輝　ちゃんとやれば伝わると実感しましたね。 ――8月11日には、リリースを記念した自主企画がありますが、どんなライブになりそうでしょうか？ 祥　新曲盛りだくさんでいきたいと思っています。まだ音源も公開してないし、ライブもしてないし、本当に誰も聞いたことない曲がたくさんあるんです。ライブでしかやってない曲は結構あるんですけど、それを抜いてもまだ新しい曲がたくさんあるので、そこでお披露目できたらなと思います。 ――楽しみです。今回、企画に出演予定のLucky Kilimanjaro とthe engyとは、どんな繋がりがありますか？ 祥　2バンドとも繋がりが深いバンドです。Lucky Kilimanjaroは、revenkneeが結成してから2回目のライブで一緒に共演をしました。初めてあったのはもう少し前ですね。ライブハウスで会ったんですけど、僕、結構コミュ障というか、初対面の人と話が続かない人なんです。そしたらキーボードのまおたき（大瀧真央） ちゃんとかきて、「バンドやってるの？」とか、ただの客だったのに、こっちがすごく質問を受けて。そこからちょいちょいライブハウスで会うようになって、挨拶するようにはなりましたね。the engyは前にやっていたバンドで、2回くらい対バンしましたね。 安田　僕はthe engyは普通にファンだったんですよ。ravenkneeを組んだくらいの時に、このバンドでイベントするなら、the engyを呼びたいっていう話をしていたのは覚えてますね。 祥　その時、YouTubeにEPのトレイラーくらいしかなくて、メンバー不明みたいな感じだったんですけど、それをてるくんがディグって聴かせてくれて、「日本人！？」みたいな印象でした。 安田　そのあと、the McFaddinっていうバンドと仲が良いみたいで、なんやかんや繋がっていたって感じですね。そしたら、同じレーベルに所属することになって、すごく縁の深いバンドになりましたね。 祥　いつのまにかレーベルメイトになってましたね。

─――縁のあるバンドが出演されるんですね。今回の自主企画が一つの区切りとして、ravenkneeの次のステップは？ 祥　やっぱり、より大きい会場でライブがしたいですね。 一輝　取り急ぎ、アルバムですね。もう曲は録り終わっているので。 ――どんなアルバムになりそうですか？ 祥　今まで通り、エレクトロやクラブミュージック的な方面から攻めるということを意識しながら、ポップの中で新しいことを探そうとしているような局面も持ちつつ、“OCEAN”や“ubugoe”みたいな日本語の壮大なシューゲイザーや僕らのルーツを詰め込んだ作品になると思います。 一輝　今回は今までと違って、メンバー全員が関わっている曲が増えていて、その多様性も生まれていると思います。 祥　一緒に切磋琢磨してゼロペースから作った曲が結構あります。これまでのEPのようにジャンルが違う曲が目まぐるしく変わるんですけど、1つの物語として構成的に流れをつくれたらなと思います。 一輝　より多様性になったから、その間がでてきたって感じですね。いろんな幅がある曲ができたので、その間を繋げる曲ができてきたっていう感じですね。ライブの幅もそれで広がっています。 ――アルバムに収録される曲が、今回の自主企画で聴けるかもしれないですね。楽しみにしてます。

水曜日のカンパネラのプロデュースなどで知られるケンモチヒデフミ氏が次に手がける逸材がいる。その名もxiangyu（シャンユー）。彼女が主催し、その全容が明らかになった自主企画イベント＜香魚荘827（シャンユーソー）＞が8月27日（火）に開催される。彼女が招いたゲストアクトを代表して、気鋭のアパレルブランド・PERMINUTE を手がける半澤慶樹。そして3人組コントユニット・テニスコートの神谷圭介をゲストに迎えて、既存のジャンルに収まりきらず多岐に渡って活躍する彼らに、各々のルーツとイベントについて対談してもらった。

