ドン・ウォズが社長に就任して以降の名門〈ブルーノート〉において、ロバート・グラスパーとともにレーベルの顔役としてジャズの可能性を広げてきた立役者のひとり、ホセ・ジェイムズ（Jose James）。彼が最新作『ラヴ・イン・ア・タイム・オブ・マッドネス』を完成させた。ビリー・ホリデイの全編カヴァー・アルバムとしてジャズ・シンガーとしてのルーツを見つめた15年の『イエスタデイ・アイ・ハド・ザ・ブルース』に対して、今回彼が手にしたのは時計の針を一気に現代へと進めた、コンテンポラリーなR&Bのかがやき。プロデューサーのタリオやライクマインズを迎えて自ら本作を「R&Bデビュー作」と位置づけ、アメリカのメインストリームを席巻するトラップなど最新の要素を取り込みながら、「混乱の時代における愛の尊さ」を歌っている。来日したホセ・ジェイムズに、本作に込めた思いを聞きました。ホセ・ジェイムズ待望の最新作！

Interview：ホセ・ジェイムズ

——ビリー・ホリデイのカヴァー曲を収めた前作『イエスタデイ・アイ・ハド・ザ・ブルース』は、たとえるなら映画『バック・トゥ・ザ・フューチャー』のように、あなたが過去に向かって新たな音楽を見つけてくる旅路のような作品だったと思います。ハハハハ（笑）。 ——それに対して今回の『ラヴ・イン・ア・タイム・オブ・マッドネス』は、モダンR&Bの要素を大々的に取り入れて、テーマを現代に絞っていますよね。これには何かきっかけがあったのでしょうか？いい質問だね。僕は17歳の頃に初めてのジャズ・バンドを組んで以来、20年以上もジャズをやってきて、ビリー・ホリデイのアルバムを作ったときは、最強のプレイヤーたちと一緒にスタジオに入り、ドン・ウォズがプロデュースをして、ブルーノートから作品が出て……。「あとはジョン・コルトレーンさえ参加してくれたら100％だ」と思えるほど最強の環境で作品を作ることができた（笑）。ある意味ジャズの中で僕のキャリアが一周したような出来事だったんだ。だから、自分の中ではジャズについての興味に一度区切りをつけられるような作品に思えたんだよ。そう言うと、アメリカでは「ジャズに飽きたんだね」って言われたりもしたけど、それは違う。僕がそのとき考えていたのは、「ビリー・ホリデイのようなアーティストが現代に生きていたら、どんな音楽をやっていただろう？」ということだった。「ビヨンセになってたのかな、それともニッキー・ミナージュになってたのかな？」ってね。本当の意味での彼女のレガシーを今に伝えるためには、彼女のパワフルで、グローバルだった活躍を、今に置き換えて考える必要があると思った。だから、僕の感覚としては、これは終わりであり、同時にはじまりでもあるんだよ。 ——なるほど。だからなのか、今回の作品には音楽的に見てもこれまで以上にモダンな要素がちりばめられています。どんな風に影響源を吸収していったのですか？まずは純粋に、このところ新しいアーティストの中に面白い音楽をやっていると思える人が沢山いたんだ。たとえばグライムスにしても、DIYなスタイルを持ちつつ、成功もいとわない雰囲気がある。80から90年代に青春時代を過ごした人間としては、「売れる＝セルアウトだ」という考え方もあるんだけれど、今の若い子たちはアートを犠牲にはせずに、ヒットを出していたりもするんだよね。そして、それにメジャーな人たちが影響を受けていたりする。今回僕が一度ジャズから離れたいと思ったのは、それに比べてジャズのメンタリティに古臭さを感じたからなんだ。ジャズの世界では昨今、規模は小さくていい、この歴史を守ろうぜという雰囲気がある。でも自分は過去じゃなくて、未来の方にこそ興味がある人間なんだよ。それがいいのかどうかは分からないけど、つねに自分を先に進めようと思ってしまうんだ。 ——この新作はそれぞれの出自を飛び越えて色んな音楽要素が混ざった場所に辿りついているという意味で、フランク・オーシャンの『blonde』やザ・エックス・エックスの『I See You』などと同じ場所に位置するような作品だと思いました。今回の作品を作るまでに、特に刺激を受けたアーティスト作品を教えてください。それは２つあるよ。ひとつはドレイクの13年作『Nothing Was the Same』。それまでの２作はあまり好みではなかったんだけど、あのアルバムはミニマルなプロダクションで、彼の声がセンターに来ている作品だった。それに、後半になるにつれてパーソナルな感情が出てくるところも好きだった。普通のラップよりも感情を掻き立てられるような雰囲気で、すっかり会心させられてしまったんだ。もうひとつは、13年のビヨンセのセルフ・タイトル作だね。ここにはドレイクもフィーチャーされていたけど、彼女ほどビッグな成功を手にした人の作品にもかかわらず、とても正直で偽りのない作品だと思った。この作品には自分の流産のことも含めて色々なことが赤裸々に語られていた。僕の今回の６曲目“リヴ・ユア・ファンタジー”はビヨンセの“ブロウ”に通じるものがあると思うし、11曲目の“クローサー”はドレイクのアルバムのどの曲とも繋がっているように感じてる。別にプロダクション面だけではなくて、トラップ・ビートの上に“歌を中心としたメロディを書く”という行為自体も含めてね。３曲目の“レット・イット・フォール feat. マリ・ミュージック”はどの世代の人も好きだと言ってくれる曲だけど、それもビートがどうという話ではなくて、そこに至る前に曲に恋してるということだと思うんだ。僕は音楽ってそういうものだと思う。全部好きになる必要はない。何か好きな要素がひとつあって、そこに何かが加わって、また別のよさを感じてくれるならそれでいい。……秘密を全部言っちゃったから、もう質問しないでね（笑）。 José James - Live Your Fantasy

Live Your Fantasy収録最新作！次ページ「R&Bの世界にいまだに残る女性蔑視的な部分を極力排除しようと思った。」

【インタビュー】ホセ・ジェイムズ慣れ親しんだジャズから現代的R&Bの地平へ。最新作『ラヴ・イン・ア・タイム・オブ・マッドネス』を語る。

様々なアーティストや著名人の方にテーマに沿った選曲をしてもらい、その人と音楽との思い出を紐解いていくプレイリスト企画。今回は人気モデルのきなりさんが登場です。雑誌やショーのモデル業に加えて、DOTAMAさんの“音楽ワルキューレ2”や電波少女の“MO feat.NIHA-C”、上坂すみれさんの“Inner Urge” など様々なMVに出演し、ヒップホップを中心にDJ活動も行なっているきなりさん。今回は幼少期から音楽好きだったという彼女に、「新年をハッピーに過ごすための10曲」を選んでもらいました！　

Interview：きなり

——きなりさんはモデル業に加えて様々なMVに出演していますし、DJとしても活動するなど音楽が好きなイメージがあります。MVに出演する時にはどんな楽しさを感じますか？　たとえばDOTAMAさんの“音楽ワルキューレ２”では、音楽の女神を演じています。あの曲ではDOTAMAさんをお救いしました（笑）。「こういう風に動いてください」と役柄を与えられるのはどのお仕事も変わらないですけど、MVは曲の歌詞やメロディに乗って、音楽の一部になれるような感覚があるところが楽しいです。DJはイベントに遊びに行っていつも音楽の話をしていたら、「そんなに好きならやれば？」と言われて始めました。知らない音で踊ってくれたり、それをきっかけに話が弾むと嬉しいですね。 ——もともと、音楽を好きになったきっかけはどんなものだったんですか？ 両親が音楽好きで、特に父は若い頃バンドをやっていたような人なんですよ。だから物心ついた頃にはレッド・ツェッペリンが家で流れていたし、小学校の頃みんなが携帯電話を買ってもらい始めても、私だけ最初はiPodで（笑）。覚えているのが、初めておさがりのポータブルCDプレイヤーで音楽を聴きながらバスに乗った時に、外の風景が映像のように見えたんです。映画やドラマ、MVもそうで、映像作品って音楽があることで物語性が生まれますよね。そういうところが面白いなぁと思うようになりました。 ——今回はそんなきなりさんに、「新年をハッピーに過ごす曲」というテーマで10曲選んでもらいました。１曲目のチャットモンチーの“謹賀新年”はタイトルがまさに……。チャットモンチーは中高生の頃にハマって大好きなので、どうしてもそれを伝えたくて選びました（笑）。チャットモンチーは恋愛の曲が多いですけど、少し毒っ気があったり、一途じゃない女の子も描かれていて、当時そこから大人っぽさを勉強したんです。この曲は歌詞も可愛いですよね。彼とお参りに行って「ずっと一緒に過ごせますように」と願うのに、「もし彼も同じことを思っていたらどうしよう……？」という曲で。チャットモンチー – “謹賀新年” 次のNMEKは音楽好きの友達に教えてもらった曲。MVが可愛いし、音もすごく面白いと思ったんです。私はヒップホップをよく聴くんですけど、今回は色んな音楽を入れてみようと思って選びました。それに、歌詞は暗いけどメロディがハッピーなので、冬にも合うと思ったんです。次のザ・キュアーは父の影響ですね。 MNEK – “Wrote A Song About You” ——センスのいいお父さんなんですね。 聞いたら喜ぶと思います（笑）。キュアーはバンドＴシャツもパフォーマンスも全部好きなんですけど、この間観た映画『シング・ストリート』でもかかっていて「やっぱりいいなぁ」と思ったので。それでMVでも雪が降っているこの曲を選びました。1月ってみんな旅行をしますよね？　私は旅行に行く時に洋楽のプレイリストを作ることが多いので、それも考えて選びました。 The Cure – “Pictures Of You” 次のスピッツは世界で一番好きなアーティスト。実家にもCDが全部揃っているんですけど、最初に聴いたのは奥田民生さんたちがスピッツの曲をカヴァーした『一期一会 Sweets for my SPITZ』でした。この“タイム・トラベル”は原田真二さんのカヴァーで、「サフラン色のドア」とか、歌詞も可愛いですよね。今回新年の曲として選んだ理由は、スピッツの歌詞や声を聴くと頑張ろうと思えるし、遠くを見たくなるから。私にとっては「色んなことをしてみよう」と視界が開ける曲なんです。スピッツ – “タイム・トラベル” ——確かに、新年はこれから1年について考える時期ですよね。 新しい運気がポンッ！　と出てくる月で。次のキンモクセイさんは、私の中で「冬の夜といえばこれ」というイメージの曲。カラオケの十八番です。この時代の曲って、歌詞がドラマチックで、書き方がキザですよね。私はそういうところが好きです。それに冬のハッピーって超ハッピーな感じではないですし、私自身もずっとハッピーな人間ではないので、そういう感じも出せればいいなと思いました。今回選んだ10曲は、じわーっと1年に対する期待が出てくるような曲が多いですね。キンムクセイ – “二人のアカボシ”