──今回xiangyu（以下、シャンユー）さんが「大家」としてイベントを開催するようですね。ゲストは音楽アーティストにとどまらず多岐に渡る領域で活躍する面々。どのように選ばれたのでしょうか？ シャンユー　単純に私が今一番好きな人たちを集めたイベントをしたいと思って選びました。私自身、現在音楽をメインに活動していますが、音楽家の方のいわゆる自主企画イベントって私、行った事がなくて。どうすれば良いかわからなかったんですよ。シャンユーというアーティストが世の中にほぼ知られていない状態で、自分がどういう人か知ってもらうには、と考えた時に、まずは私の趣味趣向が見えた方が良いかなと思い、こういった面々になりました。 ──なるほど。では簡単にお2人について出会いのきっかけとご紹介してもらえますか？ シャンユー　半澤さんは今ファッションブランドの「PERMINUTE」を立ち上げて大活躍されているんですが、実は学生時代の同級生なんです。ただ当時は仲良かったわけじゃないんですけどね(笑)。彼が今手がけているブランドが可愛いのはもちろん、服作りに対するアプローチもすごく面白くって。「PERMINUTE」というブランドというより、半澤さん自身に参加してもらいたいなって思ったんです。 ──そのアプローチ自体も特殊で面白いですね。依頼をOKするのに抵抗がなかったのでしょうか？ 半澤 慶樹（以下、半澤）　彼女は学生時代から本当に優秀で、就職も普通に決まって、良い企業に入られて本当にすごいと思っていたんですけど、いきなり会社を辞めた辺りからおかしくなって（笑）。それから、歌うと聞いた時に、すごく意外で「この人、読めないな」と思ったのが率直な印象でした。 ──唐突な展開に思えたと？ 半澤　はい。しかも自主企画で僕に依頼するなら、ファッションブランドなんだし、コラボでライブTシャツを作るとかが一般的だと思うんですけど……。彼女は「ボク個人」に依頼してきた。そのこと自体が「この人マジでやばいな」というところで興味を惹かれて（笑）。とはいえ最初はどう絡んでいこうか迷ったりもしたのですが、依頼を受ける側、依頼する側という関係性を超えて、全体の空気感作りから一緒にやれそうだと思ってお誘いをうけることにしました。

──ではテニスコートとのつながりは？ 神谷圭介（以下、神谷）　僕の大学の同級生が編集長を務める雑誌があって。その雑誌の絡みでシャンユーさんを僕の公演に呼んで見てもらったのが最初ですね。 シャンユー 「面白いコントをやる人がいるから」と紹介してもらい、観に行ったのがテニスコートさんとの出会いです。初めて公演を観たときの衝撃がすごくて、本当に今でも忘れられないんです。どんな公演でも、途中で退屈しちゃう部分ってあると思うんですが、テニスコートさんの公演は最初から最後までずっと面白いんですよ。それで私、癖になってしまって。

神谷　それから3回くらい、公演に来てくださってますよね。 シャンユー　話の切り口は身近なものであっても、そこからの展開が面白くって。それでテニスコートさん3人の人間性に興味を持って。それもあって、今回お誘いしました。 ──テニスコートはコント師でもあり役者でもあり、神谷さんは脚本を手がけたり。様々なベクトルで活躍されていますよね。シャンユーさんはそもそも企業に勤めていて音楽をやるつもりはなかったと他のインタビューで公言されています。それぞれどんなふうに今のポジションになったのでしょうか？ 半澤　僕は教育系の両親に生まれているので、ファッションをやっていること自体がバグなのかも……（笑）。 神谷　教師？ 半澤　そうなんです。高校3年生まで教師になろうと思っていて。 神谷　僕も両親が教師なんです。 シャンユー　ええー。じゃあ私も両親教師にしようかな（笑）。

──いやいや（笑）。 半澤　あるきっかけで教育からファッションに進路を変えることになり……。最初は憧れていた企業に入りたいという思いがあったんですけど。でもそういう企業は自分がブランドを始めれば、「全部一緒に仕事できるんじゃない？」みたいに思って。内定をいただいてはいたんですが、それも辞退して。卒業してすぐブランドを始めました。それから3年経つんですけど、そんなことをしていたら、本当に小さなプライベートスクールですが、そこで今クラスを持って授業をしていて。あっ、全部できたみたいな。 神谷　早くないですか？ 半澤　結構他のいろんなジャンルにも興味があって、でも、所謂クリエイティブに限らずなんですけど。今、短歌を調べたり煎茶の勉強をしたり……。ファッションという自分の興味を中心に、さらに枝葉を伸ばす生態系みたいなイメージで活動しています。 ──では神谷さんの場合は？ 神谷　僕は……全然人生設計をしてきませんでした。高校を出るときは、ファッションやデザインに興味を持って、作る側になりたくて美術大学に行ったんですけど。でもお笑いも好きだったし、結果、何かを作ることと自分が好きなものを一緒にやれるのがコントだったので始めた感じですね。意地になってやっていましたね。シャンユーさんも音楽をやっているけど、歌手っていう感覚はないですよね？ シャンユー　ないですね。 神谷　僕らもコントはやるけど、芸人さんではない。そうなると、テレビに出てお笑いタレントとしてやらないといけない。演劇の人は俳優としてやらないといけないというので。そこをはっきりと分けていません。

──じゃあお三方の共通項というのは、肩書に囚われない所と言えますね。それではシャンユーさんは何故ファッションデザイナーではなく音楽に？ シャンユー　ファッションの仕事の中でデザイナーって花形の職業って言われるじゃないですか。だから学生時代は漠然とデザイナーってかっこいいし良いなと思ってはいたんですが、そもそも私「服の作り方が知りたい」って気持ちだけで服飾の専門学校に行っていたので、ファッションの仕事しかしていない自分にしっくりきていなかったんですよね。それで24歳の時に、年女って事もあり、自分の人生について考え直したい気持ちになって。それで自分のこれからを色々考えた時に、一緒に音楽をやろうとずっと言ってくれている人のことを思い出して（笑）。 ──また急ですね。 シャンユー　はい。普段カラオケにも行かないどころか、人前で歌うこと自体が苦手だったので、そもそも「音楽をやる」という選択肢が自分の中にはなかったんです。でも人生は一度きりですし、飛び込んでみた方が面白いんじゃないかと急に思いました。 ──普通、選ばない選択肢を取ってみた時に、何が起きるんだろうか気になったと。 シャンユー　そうですね。 ──企画当日は他にも、トリプルファイヤー、ぎゅうにゅうとたましい、あと古本屋店主のコメカさん、あとクラウドファンディングを運営している会社の社長の酒向萌実さんなど。組み合わせの妙は狙い定めているのでしょうか？ シャンユー　実はあんまり深く考えてないです。それが自分の良いところか悪いところか、分からないですけど（笑）。 神谷　狙いに行って外すのって、一番恥ずかしいですしね。

──何が起きるか、自分も見てみないとわからない。 シャンユー　そうそう、わからないけれど確実に楽しいだろうなって。そういうノリが、お客さんも楽しめるんじゃないかなぁって。 半澤　仮にシャンユーさんがただただ「突飛なイベントをやろう」と思って、僕らを選んでいるんだったら、「ちょっと違うな」ってなっていたと思います。でも「単純に面白そうだし、やってみようよ」って軽いノリで来たから、僕らも軽いノリで返しました。それが彼女のすごいところかもしれないですね。だからチャレンジのための余白がちゃんと残されていて。 神谷　そうそう、余白って大事ですよね。 シャンユー　その余白ってものを、今2人から学ばせてもらっていて。この2人の共通項って、2人とも切り口は日常にある身近なものからでも、終着点を全然違うところに持っていくのが上手なところだと思うんです。それって、肩の力の抜き方が上手だからこそ出来るというか。余白って言い方を使うと、余白がある方々だからやれるイベントだと思います。

──では最後に意気込みを。 半澤　やんごとなきイベントになると思います。 神谷　多分、親切なガイドラインがないんですよね。それが面白がってもらえたら。 シャンユー　このメンバーでしか起こり得ない様々な広がりが見たいなと思って皆さんのことをお誘いしました。お客さんにとっても、私たち演者にとっても何か新しい発見があれば良いなと思ってます。

Xiangyu（シャンユー） 2018年9月からライブ活動開始。 日本の女性ソロアーティスト。読み方はシャンユー。 名前はVocalの本名が由来となっている。10月に初のデジタルシングル「プーパッポンカリー」をリリース。Gqom(ゴム)をベースにした楽曲でミステリアスなミュージックビデオも公開。 2019年5月、初のEP『はじめての○○図鑑』をリリース。 関東を中心に勢力的にライブ活動を行なっている。8月27日には初の自主企画イベント香魚荘827を渋谷O-nestで開催。 HP｜Twitter｜Instagram

──Alffo Recordsを始めたきっかけを教えてもらえますか？ 18歳からレコードを買い始めて、そこからずっとDJをやっていて今年で20年目なんですけど、それが動機になっています。当時から、今でもレコードが好きなテンションは変わってないですね。色々なきっかけがあって、それを話すと5時間くらいになっちゃうんですけど、今でも僕はレコードも買うしDJもやるし、若い子とかもずっと連綿と続いてレコードを買ってくれているのを見てきて、「そういう子たちにいいものを提供できる場所っていいな」っていうのが根底にあります。 ──Alffo Recordsは元々、通販だけでレコードの販売をしていましたよね。実際に直接お客さんと触れ合うようになって、どんなことを感じましたか？ 前の店舗にも来てもらっているんでわかると思うんですけど（以前は雑居ビルの6畳程度の部屋に店舗を構えていた）、あんな雑居ビルでも足繁く通ってくれる人たちを見てきて「やってて楽しいなぁ」っていうのはあります。通販のみでやってた時はそういう出会いってほぼなかったので、やっぱり店舗に来てくれるのは嬉しいですね。 ──直接顔を見てお話をしたり、コミュニケーションをしっかり取れるのはいいですよね。 そうなんですよ。話しているうちにこっちの熱量とかが伝わったんだろうなぁっていう時に、「これ買おうと思って来たんですけど、やっぱりこっちにしますわ」みたいなことがたまにあるんですよ。思っていたものと違うものを買って帰ってくれるとすごく嬉しいです。