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Photo by Naoto Kudo

【インタビュー】きなり新年をハッピーに過ごす楽曲プレイリスト

ボーイ・ジョージのミュージカル『Taboo』でウエストエンドデビュー。『ジャージー・ボーイズ（Jersey Boys）』で6年間主役フランキー役を務め、フランキー・ヴァリ氏本人がその歌唱力と演技を「最も驚異的なフランキー役」と絶賛。一躍ミュージカル界のスターダムへと駆け上った、ライアン・モロイ（Ryan Molloy）をご存知だろうか。

ライアン・モロイは、ブロードウェイでも期間限定で同役を務め、出演のないイーストウッドの映画サントラ盤にも収録曲があり、舞台作品も多数。2016年にアイルランドでツアー公演を行ったミュージカル『Che Guevara’s Night Off』で自ら音楽制作を手がけ、主役チェ・ゲバラ役を演じた。また、“Relax”のヒット曲で知られる英80’sのカルトバンド、フランキー・ゴーズ・トゥ・ハリウッド（Frankie Goes To Hollywood）2004年再結成時にホーリー・ジョンソンの代わりにリードヴォーカリストに選ばれ、ウェンブリー・アリーナでのコンサートを皮切りに欧州ツアーに参加。同グループ脱退後もプロデューサーで英国音楽の80年代を築いた男と呼ばれるトレヴァー・ホーン氏のライブにも参加した。アース・ウィンド・アンド・ファイアーのリミックスでも知られるグループ、ファッツ & スモールのアルバムにもヴォーカリストとして参加し、さらにはスティング、バーブラ・ストライサンドらとも共演した。そして、2016年、日本で2つのアルバムをリリース。アルバムはAmazon、iTunesなどで星5つという多くの高評価をリスナーから受けている。過去のオリジナル曲を中心に構成した『Turn On The Night』、ジャージー・ボーイズ人気曲でフォーシーズンズのカバー集『Sing’s Frankie』。ライアンが来日初ライブ＜Big In Japan Live＞について語ってくれた。

Interview：ライアン・モロイ

Sherryメドレー

——貴方のパワフルでユニークなファルセットの歌声、エモーショナルなヴォーカルでの表現。どうやって歌をレッスンしたのですか？　初めから歌手を目指したのですか？ ライアン・モロイ　僕はイングランド東北のニューカッスル出身ですが、19歳の時に最初は俳優になりたくて、修行のためにロサンゼルスに移住したんです。ロスのサウス・セントラル地域でソウルやR＆Bが流行っていたクラブに出入りするうちにダニー・ハサウェイの音楽に目覚めたんです。それから街のカラオケ勝ち抜き戦をやって賞金を出しているバーで歌い始めました。そこで才能のある歌手にたくさん出会い、自分を磨くことができたと思います。 ——『ジャージー・ボーイズ』のフランキー役のファルセットの歌声は生まれつきの声ですか？ ライアン・モロイ　元々僕の声は中から高レンジの声です。パワフルなファルセットの声でショーの間、長時間、安定的に歌い続けるテクニックは『ジャージー・ボーイズ』のために特別にトレーニングして作り上げたものです。ボン・ジョヴィや数多くの歌手のトレーニングをした有名ヴォイストレーナーのケイティー・アグレスタのトレーニングプログラムにより、声をウォーミングアップ、ウォーミングダウンすることを学びました。

——日本１stアルバム『Turn On The Night』を聴くと、ライアンさんの音楽には色々なジャンルが存在しますが、どんなミュージシャンに影響を受けたのですか？ ライアン・モロイ　僕の母が音楽好きで、小さい頃から色んなジャンルの音楽を聴いて育ちました。10代で初めてオーティス・レディングを聴き始め、それから、サイケデリックなビジュアルのニューダンスミュージック、80’sポップカルチャー、テレンス・トレント・ダービーなど色々な音楽を聴くようになりました。そしてロサンゼルスに住んでからはダニー・ハサウェイを聴きました。全てが今の僕に繋がっています。プロになってからは、すごくたくさんの違うジャンルのバンドで経験を積んできました。ソウル、ポップ、ダンス、ジャズからミュージカル劇場まで。 Comeback To Me

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【インタビュー】『ジャージー・ボーイズ』出演。英米舞台で活躍する実力派ライアン・モロイ、初来日を語る

話題のアーティストに、テーマに沿った曲を選んでプレイリストを制作してもらい、音楽的なバックグラウンドやパーソナルな側面を明らかにする本企画。今回は、昨年12月に1stアルバム『Film Bleu』をリリースした期待の若手バンドFor Tracy Hyde（以下、フォトハイ）から、夏bot（Gt.）、eureka（Vo.）、U-1（Gt.）、まーしーさん（Dr.）の4名が登場します。フランス語で「青春映画」を意味する造語“Film Bleu”で括られた作品群は、虚構としての青春と事実としての青春が、儚くも美しく混ざり合い「現実的ではあるのだけれど、どこか手が届かないさま」を叙情詩的に描き出します。前ヴォーカリスト・ラブリーサマーちゃんの脱退に伴い加入したeurekaをフロントマンとする現在の編成で辿りついた、ひとつの到達点。そのフォトハイ、気になるプレイリストは……？

Interview：For Tracy Hyde

eureka “色んな人が聴いて、それぞれ思い入れを持ってもらえたらいいですね。”

——本作ですが、Twitterで「特にこれから青春を謳歌するであろう10代に聴いて欲しい」と仰っていたのが印象的でした。 夏bot　何かを記憶・記録する媒体として、写真や映像が一般的じゃないですか。一方、音楽にも同じ機能があり、ある時代の空気が封じられていたり、個人の記憶と結びついていたりします。ソングライターの私としては、写真や映像に負けない音楽をつくりたいという気持ちがありました。それで、記憶を題材にするからには、ある年代や時期を扱いたいなと。10代にはリアリティを感じながら聴いて欲しいし、その他の世代にもノスタルジーを感じて頂けるような作品になったのかなと思います。 ——新ヴォーカル・eurekaさんの存在は、作品にどのような影響を与えたのでしょう。 夏bot　ヴォーカル選定にあたって、歌唱力はさておき、まずルックスが良くてポップアイコン足り得る人を入れたかったんです。eurekaは分かりやすい歌い方が印象的で、リスナーを選ばないのかなと思いました。良い具合に「虚構性」を引き立ててくれるのでは。あとは歌い方の真っすぐさを意識して、歌詞も以前よりストレートな表現が増えました。 ——eurekaさん、実際に歌ってみた印象はいかがでした？ eureka　抽象的なものが好きなので、以前の歌詞も好きでした。今はストレートになっているとは思うんですけど、まだ、どうにでも解釈できる部分が残っているのかなと。なので、歌っていても個人的な気持ちを込められるし、リスナー自身の個人的な気持ちも込められるようになっていると思います。 ——今回は「リスナーにお勧めしたい10曲」というテーマでプレイリストを作ってもらいました。まずはeurekaさん。選んで頂いたのは、いずれも女性ヴォーカルの楽曲です。 eureka　お休みの日にはずっと寝てしまうほど眠るのが好きなんですけど、夜になると目が冴えて、色々なことを考えて眠れなくなります。その間、空想に耽るんですけど、その時に合う曲がPredawnの“Sheep & Tear”。眠れないと、漠然とした不安とか、自分の不完全さを考えちゃうんですけど、そんな時にPredawnの曲はさまざまな思いを、「つらいなら、つらいままでいいよ」と包み込んでくれるんです。 Predawn – “Sheep & Tear” パスピエは、ポップで明るくてオリエンタルというイメージの曲が多いと思うんですけど、“わすれもの”は異端。私たちのアルバムにある “Emma”という曲と少し似ていて、バラードだけど変拍子で心が苦しくなる、という感じがすごく好きです。パスピエ – “わすれもの” ——夏botさんの1曲目はチャプターハウスですね。 夏bot　私は80から90年代のイギリスのロック、特にシューゲイザーやマッドチェスターがルーツですが、彼らはその両方の要素を持っています。すごくノイジーで耽美だし、メロディがポップ。“Pearl”に関して言うと、私たちは楽曲の大半がオマージュですが、この楽曲を下地に“あたたかくて甘い海”ができました。 Chapterhouse – “Pearl (Edit)” ——Galileo Galileiはバンドとして大きな影響を受けていますよね。 夏bot　インディ・ロックに興味を持ったきっかけが彼らです。アニメのOPで“青い栞”が流れた時に、こういう引き出しのあるバンドなのかと、思わず背筋を正すくらい衝撃を受けました。ギター・ポップ然としていて、淡白でありながらエモーショナル。 Galileo Galilei – “青い栞” The1975は、楽曲ももちろんですが、MVやアー写などのヴィジュアルも含めて一貫したコンセプトがあり、抜かりがない。世間では明るくてダンサブルなイメージですが、歌詞では人の葛藤や苦悩を描いていて、“Pressure”はダークな雰囲気が際立っています。 The 1975 – “Pressure” ——最後はフューチャースクリーンズの“All My Daydreams”です。 夏bot　80年代のシンセ・ポップをアップデートしたアーティストの中で、彼らは飛び抜けて曲作りがきちんとしています。“All My Daydreams”は邦ロック好きも聴けるようなポップサウンドですね。 FUTURE SCREENS – “ALL MY DAYDREAMS”

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EVENT INFORMATION

『Film Bleu』 Release Party

2017.01.22（日） OPEN 18:00／START 18:30 梅田 Noon+Cafe ADV ￥2,000／DOOR ￥2,500

CINRA presents ex-PoP!!!!!