──店舗をここに移転してから、レコードの販売と合わせて、バーを始めた理由やきっかけはありますか？ 僕がDJをやっていて、クラブも含めて「ベストな場所が無い」っていう思いがあったんです。入りづらかったり敷居が高かったり。それで1年半くらいずっと場所を探していたんですけど、懇意にしてる不動産屋が「やっと出てきました！」って条件の合う場所を見つけてくれたので、見て即決しました。 ──そうだったんですね。 やっぱり「集まれる場所」が欲しかったんです。僕自身がインディーミュージックに特化しているというか……ダンスミュージックとかも大好きなんですけど、レコ屋だけをやってるとコミュニティが固まってきてしまうので、もっと幅広く色んな人と交わりたいなっていうのがありました。 ──店舗内でイベントもやってらっしゃいますもんね。 おかげさまで週末は結構イベントが入ってますね。イベントに遊びに来るついでにレコードを見て買ってくれたり、お酒飲んでくれたりとかしたら、すごく有難いです。

──今後、イベント以外で何か新しくやってみたいことはありますか？ 音楽のイベント問わず、ファッション系のポップアップとか、フリーマーケットとかもやりたいですね。それもレコードだけじゃなくていいし。 ──なるほど。普段レコードに興味がない人がお店に訪れることによって、レコードに興味を持ったり、自分の知らない音楽を聴くきっかけにもなりそうですね。お店に立っていて、一番楽しいと思う瞬間はどんな時ですか？ 全然知らない人がカウンターで隣同士に座って、盛り上がった瞬間ですかね。そこを上手く繋げるのがカウンター内の人間の役割だと思っていて。そういう繋がりが連鎖していけば、より輪が大きくなるんじゃないかなと。いまだに「緊張する」っていう人もたくさんいるので、そういう「圧」はなるべく取っ払いたいと思っています。 ──改めて、「レコードの魅力」はどんなところだと思いますか？ 「大きさ」。たぶん音楽ソフトとしては一番大きいですよね。あとはやっぱり、レコードに針を落としてそこから音が流れるって、一番ライブに近い感覚というか。DJとしてこんなこと言っていいか分かんないですけど、いちDJとしては「モノ」というか「ツール」としか思ってないんですよ。でも、安心感はある。そこに「モノ」としてあるっていうことは消えることはないし、触っていると可愛くなるし、磨けば綺麗な音が出るし、逆に雑に扱うと傷ついちゃう。やっぱり「モノ」としてあるっていうのは、良いですよね。しかも、好きな「モノ」に囲まれるとなおさら良いですよね。

──確かに。新作、新譜も扱っていると思うんですけど、扱う上で心がけている事とかありますか？ もちろん音源は聞くんですけど、MVの作り方とライブは絶対見るようにはしてます。音源だけ聞いても分からないポイント、どれだけ本気でどのくらいパッションがあってやっているのかとかが、パフォーマンスで見えてきたりするんです。それを見た上で「これは推したい」っていうのを決めています。そういう意味では、もちろんルックスもすごく大事ですね。アーティストのパッションが高いと、こっちもパッション高くお客さんに伝えられるので、生の映像とか、どれくらい美意識もってやってるのかとか、どのくらいコンセプトもってやってるのかとか、色んな動画を見たりしますね。音だけ聞いても分からないことって、たくさんあるんですよ。 ──ナカシマさんが音楽に夢中になる瞬間ってどういう時ですか？ 例えば本とか小説とか映画とかにも言えると思うんですけど、「これ聴いた事ないけどヤバいな」みたいな時ですね。映画だと観た事ないようなショッキングなシーンとかありますけど、それって「アイデア」だと思うんです。そういうのが盛り込まれてるとテンション上がりますよね。逆にいうと、毎日の様に音源をチェックしていると色んな音楽に対して不感症になってくるんです。そんな中で、どこの国か分からないけど「やたらカッコいいな」って人が出て来たりすると、どうしたらこれを売れるんだっていうのは調べて、そのカッコよさがお客さんに伝わると、嬉しさが倍増します。 ──DJとして現場に立つ事もすごく多いから、感覚も磨かれてきますよね。 確かに。自分ももっと、自分の周りのイベントだけじゃなくて、メインストリームのヒップホップのパーティーとか行かないとダメなんですけどね。若い時とかは、それで感覚を磨いて来たので。もうちょっと余裕できたら人雇って遊びに行く様にします（笑）。