2017.01.26（木） OPEN 18:30／START 19:00 TSUTAYA O-nest 入場無料（2ドリンク別）

TOKYO MUSIC ODYSSEY 2017 NEW FORCE”

2017.03.05（日） OPEN 17:00／START 18:00 SHIBUYA WWW X 1,000（NEW FORCE CDコンピレーション付、1ドリンク代別途）

Total Feedback

2017.02.25日（土） OPEN 17:00／START 17:30 Koenji High ADV ￥2,500／ DOOR ￥3,000）詳細はこちら

text＆interview by Oike Karasuma photo by Mayuko Yamaguchi

【インタビュー】For Tracy Hydeのおすすめしたい楽曲プレイリスト

幼い頃からSOUL、R＆B、ROCKなどジャンルにとらわれず音楽を聴いて育ち、地元鹿児島のFMラジオが主催する歌のオーディションに参加し見事入賞。2012年に上京を決意し、2014年2月14日、自身初となるデジタルシングル“keep on goin’”を配信リリース。初の配信にしてiTunes R&Bランキング10位を記録する快挙を成し遂げ、今後も注目の中津マオさんにインタビューをしました。

Interview：中津マオ

——シンガーになったきっかけを教えてください。 中津マオ　小さい頃から歌うのが大好きで、マイケル・ジャクソンやアリシア・キーズ、クリスティーナ・アギレラを学生時代はよく歌っていました。大学卒業後、アパレル関係の仕事に就き、ある日地元の鹿児島で先輩にFMラジオが主催する歌のオーディションに誘われオーディションを受けました。１次オーディションを通過し、2次オーディションでは、審査員の方と一般の観覧者100名以上の人たちの前で歌い、その経験から「私には歌しかない。歌と共に人生を歩んでいこう。」と決意しました。この鹿児島でのオーディションがわたしのターニングポイントでしたね。

——現在の活動内容を教えてください。 中津マオ　2016年11月11日に初のCDシングル『My R&R Baby』をリリースしたので今はライブハウスなどでのライブを中心に活動しています。『My R&R Baby』はご自身も『ME AND SIX STRINGS』という、やばいアルバムで昨年ソロデビューをした新時代のブルースマン、さいとうりょうじさんに1曲目の“My R&R Baby”と2曲目の“ダンスホール with さいとうりょうじ”を作詞作曲して頂き、3曲目はわたしが作詞、ギターリストの福森慶さんと私で作曲したオリジナル曲“○○良好 acoustic ver.”の3曲入りシングルになってます。会場と郵送限定のシングルになっているので、ぜひLIVEなどに足を運んで頂きGetして頂きたいです！ My R&R Baby/中津マオ

——中津さんの歌のスタイルやジャンルとは？ 中津マオ　地元ではSOULやR＆B系の曲を歌っていて、R＆Bシンガーとして活動する事が多かったけど、上京して周りで活躍している歌手の方たちと歌わせていただく機会もあり、わたしはR＆Bシンガーというジャンルでカテゴライズしていいのか考える事が多くなったりしたんです。ただ、昨年リリースアウトした『My R&R Baby』をライブ会場で歌うと、聴いてくれるお客さんによって、感想だったり捉え方だったり私へのジャンルのイメージの仕方が様々だったんです。それで何か自分の中のジャンルへの執着が自然となくなっていって。お客さんの年齢層は幅広くて下は20代から上は60代くらいで、20代からの感想で多いのはR＆Bなイメージだったりクールな感じなんですが、5、60代の方たちには、昭和感だったり懐かしさを感じるという感想を言って頂ける事が多くて。国籍／人種もジャンルも違うアーティストの名前があがってくるから「わたし＝R＆B」という枠はなくなったかな。上京していた頃と音楽のテイストも自然と変わってきていて今回の作品は私の中で一番ポップミュージックなサウンドで、でも私らしさはしつこく出てる作品だと思ってるので笑。聴いてくれる人が素直に感じてくれたジャンルが、私のジャンルだと思っています。ジャンルに囚われず常に進化したいし、私が影響を受けてきたサウンドをもっともっと出していきたい。色んな意味もこもってますが、ら単純に小さい頃から恋をしていたマイケル・ジャクソンが「KING OF POP」なのでジャンルを聞かれた際はポップスだと言わせて頂いてます笑。

——最近聞いている邦楽・洋楽を教えてください。 中津マオ　日本の曲は、“夜空ノムコウ”の楽曲をSMAPさんに提供した川村結花さんの“遠い星と近くの君”ですね。歌詞が今の自分自身と重ねる部分があって。洋楽は、イギリスのマンチェスター出身のオルタナティブ・ロックバンドのThe 1975（ザ・ナインティーンセブンティーファイブ）の“She’s American”ですね。最近は洋楽はROCK系を聴きますね。あと、ONE OK ROCK（ワンオクロック）ですね。わたし自身彼らの“Whenever you are”をカバーさせて頂いてYouTubeでUPしているのですが、世界でどんどん活躍していくバンドの勢いとTAKA（タカ）さんの音楽に対する姿勢、歌唱力と歌詞力に魅了されて聴いています。

——今後の活動予定を教えてください 中津マオ　1月31日（火）に赤坂のアークヒルズのARK HILLS CAFÉで鹿児島出身のアーティストが集まったイベントに参加します。あとは、やっぱりこの曲は中津マオだねって言って頂けるようなオンリーワンな作品を今後もっと作って、たくさんの方に届けたいと思っています！

中津マオ『My R&R Baby』ダイジェスト

EVENT INFORMATION

中園亜美　 ★LIVE CIRCUIT★

2017.01.31（火） OPEN 19:00／START 19:30 ARK HiLLS CAFE 投げ銭制（Tipping) 中園亜美(Sax)、中津マオ(Vo)、Mamino(Vo)、山下健吾(Key)、吉峯勇二郎(B)、福森康(Ds)

※ARK HiLLS CAFEはカフェダイニングになりますので、１ドリンク１フード以上のご注文をお願いします。 ※混み合いました場合は相席をお願いする場合もございます。予めご了承ください

詳細はこちら

オフィシャルサイト Twitter Instagram

【インタビュー】中津マオ（mao.）というシンガー。マイケル・ジャクソンに小さい頃から恋してた

ギター＆ボーカルとドラムの２ピースとは思えない迫力とユニークな音楽性を持つドミコが、昨年11月に初のフル・アルバム『soo coo？』をリリースしました。ガレージ、ローファイ、サイケなどそもそもの持ち味も残しつつ、一度聴いただけで耳に残る、さかしたひかるのクセになるボーカル、メロディのキャッチーさがさらに打ち出されているのも聴きどころ。今回は、ひかるが「もし自分がハイボールバーを開いたらかけたい曲」という謎のテーマでプレイリストを作成。そこにはどんな意図が？そしてドミコの音楽性との関連は？探りながらお聞きしました。

Interview：ドミコ

“でかい人だけが歌えるとかじゃないっていうところで勇気が出て来るんです。”

——今回のアルバムは１曲１曲の輪郭がはっきりしましたね。 曲単体で、その曲の形が見えるようにシンプルに仕上げて行きましたね。いい曲っていうのは弾き語りやミニマルな編成、変な形のバンドで聴かせてもいいものじゃないといけないっていうルールが自分の中であって、そこは深いところで意識していたのかなと思います。 ——今回のプレイリストに一組は入ってるんですが、ホール＆オーツと奥田民生が好きだとか。 そうですね。好きなアーティストはギタリストでもなく、ボーカリストでもなく、もうその人そのもの、象徴みたいな人が好きですね。 ——今回のアルバムはこれまでドミコにもたれていた、今の時代のローファイでインディなサイケというカテゴライズから抜けられたと思いますか？いい意味でそういうところは意識しないというか、自分の中では「ドミコっぽい」ものになったと思います。「ああ、これあそこ界隈ぽいな」というものじゃなくて。作ってくうちにもうちょっとロックンロールに聴こえた方がいいなと思ったんですよね。 ——確かに理屈抜きにロックンロールとしか言いようのない音像だと思います。ではプレイリストを紹介してもらうんですが、「ハイボールバーを開いたときにかけたい曲」という設定はどこから？（笑）やりたいとか全く思ってないんですけど、妄想で・・・バーを、こういうテーブルから配置とかたまに考えたりするんですよ。そんな広くない感じで。暗すぎず、ガヤガヤしててもいいなと。でもチャージ1000円ぐらいで大学生が来ない感じがいいんですけど（笑）。街はできれば海が見えるところ、たとえば房総半島がいいですね。 ——では、プレイリストに移ります。1曲目は50年代後半の黒人女性ボーカルグループの曲ですね。 もともとビートルズのBBCアルバムに“Baby It’s You”ってカバー曲が入ってて、その原曲はこの人たちでもないんだろうなと思うんですけど、この人たちのバージョンが好きだなと思って。総じてジャングリーな感じとかが好きで。これ土日の天気のいい昼間にかけたいなっていう感じですかね（笑）。 The Shirelles – “Baby,It’s You” ——一転してニール・ヤングの淡々とした名曲です。 これは「もうダメだわ・・・」って、なってる人に聴かせてあげたいですね。昔、ニール・ヤングって名前に惹かれてそっからずっと聴いてて、弾き語りでたまにやったりするぐらい好きな曲です。 Neil Young – “Old Man” この人（スティーヴ・マリオット）めちゃくちゃソウルフルな歌い方するじゃないですか？で、この歌い方を勉強しようと大学のとき思ったんですけど、全然できなくて。この人も小柄な人なんですけどパワフルで。別にでかい人だけが歌えるとかじゃないっていうところで勇気が出て来るんです。 Small Faces– “Come On Children” ——そしてひかるさんの奥田民生と並ぶルーツのホール＆オーツからはこの２曲。 “She’s Gone”ってちょっと悲しい曲なんですけど、曲自体がすごく好きで。自分の感性が入りすぎてるんで、11時半ぐらいとか、お客さんがあんまりいない時間にかけていこうかなってとこですかね（笑）。 Hall and Oates – “She’s gone”  Hall and Oates – “I’m Just A Kid(Don’t Make Me Feel Like A Man)” ——ホール＆オーツは濃いルーツなんですか？ そこまで実は消化できてなくて。歌しか聴いてないんで、とにかく歌いたい、っていう（笑）。“She’s Gone”はサビを掛け合いで歌ってるんですけど、僕、一人で歌いますから（笑）。わかりやすく言えばチャゲアスぐらい歌ってますよね。その掛け合いがめっちゃカッコいいんですよね、特にこの時期は。 ——じゃあここはマスターのプライベートタイム（笑）ということで。 そうですね（笑）。仲いい奴が来た時しかかけない。でもニール・ヤングを聴いてたお客さんが酒も回って来たら、“She’s gone”をかけて号泣させて、全部、膿を出してもらうっていうのもアリですね。続きをmysoundで読む！

EVENT INFORMATION

ドミコ『soo coo?』Release Tour

2017.01.26（木） OPEN 18:30／START 19:00 LIVE HOUSE Pangea ADV ￥2,500 2017.01.27（金） OPEN 18:30／START 19:00 広島・4.14 ADV ￥2,500 2017.01.29（日） OPEN 18:30／START 19:00 福岡graf ADV ￥2,500 2017.02.04（土） OPEN 17:30／START 18:00 LIVE HOUSE FEVER ADV ￥2,500 詳細はこちら

RELEASE INFORMATION

soo coo？

ドミコ / まどろまない(Official Video)

2016.11.09（水）ドミコ RED0005／RED Project Room, a division of Sony Music Entertainment（Japan）Inc. ¥2,130（＋tax） [amazonjs asin="B01LXNVL5O" locale="JP" title="soo coo?"] 詳細はこちら

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text＆interview by Yuka Ishizumi Photo by Mayuko Yamaguchi

【インタビュー】ドミコもし自分がハイボールバーを開いたらかけたい楽曲プレイリスト

ART-SCHOOL初のB SIDES BEST『B SIDE BEST Cemetery Gates』は、ファン投票とメンバーが強いこだわりを持つ、いわゆるシングルやアルバムの推し曲以外からなるベストアルバム。驚くのはレア楽曲でも、ソングライターの木下理樹が書くメロディの美しさや、失ってしまったものへの憧憬や、儚雲美しいものへの慈しみが溢れる曲の本質がファンに長く共有され、オリジナル・アルバムでないにも関わらず、バンドの本質が浮き彫りになっているところでしょう。今回は木下理樹さんに本作を編んだ今の心境とともに、彼の音楽的な思考が伺える「最近のお気に入り」のプレイリストを作成してもらいました。ART-SCHOOLが持っているイノセンスや美意識に通じるアーティストや楽曲から、意表を突く選曲まで、ジャンルレスで「いい音楽の情報は自然と入ってくる」、その理由も今の時代だからこそむしろ新鮮に響くものになっています。

Interview：木下理樹（ART-SCHOOL）

“インディー時代の全然食えなかった時代に書いた曲っていうのは思い入れ深いです”

——今回、『B SIDE BEST』をリリースすることになったきっかけというと？ きっかけは僕が弾き語りする機会が多くなっていて、その時にリクエストを尋ねたら結構マニアックな曲が多かったんですね。あとは一回ここでちょっと自分のキャリアを見直してみようかなというのはあります。 ——リクエストの結果に対する木下さんの感想は？ 単純にメロがいい曲が人気が高いのかな？　とは思いましたけどね。なんか詞の力が勝っちゃったりとか、逆に曲の力の方が勝っちゃったりじゃなく、ちょうどバランスがいい。メロディがいいものって基本的には普遍的じゃないですか、そんな凝った音作りをしない限りは。 ——どうしても収録したかった曲と言えば？ 自分としてはもちろん、ほんとにインディー時代の全然食えなかった時代に書いた曲っていうのは思い入れ深いです。でもどの曲も自分の時間削って作ったもんですから、まぁ……言葉で言ったら軽くなっちゃいますけど子供みたいなもんで、そこに自分の中で優劣はそんなにないですね。 ——B SIDE集がバンドの本質を表しているのがART-SCHOOLらしいなと。 最近のアルバムから入った人にとっては新鮮なものになるんじゃないのかなと思うし、昔から聴いてきてる人でも、なんか思い返してくれたりね。「あ、こういう歴史あったよね」っていう、自分の人生と重ね合わせてくれれば。それができるのって音楽の素晴らしいところですよね。 ——今回は木下さんの「最近のお気に入り」というテーマでプレイリストを作成していただきました。まずOGRE YOU ASSHOLE（以下、OGRE）の“ハンドルを放す前に”はどういうところが？最近はこういう方向に行っているっていうのは知ってたんですけど、そんなに深くは聴き込んでなくて。で、「ん？ちょっとこれすごいぞ」っていうのは、不思議なんですけど口コミで広がるんですよね、どの音楽も。それで聴いたら、これをセルフプロデュースできるなんてすごいなと思って。 OGRE YOU ASSHOLE – “ハンドルを放す前に” ——極端に音数が少ないプロダクションも独特です。 ベースも「ベッ、べベッ」くらいしかなくて遠くで鳴ってるなみたいな。歌はちゃんとあるんだけど、なんなのかがわかんないまま終わって、「ああ、気持ちいい」みたいな。でも妙に緊張感はあるんですよね。このアルバムはこの先もっと評価されるアルバムだと思うし、その１曲目ってことで選びました。 ——続いてレディオヘッドの新作『Moon Shaped Pool』から。 僕の去年のベストはレディオヘッドだったんで。正直『The King of Limbs』を聴いたとき、僕にはもうあんま関係ないかなって思ってたんですけど、ここにきてまたグッとなんていうかな？全てがバランスはいいし、これが進化かぁと思って。 Radiohead– “Daydreaming” ——先日亡くなったトム・ヨークのパートナーであるレイチェル・オーウェンと別れた悲しさが如実に出た部分もありますね。 悲しいんだけど、要は一言で片付けられない感情がOGREにしてもレディオヘッドにしてもありますよね。だからそこの部分ですごく揺さぶられます。 ——小林うてなさんは何がきっかけで？ まぁ、D.A.N.です。小林さんもOGREと同じ長野の村出身ということで、なんか影響あるのかな？と。小林さんはずば抜けてセンスいいなぁと思いましたね。キーパーソン的になっていきそうな気がするし、彼女の存在自体がすごく珍しい例というか。存在自体が作品みたいな人ってなかなかいないですよね。小林うてな – “EN”

“失ってしまった光景や景色、それがやっぱり一番心に響きますね。”

——次はレディオヘッドのジョニーが手がけたサントラからの曲で、原曲は有名なショパンの“別れの曲”です。 『The Master』きっかけですね。フィリップ・シーモア・ホフマンが亡くなって考えたんですよ、なんで人はアディクトになるのかな？って。だって彼らは成功もしてるし、家族もいるし、なのになんで腕にヘロインぶっさして死ぬんだろう？とか。だからそういうこと考えてた時に人間はそこまで強くないなっていうことなのかなって。悲しいけど、名曲ですね。 Jonny Greenwood – “No Other Love（feat. Jo Stafford）” ——そしてプリンスの中では割と愛らしくて、軽めのファンクです。 プリンスがきっかけで僕は洋楽が好きになったんで、やっぱり考えましたね、死んだ時は。この曲は可愛らしいと言ってもいいし、こういうテイストは僕自身も影響受けてますし、単純に聴いてて気持ちいいですよね。 Prince – “I Wanna Be Your Lover” ——そしてシャウラ。声がいいですね。 たまたまどっかのサイトで知って聴いて「ああ、いいなぁ」と思って。単純に声と曲が聴いてて「気持ちいいな」って。ほんとに最近のお気に入りって感じですね。続きをmysoundで読む！

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B SIDES BEST 『Cemetery Gates』

2017.1.25（水） ART-SCHOOL [amazonjs asin="B01N57IJFP" locale="JP" title="B SIDES BEST 『Cemetery Gates』"] 詳細はこちら

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B SIDES BEST＜Cemetery Gates＞

2017.03.25（土） OPEN 17:30／START 18:00 梅田 Noon+Cafe DOOR ￥3,800(1ドリンク別) 2017.03.30（木） OPEN 18:15／START 19:00 梅田 Noon+Cafe DOOR ￥3,800(1ドリンク別) 詳細はこちら

【インタビュー】ART-SCHOOLの最近のお気に入り楽曲プレイリスト

みなさんこんにちは。コラムやTwitterでよく書かせて頂いていますが、僕は子どもの頃、学校などで将来の夢を聞かれると必ず「小橋建太」と書いていました。以前コラムでも紹介しましたが、小橋さんはジャイアント馬場さんが創設された全日本プロレスにて、三沢光晴・川田利明・田上明とともに「四天王」と呼ばれ、幾多もの歴史に残る名勝負を繰り広げました。その後三沢さんが創設されたプロレスリング・ノアに移籍。全日時代と同様に小橋さんが出る試合は全試合が全力の名勝負。そんな小橋さんのまっすぐなプロレス、相手の攻撃を正面から受けて正面から返していく男らしさに、少年だった僕は夢中になっていました。引退後はご自身で興行を主催されたり、多くのイベントに出演されたり、様々な活動をされてらっしゃいます。先日の全日本プロレス両国大会でリングに登場された時は、涙ぐむ人がいるほど場内大歓声で盛り上がりましたね！実はこの度、その憧れの小橋建太さんにインタビューさせて頂いたんです！　コラムを初めてこんなにも緊張したのは初めてだったし、コラムをやってて良かったと心から思えた時間でした。今回は小橋建太さんのプロレス人生について、生き方について、ご自身の腎臓がんの闘病生活について、現在積極的に協力されている「がんの子どもを守る会」という活動について、本当に素晴らしいお話を聞くことができましたので、ぜひご紹介していきたいと思います。それでは、みなさんも握りこぶしの準備はできましたか？　インタビュー、「いくぞー」！！

Interview：小橋建太

——1度大手企業就職したにも関わらず退職してプロレスラーを目指されたという事ですが、プロレスラーになりたいという夢はずっとお持ちだったのでしょうか？小学5年生の時に初めてTVでジャンボ鶴田vsミル・マスカラスの試合を見て、その時からプロレスラーになりたいという気持ちはありましたね。 ジャンボ鶴田 vs Mil Máscaras UNヘビー級戦 ★1977

中学を卒業したら入門テストを受けようとしたんですが、全日本プロレスから高校を卒業してからでないと受けられないと聞いたんです。それで高校に進学して、卒業する時にまた就職するかプロレスに入門するかどうか迷いました。女手一つで育ててくれた母親のことを考えると、その時は自分が働いて自立することが一番だと思い、一度は「就職」という道を選択しました。しかし半年くらい経った時ふと新聞を読んでいると、当時まだ駆け出しの頃のマイク・タイソンについての小さな記事を発見しました。彼はスラム街出身で少年院を出たり入ったりしていたけど、ボクシングで連勝を重ねていて「新星が現れた」といった内容が書かれていました。その記事を見た時に「プロレスラーになりたい」という夢がまたふつふつと湧き上がってきて、何かを理由にして諦めるのはやめようと思ってプロレスラーへの道を志しました。何もしてないのに諦めるのが嫌で、とりあえずトライしてみたかったですね。それから1年半かけてプロレスラーになる体力準備をして、全日本プロレスに入りました。

——その1年半って毎日どのようなトレーニングをされていたんですか？ とは言っても一体どんな練習をしたら良いのかわからないですから、とにかく毎日走っていましたね。ランニング、スクワット、腕立て伏せを主にやってました。高校の時は柔道をやってたので90kg弱くらいあったんですが、その頃は80kg以下に落ちていたので体重もしっかり増やせるように頑張りました。 ——プロレスラーになる以前、憧れたり目標とされたりしていたレスラーはいらっしゃいますか？ プロレスラーはみんな好きで、もちろんジャンボ鶴田さんやザ・ファンクス、ミル・マスカラスも好きでした。マスカラスのグッズがもらえるプレゼントキャンペーンには、必ず応募してましたね（笑）。でも僕はやはりジャイアント馬場さんが1番でした。今になって考えると、僕は昔から父親がいなかったので、馬場さんに父親像みたいなものを感じていたのかもしれないです。馬場さんに関しては、しばらくの間付き人も務めさせて頂きました。 ——馬場さんの荷物はすごく重いという噂を聞いたことがあるのですが。 そうですね、約40kgはあったと思います。馬場さんの荷物がすごく重いから本当は1番置いていきたかったのですが、1番置いていくわけにはいかない大切な物なので（笑）。バッグにはローラーが付いていたのですが、馬場さんから「プロレスラーが転がして運ぶのはかっこ悪い。持ち上げて運べ。」と言われて。自分のバッグと小道具とかも合わせると、いつも70kgぐらいの荷物を持ち上げて移動していました。馬場さんのバッグの取手が何度壊れたことか……その度に修理して、また持ち上げて運んでいました。昔の東京駅はエスカレーターが無く全部階段で、その荷物を持って移動するのが大変だったんです。ある時「一体何kgあるんだろう」と思って空港の荷物検査で測ってみたら「40kg」って表示されて、やっぱりそんなにあるのかと驚きましたね。