──今後どんな風に発信をしていきたいですか？ やっぱり人により多く集まってもらうっていうのが一番大事なので、食事も出したり、もうちょっとレコードを見やすくするとか。難しいですよね、「発信」って。俺が教えて欲しいですもん（笑）。あ、グッズ作りたいですね。色んな人に知って貰えるきっかけにもなるので。それが今一番やりたい事かなぁ。 ──海外だとレコーショップがオリジナルのトートバッグを作ってたりしてますよね。 そういうロゴがメインのデザインのグッズも、もちろんいいんですけど、もうちょっとデザイン性の高いものも作ってみたいですね。映画もすごく好きなので、とあるワンシーンをオマージュしたようなデザインとか、他でやってないようなことを、頭を使って色々やりたいなとは思っています。

──〈Ninja Tune〉に移籍された理由はなんですか？ 今回のアルバムは全く異なった作品にしたかったのが大きな理由の一つだね。〈Ninja Tune〉はすごく好きなレーベルの一つで、追求したい音を作るには持ってこいの環境だと思ったから。BonoboとODESZAにはずっと影響を受けてるよ。今回のアルバム『Weather』では違うチャンネルを使いたかった。今作を作る上で、ボーカルのHannah Cottrellをフューチャーすることで違った解釈を取り入れることがトピックだったんだ。 ──今回のライブでもバンドで登場しますよね。最新作にはテーマとして人間性を挙げていますが、バンドで演奏することと「人間性」にはどのような関係があると思いますか？ 2010年からフルバンドでメンバーも変わっていないんだけど、ライブでは生音でよりオーガニックなサウンドを意識してる。音楽も言ってみればかなりチルな音になっているから、視覚的にもインパクトがあるバンドで演奏しているんだ。 2011年に『Dive』のツアーでバンドで演奏したとき、レコードに比べて音の変化がめまぐるしかった。その変化を抽出して、音源したのが2014年にリリースした『Awake』で、ライブバンドの音をより多く取り入れた。バンドで演奏することによって、人間性が楽器を通じて現れてくるんだ。その音楽がどこからきたのか、それがいかに変化していくのか、より深く感じることができるよ。

──TYCHOさんの音楽はクラブでも盛り上がるダンストラックとしての側面があると思いますが、それらを＜フジロック＞の大自然の中でプレイすると、響が変わってきますよね。 野外だと音もいいし、クラブのように暗い場所で演奏するよりかは自然の中で演奏する方が好きだよ。演奏する場所を考えるのは改めて大切だと思うし、その空間と音には切っても切れない関係がある。 ──今回のパフォーマンスも含め、異なった場所で演奏することは次の作品にも影響がありそうですよね。 ボーカリストと一緒に回る今回のツアーでは、ライブの文脈の中でボーカルがいかにオーディエンスと繋がっていくかが重要な点になる。加えて1年半一緒に演奏していくことでバンドメンバーとの関係や毎晩オーディエンスとコミュニケーションしていくこと、それが演奏に反映されていくことで、次の作品に生きていくものがあることは間違いないよ。 ──苗場はいかがですか？　天気が不規則に変わっていったり......。 最高だよ。僕の故郷であるサンフランシスコも天気が常に変わるんだ。1分晴れたと思ったらすごい霧が出て、大きな雲が来たり。それが僕の音楽、今回の作品『Weather』においても言えることで、自分がコントロールできないものを変えるのではなく、それを受け入れていく。ベストを尽くして、適応していくんだ。 2006年に初めて日本に来たときは驚いたこともあったけど、回数を重ねていつも楽しんでるよ。でも、今回大きい蛇を見たよ。変な虫は見ることはあったけど、蛇は見たことなかったな（笑）。 ──最後に、一番好きな天気はなんですか？ 雨だね。本当に美しいよ。雨が降ると、全ての景色が変わっていく。室内で作業している時も、雨を見るのが好きだよ。雨の中でハイキングに行くのが好きなんだ。今日の天気は完璧だね。

──＜フジロック＞のステージに立ってみて、どうでしたか？ 日本の山は独特の雰囲気があるし、短い時間での天候の移り変わりもすごく興味深かったね。過去に出演経験があるアーティストからもいろいろ話は聞いていたけど、実際に自分の肌で感じてみると、想像以上に素晴らしい経験だった。僕の時間はものすごい大雨で、オーディエンスはしんどかっただろうから、あまり適当なことは言えないけど、そういった激しい自然現象と、映像やレーザーといったテクノロジーがいい感じで混ざり合って、その瞬間にしかないパフォーマンスになったように思う。 ──確かに、あの大雨のなかでレーザーが飛び交うことってなかなかないと思います。 まるで魔法のような空間だったね。そしてそれは日本のオーディエンスだからこそ、＜フジロック＞だからこそ完成した。そこがもっとも重要なんだ。