——そういった習慣は小橋さんの下の世代にも受け継がれているのですか？ そうですね、今は若手が少ないということもあり、昔ほど付き人制度みたいなものは聞かなくなりましたが、そういった習慣はあった方が良いと個人的には思います。師匠の色が付くというのもありますし、付き人を務める中で学ばせて頂くことも本当に沢山ありますから。 ——デビュー当初から引退まで変わらなかったファイトスタイルの中で、自分の中にずっと持ち続けている座右の銘みたいなものってありますか？ 僕がずっと持ち続けている言葉は「一生懸命」という言葉です。ただがむしゃらに頑張るというのもそうですし、やれることを必死で頑張って立ち向かっていくという意味で、「一生懸命」とう言葉を自分の中に持っています。僕にとってはベビーフェイスとかヒールとか、そんなものは関係ないんですよ。 ——確かに、当時の全日本プロレスのレスラーは特にヒールといったファイトスタイルが無く、デンジャラスな技を正面から受けて、一生懸命に立ち向かっていくレスラーが多かったですね。まぁプロレスに危険でない技はないですし全ての技自体が危ないから、当時の技が特にデンャラスという意識はないですが、人が真似できない事をやるから「プロ」なわけで。僕の中ではただ危ない事をやっているという意識ではなく、プロとしてのプライドを持って技を受けていました。みんながイメージしている事を上回る何かがあると、お客さんも驚くじゃないですか。その新鮮な感覚をお客さんに提供するのがプロレスラーだと思います。

スティーブ・ウィリアムスのバックドロップも強烈なムチ打ちみたいになるんですが、正面から受けきるのがプロレスラーだし、「やれるもんならやってみろ」という逃げない姿勢で試合にのぞんでいました。もちろんできるだけやられたくないんですが、踏ん張っても強引に持っていかれてましたし。 スティーブ・ウィリアムス　バックドロップ特集

でも、スティーブ・ウィリアムスは色々と新しい事をやろうとするタイプのレスラーなんですよ。だからみんな、何がくるかわからないのもあって闘うのを嫌がったりしてましたが、僕は彼と試合するのが好きでしたね。彼との試合は予想しないところから何かが生まれることが期待できました。ファンをドキドキワクワクさせる為には、まずは自分がドキドキワクワクする必要がありますからね。だからこそ自分のファイトにはプライドを持っていました。自分が自信を持つ為に何をすれば良いのかを考えて、必死に練習しましたし、必死に試合にものぞみました。次ページがんと闘う子ども達に夢を与える支援活動を語る！

【ボンバイエインタビューVol.4／小橋建太】プロレス人生とがんと闘う子ども達に夢を与える支援活動を語る

自らの音楽性をSka＋chaotic＝Skhaotic（スカオティック）と標榜し、活動をしているFEELFLIP（ヒールフリップ）。スカパンク／スカコアを出自としながらも、結成以来、数々のメンバーチェンジを経て、多様な音楽性を交えながら現在の音楽性へと至らせている5人組だ。スカパンク、メロディックパンク、ファストコア、スケートロック、エモ等々……多彩な音楽性が交わった彼らのサウンドはまさにカオス。ライブではフロアも同様に、彼らの音楽性に合わせ、時にスカダンス、時にモッシュピット、サークルやクラウドサーフが曲毎に巻き起こっている。 2016年春にはメジャーデビュー、1stミニアルバム『I DON’T KNOW MY WAY』を発表した彼ら。それまで英語詞を主としていながらも、同作品からは日本語も交え、これまでのサウンドでの共有感や一体感に加え、歌の意味がより伝わることによる更なる共有感や一体感が生み出されていくこととなる。そんな彼らが昨年12月にニューシングル『Life is Ground Trick』を発表。彼ら謳うところの「Skhaotic」が見事に1曲に集約された同曲は、1バージョンを英語詞と日本語詞で歌い分けられたもの。「絶望を歌おう」と放ちながらも、その絶望さえも肯定し、バイタリティや生命力に変化させた、まさに「絶望している人間集まれ！　一緒に歌おう！！」、そんな真意を伺わせてくれる。しかもこのシングル、昨夏のワンマンライブを3時間50曲、まるまる収録したとんでもないDVD付きなのだ。同作品も交え全国ツアー＜Sing a Shadow TOUR 2017＞を現在絶賛敢行中の彼ら。残念ながらこのツアー終了を機にドラマーTOSHIも脱退するという寂しいニュースが飛び込むも、それを経てもなお、前向きさを失わない所存の彼らを直撃。ボーカル＆ギターのTOMOYAと7弦ベースを自在に操るIKKEが様々な質問に熱く答えてくれた。

Interview：TOMOYA（FEELFLIP［Vo.／Gt.］）＆IKKE（FEELFLIP［Ba.］）

「気の合うメンバーを集めていく中で、今のようなごった煮で何でもありな音楽性に行き着いた」

——まずは、みなさんが標榜されている「Skhaotic」なる音楽性の実態から教えて下さい。 TOMOYA　使い始めて2年ぐらいになるのかな？　名づけ親はインディーズの頃のエンジニアさんだったんです。「お前ら、これはもうスカパンクじゃなくて、スカオティックだよ！！」と。好きな音楽ジャンルもメンバー全員違っていたし、各人の持ってくるフレーズとかも、いわゆる「俺が！！」「俺が！！」って感じなんですよね、自分ら。基本、譲り合いを知らない自己主張の固まりのようなメンバーたちなもので（笑）。だって、こいつ（IKKE）にしても「新しいベース買いに行くわ」と言って、7弦ベースを買ってきちゃうぐらいですから（笑）。 IKKE　出自は確かにスカパンクですけど、それだけにカテゴライズされたくないところもあって。音楽性的に何でもありですから、自分ら。 ——IKKEさんのベースにしても、通例のボトム楽器のみならず、メロディ楽器の役割も果たしてますもんね。 IKKE　僕自身のルーツは、フュージョンだったり、ハードロックやメタルだったりするんです。いわゆる技巧系の音楽というか。そこで、“スカパンクをベースに自分の好きな音楽性をハメ込んだらどうなるんだろう……？”というのが最初はありました。で、自分の要素を徐々に加えていったら、気づけば弦も少しずつ多くなってきちゃってたと（笑）。ボーカルがギターを弾きながら歌っている関係上、どうしてもメロディ楽器が希薄になっちゃうじゃないですか。そこで僕もウワモノ的な部分を補えたらなって。支えつつ、自分のブレイも主張しつつですね、今は。基本、演りたがりなんで、僕。

——FEELFLIPの楽器構成自体、いわゆる「3ピースバンド＋2管」といった様相ですもんね。しかも2管ともサックスというのも珍しい。 TOMOYA　音色的に多彩さを出すなら、普通は金管楽器（トロンボーンやトランペット等）と木管楽器（サックス等）の組み合わせでしょうからね。だけどうちらはあえて木管楽器が2管にしています。 ——それには何か理由でも？ TOMOYA　メンバーの意思を尊重した結果ですね。元々PON（T.SAX）がバンドに居て、そこにMOCK（B.SAX）が加わったんです。その際、MOCKの方から「木管が既にいるから俺は金管楽器を演るよ」といった申し出があったんですが、そのままサックスで入ってもらって。「あえて換える必要ないよ。得意な楽器をこのバンドで演ればいいじゃん」と。でも、実は金管／木管よりも木管／木管の方が相性が良かったりするんです。ブツかるところも少ないし。けっこうこのバンドは活動歴が長いですからね。自分とIKKE以外はこれまで全て変わってますから。都度自分が“こいつと演りたい！！”というメンバーを連れてきた感じなんです。 IKKE　ヒドいですよ～。事後承諾の時もありますから。ある日、リハーサルに行ったら新しいメンバーが居た時もあったぐらい（笑）。でも、その辺りのメンバーとバンドとの相性はTOMOYAに全権を任せているところはあります。 TOMOYA　そんな感じで、気の合うメンバーを集めていく中で、各々のバックボーンや得意とする音楽性を交えていた結果、このようなごった煮で何でもありな音楽性に行き着いたと。 ——確かに一作品の中で様々音楽性が現われるし、ややもすると１曲の中で様々な音楽性が表れてきますもんね、FEELFLIPは。 TOMOYA　スカバンドだけに捉われたくないところはあります。「いやいや、他にも色々な音楽性がありますよ。」って。

「今だから語れる、日本語歌詞導入の際の悩みや懸念、そしてやって良かったこと」

次ページ最新シングル『Life is Ground Trick』のテーマとは？

【インタビュー】FEELFLIP スカパンクをベースに多様な音楽性が交錯する“スカオティック”とは？

WEB漫画サイト「トーチ（リイド社）」で2014年より連載が始まり、1日4万ビューを記録した漫画『くも漫。』が、劇場映画2月4日(土)より公開されることが決定しました。風俗店でのサービスで絶頂を迎えるその瞬間にくも膜下出血を発症した、そんな悲劇的な出来事を経験した実在の男を描いた、ノンフィクション漫画『くも漫。』。原作者・中川学が「人生で一番人に知られたくない出来事」を赤裸々に綴った原作は、前述の通り多くの人の評価を得られ、第4回ATP（全日本テレビ番組製作社連盟）若手映画プロジェクト支援作品として企画公募より選ばれ、映画化することとなりました。主演を務めたのは、ブレイク間違いなしと注目を集めるピン芸人、脳みそ夫。ヒロインの風俗嬢“ゆのあ”嬢には、近年映画『シン・ゴジラ』などの映画作品やCMに出演している柳英里紗。主人公の妹はシンガーソングライターとして注目されている沖ちづる。さらには病院の熱血担当医を板橋駿谷、主人公の母には立石涼子、父親役には平田満、病院での患者仲間に坂田聡と、ベテラン俳優陣が名を連ね、わきを固めています。本作でメガホンをとったのは、TVで情報番組やドキュメンタリー番組を多数手がけ、中川学のデビュー作『僕にはまだ友だちがいない』のドラマを企画・演出し、ATP全日本テレビ番組製作社連盟新人賞（2013年）を受賞した小林稔昌。本作が長編映画初監督作となります。また、ややもすればサブカル的な雰囲気に留まりがちな雰囲気を、洒落たジャズサウンドで彩り、一味も二味も違うエンタテインメント作品としているGentle Forest Jazz Bandのスウィングサウンドも、作品のカラーとしてはセンスを感じさせるポイントといえるでしょう。エピソードの発端も気になるところですが、話題となったそのストーリーや、原作を意識した演出には非常に興味をそそられるところでもあります。その内容や映画撮影の経過などを、今回は原作者の中川さん、映画で主演を務めた脳みそ夫さんにおうかがいしました。