──どういうことですか？ 単純に、ヨーロッパじゃあんなに雨が降ったらみんなどっか行っちゃうよ。それに対して＜フジロック＞のオーディエンスは、雨が降ってぐちゃぐちゃになることも含めて、音楽を楽しみに来ているだろ？　あとはみんな新しい音楽にすごくオープンだったことも大きいと思う。今回はまだ発売していない曲も多くプレイしたけど、そのせいで熱量が落ちることがなかったんだ。僕は僕で、出るショーのカラーによって、そこで繰り広げられる景色を思い浮かべてセットリストを変えるとか、とにかく同じような気持ちでステージを消化しないようにはしてる。当たり前のことだけどね。そこで、ヒットした曲だけに反応するんじゃなくて、僕がセットを通してどんなことをするのか、どんな曲をプレイするのか、そういったことにオープンでいてもらえたことは、ほんとうに嬉しかったよ。

──今回の来日前には、2016年から現在までの新曲を含むベスト・アルバムもリリースしました。作品にある意図は、EDM以降の、さまざまな音楽性にトライしたここ数年の集大成と受け止めていいのでしょうか？ そうだね。もともとEDMだけに捉われていたわけではないけど、特にここ何年かは、いろんなことをやってきたように思う。 ──ブレイクダウン→ビルドアップ→ドロップという明快な展開や、大味の歪んだシンセの音などに世界中が乱舞した、かつてないほど巨大で長きに渡ったEDMというダンス・ミュージックのムーブメントを、あなたはどう思いますか？ あのムーブメントにいられたことは、とても光栄なことだったし、あれがあったからこそ今、僕はここにいる。すごくクレイジーな体験だったね。でも、EDMは完全に壁にぶち当たった。同じような曲が量産されて、もはや行くところまで行ったからね。 ──そして現在、何を思って曲を作っていますか？ あまり変わってないよ。曲を作るときに、今話したようなEDMが頭の中で鳴っていることもあれば、もっとフレンドリーなポップスが鳴っていることもあるし、それでいいんだ。僕は、音楽でみんながいい気分になってくれればいいなと思ってる。それが音楽をやっている理由であり目指すゴール。誰かはエモーショナルになるかもしれないし、別の誰かはハッピーになるかもしれない。そして、そんな人々がパーティやライブに集まってくれたら最高なんだ。 ──ハウスの歴史的な文脈とあなたの現在地については、どう思いますか？ EDMだけをずっと作り続けることは難しくないけど、そうなると僕自身がおもしろくない。一言でハウスと言っても、いろんな歴史や場面、スタイルによって分けられたジャンルがあるなかで、僕がやっているハウスは何なのかとなると、「曲それぞれ」なんだよね。そこには感覚的なものも自然発生的なもの、ある程度意図したものもある。だから、デュア・リパ（Dua Lipa）と作った”Scared To Be Lonely”みたいな曲も生まれるんだ。そんな感じで、いろんなタイプの曲があるんだけど、それらに共通した僕らしさとなると、コード進行やメロディだと思う。

──そこで興味深いのが”Game Over”です。EDM然とした強さとの距離感、独特のオリエンタルでサイケデリックな雰囲気をもったメロディやコード感、ブレイクビーツの要素なども採り入れたビートのセンスなど、あらゆる面で独特のテンションと温度感を持った曲だと思います。 それはそうだと思う。この曲は、まず特徴的なベース・ラインが先にあって、そこに、実はほかの曲のために考えていたコード進行を乗せたんだ。ちょっとクラシックっぽいんだよね。僕の作品にも他のポップ・ミュージックにもあまりない感じ。そうやってできた大筋に、ルーパーズ（Loopers）が試行錯誤してパーカッションを加えたり、ブレイクビーツがすごく合うんじゃないかって、提案してくれたりして、すごくアグレッシヴな作りになった。すごく満足してるし好きな曲だよ。

──新曲の”Summer Days feat. Macklemore & Patrick Stump of Fall Out Boy”は、完全にあなたの新しいモードを示すファンクになっています。 この曲ができあがったときに、今までとはまったく違う曲できたと思ったね。すごくエキサイティングな瞬間だったし、周りの反応もすごくいいから嬉しい。（スマートフォンに入っている動画を見せながら）ほら見て。これが僕のスタジオ。いつもここにいるよ。一人で作業するか、友達と一緒に曲を作ってる。聴こえる？　この曲は、こうやって適当に歌ってみたら、すごくよかったから、メロディをちゃんと作るところから始めたんだ。

──共に曲を作る仲間となると、マティッス＆サドコ（Matisse & Sadko）のことがまず浮かびます。＜フジロック＞では、彼らの”Saga”と、あなたと彼らによる”Together”を流れでプレイされていたことも印象的でした。 マティッス＆サドコのことはすごく尊敬しているし、いい友達だと思ってるよ。彼らとの曲は５曲リリースしたけど、一緒に作った曲は軽く30曲以上はある。僕が得意とするのはメロディを作ること。2人はほんとうに美しいコード進行を作ることができる。”Together”は、その二つの力が合わさって、すごく広大な曲になったんだ。