Interview：脳みそ夫、中川学

「こんな経験はなかなかない」絶対いつか形にしたいと思っていました（中川学）

——この作品を描いたきっかけは、どんなことだったのでしょうか？ 中川学　そうですね……くも膜下出血になった後、集中治療室に運ばれて2～3日は幻を見たりしながら苦しんだんですけど、その後意識が戻った時には既に「この体験て客観的に見たら面白い」って思ってたんです。人に話したら「こんな経験はなかなかない」と言ってくれるし、これは面白いからいつか形にしたいって。漫画になる題材だと思ったんです。 ——なるほど。確かにインパクトのあるエピソードですよね。この作品のストーリーで中川さんがアピールしたかった部分というのは、どのような内容なのでしょう？ 中川学　「家族」というところなんです、実は。僕がくも膜下出血になって、それを家族がどんな風に助けてくれたか。父親が僕が風俗店に行ったことをどうとらえたか？　母親は？　というところを描きたかった。 ——確かに映画の最後の方で、描かれるお父さん役の平田満さんのセリフや、お母さん役の立石涼子さんとの会話場面など、強く心を引かれるようなところがありますね。一方で要所に出てくるキャラクター「くもマン」ですが、これは何の象徴なのでしょうか？　すごく可愛らしさを見せるけど、まるで死神を想像させる存在、すごく怖いものというか。また、当時に実際にこんな象徴的な対象を感じられたのでしょうか？ 中川学　いや、実際にはそういうものの存在を感じたわけではないです。ただ死の象徴じゃないですけど、こういうキャラクターを登場させた方が読んでいる人にはわかりやすいんじゃないか、と思いまして。例えば、よくくも膜下出血の表現として「後頭部をバットで殴られたよう」という言い方がされますが、それをそのままビジュアル化すれば、読んでいる人にわかりやすいかな、と思ったり。

——一目瞭然な感じですね。それにしてもパッと見た感じは可愛いのに、目つきや脳みそが露出しているデザインがすごい……ですよね（笑）。 中川学　可愛い感じでしょ（笑）。可愛くしたのは、このストーリーが、書き方によってはすごく悲惨な話になるという部分を危惧したからなんです。「ニートが、せっかく仕事がうまく行きかけた時に、風俗店でくも膜下出血、もしかしたら死ぬかもしれない」って、それだけ聞いたらすごく悲惨で暗い話ですよね。でもあまりにも暗い話をやってもしょうがないので、「くもマン」というポップなキャラクターを出すことで、悲惨さを中和した感じなんです。 ——それにしても本当にこれはすごくインパクトのあるキャラクターですよね……このキャラクター自体は中川さんが考えられたのでしょうか？ 中川学　そうです。大人の事情により原作の時とはデザインがちょっと違っていますが……。でも映画のデザイン我ながらかなり気に入ってます。逆に大人の事情があってよかったなと（笑）。

——なるほど（笑）。脳さんは撮影前には原作も読まれたかと思いますが、どんな印象でしたかね？ 脳みそ夫　いや、面白いギャグ漫画だと思いましたね。怖いとか、それほど感じなかったです。映画はちょっと怖い感じはしましたけど。

——先ほど家族の話というのもありましたが、対してくも膜下出血になる前の生活では、逆に生きているという実感をされていなかったのかなあ、というイメージも感じました。そんな部分はいかがでしょうか？家族という部分だけでなく、ストーリーの中心にいる自分という閉じた部分の存在に対しても、何らかのメッセージを感じたのですが……。 中川学　それもありますね。病気になる前は、自分の好きな道に勇気を持って行くことができなかった。それが病気になったことで「いつ死ぬかわからないんだったら、自分の好きなことを徹底的にやってやろう」という風に、はっきり道が決まった感じはありますね。発症前後で人生が大きく変わったというか。 ——なるほど。ちなみに当時のことをお聞きしたいのですが、くも膜下出血の予兆のようなものはあったのでしょうか？　発症例を聞くと、よく事前に頭痛が続くというお話を聞くのですが……。 中川学　いや、まったくなくて、本当に発症する直前まで絶好調！　という感じだったんですよね……。

——そうでしたか。いろんな方から話をうかがった上では、後遺症が出るという部分など非常に心配なところもあるということでしたが……。 中川学　人によると思うんですが、手足がちょっとしびれた後になるという人もいれば、僕のように何の予兆もなくいきなり来るというようなこともあるし。 脳みそ夫　怖いですね。まったく何もなかったんですか？ 中川学　まったくなかったですね。ただ発症の引き金になったのは血圧が急上昇したことなのは間違いないです。発症の瞬間、超興奮してたので（笑）。普段も血圧は結構高めで… ——そうでしたか。そう聞くと、本当に健康には気を付けなければ、って思いますね。脳さんもどうでしょうね、実際に自分もなってみることを想像すると……。 脳みそ夫　それは怖いですね。僕は逆に低くて、上が100切っちゃっていまして（笑）。低すぎて心配になったことはありますね。

——すごい低血圧ですね（笑）。でも、いきなりバーン！　ってこられたら……。 脳みそ夫　いやいや、本当に何の前兆もない、って怖いし。高血圧っていっても、中川さんもそこまでっていうわけじゃないと思うんです。だから、誰にでも起こりうることですよね、本当に怖い。僕がなったらシャレにならないじゃないですか？　脳みそ夫がくも膜下出血って（笑）。 ——「最後まで芸人だった」という感じになりますね（笑）。 脳みそ夫　いやいや、そんなの勘弁してください（笑）。

次ページ出演のオファーの際は、僕もそうだけど、芸人仲間も「ドッキリ！」なんじゃないの？　って（脳みそ夫）

【インタビュー】「人生で一番人に知られたくない出来事」から見えた、笑いと人情のストーリー『くも漫。』

00年代初頭のR&Rリバイバル——ザ・リバティーンズやザ・ストロークス、アークティック・モンキーズを思わせるギターバンドのかっこよさを持ち、当時のムーヴメントがリアルタイムではなかった世代にとっても世界のインディーミュージックと共振する東京のインディーロックとして人気を拡大中のDYGL（デイグロー）。今回、ニューヨークでなんとストロークスのアルバート・ハモンドJr.、そして彼と共に数々のプロジェクトを手がけているガス・オバーグを迎えてレコーディングした１stフル・アルバム『Say Goodbye to Memory Den』を4月にリリース。ラフな勢いと洗練されたサウンドプロダクションが同居する傑作をものにしたDYGLが今回作成してくれたプレイリストのテーマは「車で聴きたい曲」。時代に関係なくいい曲をシェアしようとする彼らのメンタリティにも触れられるインタビューをお届けします。

Interview：DYGL DYGLの車で聴きたい楽曲プレイリスト

Akiyama “ちゃんと相思相愛でできたというところは嬉しく思ってます”

——アップデートされたロックンロールが鳴っている傑作だと思います。これはDYGLとして本格的にやっていこうという気概の現れなのかなと。 Nobuki Akiyama　そうですね。アルバム制作まで結成から４年以上かかりましたが、その分色々なことを試したり経験する時間が持てたことは自分たちにとって必要なことだったと思います。改めて今自分たちが一番やりたい音楽をアルバムにまとめることができて、満足しています。 ——アルバート・ハモンドJr.のプロデュースのいきさつは？ Akiyama　自分たちの好きな作品を手がけているエンジニアの候補を挙げて何人かに連絡をしていたのですが、ひょんなことから別の繋がりでお世話になっていた方にその候補の中の一人だったガス・オバーグを偶然紹介してもらったことがきっかけでした。彼がアルバートと仕事をしていて「一緒にプロデュースしてあげられるよ」と。実際なんで僕らとの仕事を受けてくれたのかレコーディング後に本人たちに聞いてみたのですが、僕らの送ったデモ音源を聴いた上で楽曲が良いと思ったから仕事を受けた、曲が良くなかったら仕事は受けない、それだけだよと言ってくれて。音楽を通してちゃんと相思相愛でできたというところは嬉しく思っています。 ——意外と言ったら失礼ですけど、熱いアルバムだと思いました。特に１曲目の“Come Together”は、今、世界がどんどん閉じて行く方向の中、「そんなことは関係ない」っていうメッセージを受け取りました。 Akiyama　基本的に今回のアルバムの楽曲はもう少し時代性の関係ない、シンプルでタイムレスな感情を落とし込んでいる意識はありますが、“Come Together”に関して言えば、もう少しポストモダンみたいなところを意識して作った曲だったので、そう言ってもらえると面白いですね。ある時期から音楽なんかも繰り返し繰り返しだと考えられているようで、じゃあ60年代とも90年代とも違う2017年の自分たちは今どこにいるのか？という疑問にどう向き合うか。そこで敢えて“Come Together”という言葉を選んでみたつもりなんです。