──そういった仲間との繋がりや個人の行動において、音楽性だけでなく「人間性」を、とても重視されてますよね？ うん、そうだね。 ──最後にご自身のあるべき姿と今後のヴィジョンを教えてください。 そこはすごくシンプルで、今までやってきたことを続けていくだけ。音楽に対して真摯であること。そしてギターを弾いたり歌ったり、パソコンと向き合って曲を作ってショーをやる。そう、新しくやってみたいこともあるんだ。映画のスコアを手掛けてみたい。サウンドトラックを作ることは、今後の目標だね。

──今回ソロ・ライブ・セットで登場されるということで。どのようなセットになるのか楽しみです。 このセットは最近始めたばかりなんだ。＜フジロック＞も初出演だから、いつも通りのDJではなくて新しいことを試してみたかった。ソロでやってる方が共感を得れるというか、自分の演奏がそのままオーディエンスにリアルタイムで評価されるからね。DJでは人の曲を流すことが多いからどうしても空気感が違ってるのもあって、ソロ・ライブ・セットを試してみたい。今回はほとんど新曲で、そのうち20％くらいしか発表してないんだ。だからオーディエンスの反応が楽しみだよ。反応が良かったらリリースするつもり（笑）。ファンテストだね。 今回のセットはどちらかというと、テクノ寄りになる。最近はミニマリズムにこだわっていて、シンセサイザーの数も少なくしてる。あと、自分のバンドでやってる音楽はかなりロック寄りな要素も取り入れてるよ。 ──今回の演奏で反応が良ければ、テクノのリリースもあるかもしれないと。 かもしれないね（笑）。望んだ通りに作っちゃうかもしれない。 ──オーガニック・サウンドでダンスミュージックを作っているプロデューサーは数少ないかと思います。なぜその音を意識しているのですか？ いつもエレクトロニック・ミュージックを作ろうとしてるんだけど、制作過程でギターを入れてみたり、フルートを入れてみたりして、気づいたらオーガニックなサウンドになってるんだ。60年代の音楽がすごく好きで、そのオーガニックさ、人間的な要素はすごく意識してる。どんな音楽を作っても人間味を引き出したい。あと、機材（マシン）は私たちのために働いてくれるものであるべきで、私たちが機材のために働くべきではないって思ってる。 ──自然な音を作ろうとしてなくても、どんどん自然になって行くと。 母親がシンガーで、父親はバンジョーやギターを演奏していて、プロデュースされたような音楽を聴いたのは10歳ぐらいの時だった。無意識にオーガニックな音楽で育った感覚が残っていて、音楽である以上はより自然に音楽的であった欲しいと感じるようになった。 キューバやコロンビア、ブラジルなどの南米の音楽は昔から高度なポリリズムが主軸になっていて、他のジャンルや他国の音楽には見つけられないものだから、すごく興味深いよ。いろんなキューバのミュージシャンと仕事をしてきたけど......、“Sol Clap”という曲でトランペットを演奏しているミュージシャンがキューバ出身なんだ。キューバのミュージシャンのクオリティはすごく高いよ。

──日本の音楽でお好きなのはありますか？ 最近はあまり聴いてないんだけど......、DJ KRUSHには影響受けているよ。あと去年＜フジロック＞に出演していた民謡クルセイダーズとか。彼らはスカやコロンビア、キューバのリズムを取り入れながら「民謡」をやってるんだよね。 ──日本にはちょっと前から来ているんですよね。 美しいよ。先々週くらいから日本に来ていて、香川県の直島に行ったよ。 ──直島は芸術が有名で。 いろんな所を観に行ったよ。建築は半端なかったね。 ──最後の質問です。＜フジロック＞でもしDJするなら、絶対掛けたい1曲は？ NickodemusでThe Illustrious Blacksが客演してる“FUNK THAT”かな。

──自己紹介をお願いします。 溝渕珠能です。京都精華大学デザイン学部イラストレーションコースを卒業しました。 香川県で生まれ、大阪で育ち、大学時代は京都ですごしました。卒業後に東京へ移り、出版のインターンを経て作家として活動しています。 ──絵を描くようになったきっかけを教えてください。 遡って考えるとすれば、おじいちゃんが絵を描くのが趣味の人で、ものすごくうまい人でした。そういうこともあって、お絵かき教室みたいなのにもずっと通っていました。でも大阪に引っ越してからは辞めて、お受験の流れみたいなのに乗って塾ばっかりになりましたね。そのまま、小中高とお受験な生活を味わい、唐突に高校生の時に画塾へ通い始めました。絵を描くきっかけは何回も訪れたのかな、と思います。 ──作風について教えてください。 ヒトそれぞれ世界の見方は違っていますよね。目で見ているものはいっしょなのに、ヒトによって受ける印象が違っているんです。その違いには、果てしなく続く想像力があると思っています。見たものを伝える時には必然的に言葉に置き換える必要があって、頭の中にはいっぱいイメージが詰まっていたのに、その時にほとんど省略されてしまう。 僕はそれをもったいないと感じます。なので、人々が世界の見方について、もっと考えられるような作品を作りたいと思っています。いろいろなヒトの世界に近づくために、色や形、線や空間への配置などの小さな要素を用いて絵を描いています。

──ご自身のスタイルに影響を与えたと思う人はいますか？ 最初に影響を受けたのは会田誠さんです。僕が見てきたもの全てから影響は受けたと思います。あとはお世話になった人達がいっぱいいるのですが、話をする中でその人たちの考えが僕の一部になっていると思います。 ──好きなモノ・コトを3つ教えてください。 散歩　ただ歩くだけが好きです。都会は散歩しづらいですね。目的地までのルートがあるとしたら、それを道草しながら歩くのは本当に楽しいです。 常日頃から鴨川を歩きたい、と思いながら生活しています。鴨川は最高級の一本道ではないかと思います。京都は東西南北や碁盤さえ覚えればどんな道でも結局たどり着くので、自由に散歩やサイクリングができて最高でした。 アニメ 最近はあまり見れていないのですが、昔から好きです。同じ作品ばっかり繰り返し見るタイプです。 喫茶店　楽しい会話ができる場所だと思いますし、コーヒーが好きなので。一人では行きません。最近行きつけのお店が潰れてしまいました。喫茶店のない街に住むのは苦痛です。 ──どんな音楽を聴いてますか？ 基本的に歩きながら聴いています。高めたい時、落ち着きたい時、その日の気分で選んでいます。ただ自然の音が聞こえないので、最近は外では控えてみようかと考えています。

──好きな映画は？ すごく小さい時にテレビで見てからずっと好きです。 最初から最後まで名シーンだらけだと思います。 深く考えずに「最高だな。」と常に思いながら見ると楽しめます。

──1日の作業時間はどのくらいでしたか？　描いてる時は何を考えていましたか？ ご飯とか散歩している時間以外は作業していたので、10時間もないのではないかと。 自分のことだと思います。昔のことだったり、今のことを考えていました。 ──絵はどこで描いていますか？ 住んでいる家の一部屋を丸ごとアトリエにしています。 その部屋の真ん中に半分にした卓球台を置いています。 壁も作業できるように板を立てています。 ──お気に入りの画材はありますか？ 使っているのは、ホルベインの不透明アクリル絵の具です。何度も同じ場所を重ねて塗るのですが、この絵の具は不透明ということもあって画面が砂っぽくならずに塗れる気がします。筆はホルベインのすごく柔らかい毛のものを使っています。硬い筆はしっくりこないのですが、今後使っていこうと思っています。

──いま、最も興味を持っているモノ・コトは？ 釣りがしたいです。ほとんど未経験ですが。迷惑をかけない程度にできるよう勉強しています。今年の禁漁前に、できれば9月中に1回くらいは行きたいです。 ──他に挑戦したいアイデア・テーマはありますか？ 立体的な表現です。現実世界にあるモノとして、感じられるような作品を作りたいです。ヒトの見る世界がそれぞれ違っていることにも興味がありますし、自分というヒトを用いて、行き着く先を知りたいからです。 ──何からインスピレーションを得ていますか？ 生活している中で見る風景、人と関わることで生まれる心情の変化などかと思います。普遍的な生活で目に見えるものを客観的に見ることで、違う面が見えてくるものだと思います。 先入観さえなければ、何からでも得ることはできるはずです。 ──今、やりたいことはありますか？ 釣りです。 山登りやアウトドアを嗜んでいたのですが、釣りをまったくしてこなかったので。 自分で食べ物をとってくることなんてほとんどないですから。その日のご飯にする、みたいなことをしたいです。

──あなたが世の中を美しいと思う瞬間は？ みんなが人に優しくしたいけど出来ない、みたいなニュアンスは少し愛おしいです。 視覚的には、鮮やかな青空を見上げた瞬間です。 ──10年後、どうなっていたいですか？ 座って川を眺めていたいです。 穏やかな気持ちで。それが出来る自分であれば、元気にやっていそうなので。 ──読んでいる方に一言お願いします。 お読みいただき、ありがとうございました。 質問に答えることが苦手なようです。 ああでもないこうでもないと考えてしまいました。 お会いする機会がありましたら、直接お話ししましょう。 大歓迎です。