Yosuke Shimonaka　ボディブローを決められるアルバムになってたらいいなと思いますね。

——今、世の中的にギターが鳴ってるロックバンドはトレンドではなくなっていますが皆さん自身はどうですか？ Shimonaka　ただ昔あったことを繰り返してるだけでもつまらないなと一方では思うので、どう新しい音楽を作っていけるかは自分たち的にはチャレンジだし、自分たちが新しいギターロックを作れたら一番かっこいいなと思ってます。 ——ではプレイリストについてお聞きしていくんですが、「車で聴きたい曲」っていうテーマは誰から挙がってきたんですか？ Shimonaka　僕からです（笑）。 Akiyama　運転できるのはShimonakaだけなので（笑） Shimonaka “自分たちが「車で聴きたい曲」に選ばれるとしたらすごく嬉しい” ——じゃあテーマを決めたShimonakaさんからお聞きします。 Shimonaka　ヤードバーズとブラック・サバスは、完全にメタル好きからきてるんですけど、やっぱり車で聴くのはヘヴィなやつが好きなので。昨日ちょうどメタリカのインタビューで読んだんですけど、「車で聴けないアルバムはいいアルバムじゃない」って書いてたんで。そういう点で自分たちが「車で聴きたい曲」に選ばれるとしたらすごく嬉しいことなんですけど。 The Yardbirds – “Stroll On” Black Sabath – “アイアン・マン” ——似合うと思いますよ。ザ・スリルズについては？ Shimonaka　ドライブ感のある曲っていうだけじゃなくて、曲の開放感、気持ち良さっていう点で、ザ・スリルズの“サンタクルーズ”はコーラスや歌声とかメロディとか、全てがドライブに対して完璧な曲だと思ってます。 The Thrills – “Santa Cruz（You’re Not That Far）” ——確かに。それに運転する人は眠くなると困るし。 Shimonaka　それが、Kachiくんがよくツアー中に車内でDJをしてくれるんですけど、眠らせにかかる曲が多くて（笑）。 Yotaro Kachi　そんな意識は全然。僕が選ぶ曲がShimonakaくん曰く、必ずシンセのフワーッとした音が入ってるって（笑）。 ——今回選んでくれた３曲は眠らせに行ってないですね。 Kachi　これはちょっと気をつけました、眠くならないように（笑）。R.E.M.とダイナソーJr.に関してはギターの音がカラッとしてるイメージがあって、やっぱドライブってアップテンポでカラッとしたのが合いそうだなと思って。 R.E.M.– “Radio Free Europe” Dinosaur Jr – “The Wagon”

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EVENT INFORMATION

＜DYGL x Only Real＞

2017.02.18（土） OPEN 18:00／START 19:00 Shibuya WWW X ADV ￥4,000(1ドリンク別) 詳細はこちら

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Say Goodbye to Memory Den

2017.04.19（水） DYGL ¥2,500（tax incl.）詳細はこちら

【インタビュー】DYGLの車で聴きたい楽曲プレイリスト

かたやレーベル設立20周年、かたやバンド結成20周年と互いに音楽シーンを生き抜いてきた異なるバックボーンを持つ両者——オーストラリアにヒップホップを根付かせた〈Hydrofunk Records〉代表のジョルト・リゲル（Zsolt Reggel）と、大きな括りではロックでありつつ、ファンク、ソウル、ヒップホップなどを独自に昇華。言語表現としてラップを取り込む２ピースバンド、UHNELLYSのフロントマン、Kimによる対談が実現した。 20年前と言えば日本では未だCDバブルの余韻で音楽産業は潤い、またフェス文化のスタート地点として＜フジロック＞の第一回が開催され、現在より圧倒的に日本と海外の音楽を並列して聴く音楽ファンも多く、洋邦混在する音楽専門誌、例えば『SNOOZER』や『BUZZ』も最盛期。その後、ネットを介してアーティストや楽曲は時代を超えて並列に聴取されるようになり、今や楽曲は無料でクラウド上から自由にセレクトできる……。そんな状況も日常的になった感。一方で情報は溢れているにも関わらず、国内では超ビッグネーム以外の来日公演は厳しい状況にあり、コアな洋楽のリスナーはますますコアになり、一般層とはある種の分断も起こっている。だが、生まれる音楽の幅はこれまで以上に多様で、昨年は国内外問わず新譜に胸躍らせたリスナーも多かったはずだ。そうした音楽を取り巻く状況の変化の中でインディペンデントに自身のレーベルを回してきたジョルトと、ジャンルにもバンドのスタイルにも拘泥せず活動してきたKimから見た音楽シーンそのものや制作環境、そして果たして世界は狭くなったのか？　について訊いた。なお、UHNELLYSは〈Hydrofunk Records〉所属のタイガーモスとのコラボ７inchの制作も予定。そのトピックにも触れてもらった。

Interview：Zsolt Reggel（Hydrofunk Records）× Kim（UHNELLYS）

——まず、〈Hydrofunk Records〉20周年の中でジョルトさん自身が大きなターニングポイントとなった出来事は何でしょうか？ Zsolt Reggel（以下、ジョルト）　レーベルの大きなターニングポイントは、レーベルがヒップホップ＆ファンクなインディペンデントなレーベルの第一人者としてオーストラリアに広まったことですね。オーストラリアに関してはロックンロールとかそういうシーンが多いんですけど、そこの中にヒップホップやファンクの音楽が認知されたことは大きいと思います。その後レーベルとしてアリーナや大きなフェスにも出演しました。 ——いろいろなマネジメントもしていますが、その中で何か記念的だったことはありますか？ ジョルト　アジーリア・バンクスと今仕事をしていることですかね。さらに個人的なハイライトとしては、ルディメンタルというイギリスのアーティストと仕事をした事が今までのマネジメントの中では記念的だったと思っています。 ——KimさんはUHNELLYSとして活動をして20周年中になりますが、そのターニングポイントはどこですか？ Kim　今は僕が歌っているんですけど、ボーカルがもともといてそこが抜けて2人になった時があるんです。それ以前はガレージみたいな音楽をやっていたのを、そこからヒップホップへと変えていったというのが一番大きいですね。確か10年以上前になるのかな……？　同じUHNELLYSという名前でもそこからは全然違う音楽をやっていました。そういう事もあってその10年はターニングポイントでしたね。演奏する場所も徐々に変わっていったし。

——今度ジョルトさんと一緒にお仕事されるんですよね？ Kim　そうですね、レーベル所属のタイガーモスというトラックメイカーとUHNELLYSで共作をリリースします。 ——そのきっかけは何だったんですか？ Kim　きっかけは、今回も同行していただいているジョルトさんの通訳の渡辺さんですね。もともとオーストラリアのアーティスト達のコーデネーションをしている方で、そこで僕も知り合った感じです。タイガーモスも来日したいというタイミングが重なったこともあり、話の流れでコラボに至ったわけです。僕はもともと〈Hydrofunk Records〉のアーティストを知っていたわけではなかったんですけど、今回コラボするタイガーモスの作品を聞いた時に僕が好きだった音楽の感じを作っているアーティストだなと思ったんですよ。ずっと俺の中では和風な感じがしたんですよね。それでコラボとかどうですかねという話をこちらからして、そこからどんどん仕事へと繋がっていきました。

Tigermoth - Bladerunner

——逆にUHNELLYSから話があった時はジョルトさんはどう思いましたか？ ジョルト　自分の主催しているレーベル自体もメインストリームとは違く、アンダーグラウンドな音楽を追求しているんですよね。今回、仙伺さんからUHNELLYSの音楽を紹介されてそれをとても気に入ったんです。自分自身が何度も日本に仕事で行き来して、その中で日本のアーティストとコラボレーションはしてみたいなとは思っていたので、そこで今回UHNELLYSとリリースしてみたいなと思ったわけです。少し違うジャンルでもありますが、同時に2つの国でリリース出来ることが本当に楽しみです。 Kim　光栄ですね（笑）。 ——Kimさんも世界中で活動していますが、オーストラリアにはどのようなイメージを持っていますか？ Kim　オーストラリアには実は一回だけ行ったことがあるんですよ。知り合いも何人かいて、どこの国もアンダーグラウンドの部分って通じる部分が多いので、彼もそこを気に入ってくれたのではないかなと思っています。 ——ちょっと大局的な話をするんですが、この20年の間に大きな変化はありましたか？　例えばインターネットとかは大きく変化していったと思うのですが。 Kim　音楽を作る上ではあまり変化はないですね、インターネットによってお客さんとの距離は近くなったのでそれは大歓迎なのですが。 ——レーベルオーナーとしてはそこの変化はどうですか？ ジョルト　世界的には、洗練され狭くなってきたと思います。ただ一般的な売り上げっていうのは変化してきたと思います。インターネットが普及したこともありますし。大変なことですけど時代に沿ってチャレンジしないといけないと思っています。

——配信すらしないアーティストもいますが、そういう人が出てくると作り手としてはどう思われますか？ Kim　売り上げで生活しようとするとやはり大変だとは思うんですけど、僕は全然そんなことは考えていなくて……。それより多くのお客さんに聞いていただける方が良いとは思っていますね。 ——ジョルトさんはレーベルオーナーとして実際に他のやり方も考えているとは思うのですが、そこについてはすでに取り組んでいるのでしょうか？ ジョルト　やはりアーティストを尊重する事が一番大事ですね。デジタル配信などを好まないアーティストがいればその意向を尊重しています。自分のレーベルに関して言えばカルト的なファンも多いのでそういうのは別に気にしてはいないですし、デジタルダウンロードに関しては自分たちで独自のサービスも作っています。アーティストによってはそれだったら大丈夫という事で承諾してくれることもあります。

次ページ＜フジロック＞は環境に対するリスペクトや取り組みが他のフェスとは違うので、とても理想的だと思っています

【インタビュー】豪ヒップホップレーベルオーナー・ジョルト（Hydrofunk Records）×UHNELLYS ・Kim 音楽シーンの20年間を語る

様々なアーティストにテーマに沿った選曲をしてもらい、その人と音楽との思い出を紐解くプレイリスト企画。今回は自らを「SUPER J-POP UNIT」と名乗る音楽ユニット、ONIGAWARAの登場です。竹内電気の元メンバーによって結成されたONIGAWARAは、古今東西／国内外を問わない音楽への愛に溢れたオマージュを詰め込んだ音で人気を集め、2017年3月22日（水）には待望の1stフル・アルバム『ヒットチャートをねらえ！』をリリースします。この作品は、彼らのJ-POPへの愛情と、海外のソウルからファンク・ミュージックに通じる洒脱なアレンジとががっちり手を取った、きらきら輝くポップ・ミュージックの万華鏡。今回は2人の「ルーツが分かる楽曲」をテーマに、思い出の10曲を選んでもらいました。

Interview： ONIGAWARA

斉藤 “J-POPが好きだったことが今の音楽性に繋がっているのかもしれない”

――2人は小さい頃や学生時代に、プレイリストを作ることはありましたか？ 斉藤伸也（以下、斎藤）　小さい頃は（アルバムの歌詞でもラップで思い出を振り返っている）カセットですよね。ラジオを録音したり、オリコン・チャートに入っているシングルを借りてきて、それをめちゃくちゃに録音するような感じでした。 竹内サティフォ（以下、竹内）　僕も小学生の頃から地元のフカツというレンタルショップ（現在は愛知県下でTSUTAYAなどを展開）で毎週トップ10の作品を全部借りて、それをずっと録音してました。そんな風に昔からJ-POPが好きだったことが今の音楽性に繋がっているのかもしれないですね。 ――お互いにオススメの音楽を交換することもありますか？ 斉藤　それこそ、昨日ラジオの企画でやりましたよ。僕はアイドルネッサンスみたいな、竹内はあまり聴かないようなアイドルの曲を紹介して。竹内　制作中も、斉藤が「こんな感じで」と音源を持ってくるんですよ。今回のアルバム『ヒットチャートをねらえ！』だと、「フィリー・ソウルを聴いてくれ」って言っていて、その辺りは全然分からないんで調べて聴いたりもしました。言われたらちょっと聴いてみるような感覚ですね。逆に俺が聴いているものは、斉藤はだいたい知ってるんですよ（笑）。斉藤　でも、最近のバンドは竹内の方が詳しくて、きのこ帝国や赤い公園をクルマでさらっとかけてくれたりもしますね。 ――今回は「２人のルーツが分かるプレイリスト」というテーマで選んでいただきました。それぞれ切り口が微妙に違いますが、まず竹内さんのプレイリストには、ONIGAWARA流のJ-POPの雰囲気が表われているように思いました。竹内　僕のは自分が青春時代から大人になっていく中で出会った曲のリストなんですけど、誤解を恐れずに言うと、これは全部J-POPだと思っているんです。岡村靖幸さんの“あの娘ぼくがロングシュート決めたらどんな顔するだろう”は、取り戻せない青春時代の感じがすごく出ているし、社会派じゃない僕もこういう曲が作りたいと思った曲。32歳になった今も、この感じは追い求めていきたいです。BOOWYさんはライブ盤ですけど、20歳ぐらいのときにハードオフで歌詞カードもないようなジャンクCDで手に入れたのが最初でした。“BAD FEELING”のリフを聴いて、「日本で一番かっこいいリフを見つけちゃった」と衝撃を受けて。自分のオリジナリティを探すきっかけになった曲だと思いますね。岡村靖幸 – “家庭教師” BOφWY – “”GIGS” JUST A HERO TOUR 1986 NAKED (Live)” ――次はユニコーンの“パパは金持ち”です。 竹内　アルバム（『服部』）自体も好きだし、ユニコーンって5人全員が主役じゃないですか？そういう意味で、バンドを始めたときに「こんなバンドになりたい」と思いました。演奏力も楽曲のクオリティも高いのに、「そんなに頑張ってやってないよ」と難しく見せないところもすごく好きで。そういう遊び心はONIGAWARAでも影響を受けているんですよ。ユニコーン – “パパは金持ち” 斉藤　『服部』は“パパは金持ち”から“君達は天使”の流れが最高だよね。竹内　再結成したときにライブも初めて観ることができたんですけど、演奏もすごいしパンチも効いていて「流石だな」と思いましたね。 ――L'Arc～en～Cielは『True』の“the Fourth Avenue Café”。アルバム名盤ですね。 竹内　全曲最高ですよね。“the Fourth Avenue Café”はサックスも入っていて、ロックでありつつもポップスだったんですよ。予約して発売日前日に買ったし、今でも本当に大好きです。ギターをはじめて何を弾きたいか考えたとき、ギターのkenさんのポスターを壁に貼って、「ラルクになりたい」と思ったんです。kenさんモデルのギターも持ってましたよ。 ――いい話ですね（笑）。 L'Arc〜en〜Ciel – “the Fourth Avenue Cafe” 竹内　次のHi-STANDARDは、そのあとに出会った曲。それで一時期は「ラルクは違うな」という感じになったりもして（笑）。ゴリゴリしたギターや、飾らない3人の姿にハマりました。当時聴きやすかったのは、ギターのリフがキャッチーだったからだと思うんですよ。歌えるリフというか。当時ライブには行ったことがなかったんですけど、（活動休止からの復活の舞台となった）「AIR JAM 2011」で“brand new sunset”を観て泣きました。 Hi-STANDARD – “MAKING THE ROAD BLUES” 続きをmysoundで読む！

EVENT INFORMATION

＜Shibuya Quattro Royal Straight Push supported by MEETIA＞

2017.02.25（土） OPEN 18:00／START 18:45 SHIBUYA CLUB QUATTRO ADV ￥3,500／DOOR ￥3,800 オフィシャルサイト

RELEASE INFORMATION

『ヒットチャートをねらえ！』

2017.03.22（水） ONIGAWARA 【通常盤】 CD１枚組 / LACD-0281 / Lastrum / ￥2,500（＋tax）【DVD付き初回限定盤】 CD＋DVD（GIG DVD from「1stワンマンツアー2017～新春初ONI詣～」東京公演 / LACD-0282 / Lastrum / ￥3,500（＋tax）詳細はこちら

photo by Mayuko Yamaguchi

【インタビュー】ONIGAWARAのルーツがわかるプレイリスト

プロデューサーのサクライケンタとコショージメグミを中心に、井上唯、矢川葵、和田輪が加入して現在のメンバーが揃った4人組ニューエイジ・ポップ・ユニットMaison book girl。彼女たちが、ライブ映像作品『Solitude HOTEL 2F+faithlessness』を完成させた。この作品は、昨年11月6日に渋谷WWWXで行なわれた2ndワンマンライブ＜Solitude HOTEL 2F＞と、4月5日（水）リリース予定のメジャー1stアルバム『image』からの楽曲“faithlessness”の音源をコンパイルしたキャリア初となる映像作品。サクライケンタによる変拍子を多用したクオリティの高い楽曲と、メンバー4人が連動しながら魅せるダンス＆歌がアーティスティックな映像と融合し、音楽的な魅力とグループとしての魅力が同時に広がっていくような、彼女たちらしい雰囲気が全編にぎっしりと詰まっている。今回は彼女たちのライブ面にフォーカス。当日のパフォーマンスに込められた様々なアイディアや、ライブを通して手にしたこれまでの変化について語ってもらいました。

Interview：Maison book girl

――今回映像作品としてリリースされた昨年11月の2ndワンマン＜Solitude HOTEL 2F＞は、メジャー・デビューを直前に控えたライブだったと思います。その頃、メジャー・デビューに向けてどんなことを考えていましたか？ 和田輪（以下、和田）　私は「私たちの今の実力で、メジャー・デビューして大丈夫なのかなぁ。」と思ってました（笑）。 矢川葵（以下、矢川）　でも、メジャー・デビューに向けて、気合いを入れるいい機会になったワンマンだったと思いますね。 井上唯（以下、井上）　それまでに、伸びられるところまで伸びておかなくちゃって思ったしね。 コショージメグミ（以下、コショージ）　あのときは、とにかくここでインディーズの集大成を見せて、メジャーでの活動にも期待をもってもらえるものにしたいな、ということを考えていたんです。 ――1年前の渋谷Wombでの1stワンマンと比べて規模も大きくなりましたし、楽曲自体もやり込んで迎えたライブだったんじゃないかと思います。 コショージ　１回目のワンマンは最終的にはソールドアウトになりましたけど、ギリギリまでチケットが余っていたんで、今回も不安だったんです。そうしたら即日ソールドアウトになって、「えっ、どこにそんなに沢山来てくれる人がいたんだろう？」と思いました。矢川　みんな今までどこにいて……。井上　何をしていたんだろうって（笑）。 ――自分たち自身では、人気の広がりは実感していなかったんですか？ コショージ　まったくしていなかったですし、今もないですよ（笑）。和田　だから、「いつもアイドルのイベントに来てくれている人以外の、私たちのことを好きでいてくれている人たちがどこに隠れていたんだろうね」と思ったんです。 ――今回、その様子を収めた初の映像作品『Solitude HOTEL 2F+faithlessness』がリリースされますね。まずは、自分たちのライブが映像作品になったものを観て、どんな風に感じました？矢川　「照明がこんなことになってたんだなぁ」というのはライブをしているとなかなか分からないので、今回観て初めて気づきました。

和田　「ここでキメ顔をしていたのに、めっちゃ暗いやん！」とかもね（笑）。 コショージ　すごく集中していたのかもしれないですけど、やっているときは本当に一瞬に感じていたんですよ。だから、映像を観て思い出して「ああ、このときこういうことをしてたなぁ。」って思ったりもして。次ページ和田「メンバー４人がいて成り立つものなんだな、ということはすごく感じます。」

【インタビュー】音楽的魅力×アイドルの魅力＝Maison book girl。歌、ダンス、映像が融合する彼女たちのライブとは

約2年半振りとなるオリジナルアルバム『プリズナー（Prisoner）』を2月17日（金）に世界同時リリースするライアン・アダムス（Ryan Adams）。最新作のリリースを前に、2016年12月には新木場スタジオコーストで待望の初単独来日公演で日本のファンを魅了した。 1994年にオルタナティブ・カントリーバンド、ウィスキータウン（Whiskeytown）を結成し3枚のスタジオアルバムをリリース。その後、バンドを脱退しソロ活動に移行すると多作家として才能を存分に発揮！　ソロデビュー作『Heartbreaker』（2000）から『Gold』（2001）、『Cold Roses』（2005）、『Ryan Adams』（2014）など多くの名盤を世に送り出してきた。また、オリジナルアルバムの他にも、カントリー、パンク、ロック、フォーク、メタルなど幅広いバックグラウンドを持った彼はカバー曲にも定評があり、オアシス（Oasis）の名曲“Wonderwall”をカバー、テイラー・スウィフトの『1989』に至ってはアルバムごとカバーしている。楽曲をカバーされたノエル・ギャラガーやテイラーからも好意的な評価を得た。そんな、多作家で広大な音楽的背景を持つライアン・アダムスが最新作『プリズナー』をリリースする。ほとんど一人で行ったというレコーディングから、離婚を含めた人生経験を通して生じた変化までを語っている。是非、インタビューを読んで、最新作『プリズナー』に込められたものの片鱗に触れてほしい。

text by Qetic・Ryosuke Suzuki

Interview：ライアン・アダムス

——ようやく実現した単独の来日公演でした。あなた自身、東京でのショウは楽しめましたか？ 最高だったよ。I loved it！！　自分が日本語を読めないせいもあるかもしれないけど、英語ってすごく平坦な感じがするけど日本語の文字は色々あって、起伏がありとても美しいよね。 ——同じ話を、初めて会った時にもしたのを思い出しました。今から15年前ですけど。私のノートに興味津々で。曲のタイトルはどう書くの？　とノートを覗き込んだのに、私が曲名を英語で書いていたから、あなたはがっかりして……。そうだっけ？　失礼なこと言ってたら、ごめんね。 ——いえいえ、面白いなぁ、という話ですから。さて、今回ツアーのメンバーが一新されましたね。 全く新しいメンバーだよ。まだごく初期段階。一緒に演奏を始めて2ヶ月くらいかな。以前のバンドのメンバーは、子供が生まれたり、マイク（・ヴァイオラ）はもうレーベルの人間になっちゃったりしたからツアーはできない。でも僕は“バンド”を続けたかったからね。ネイト（・ロッツ）は知っていたんだ。ホールジーのバンドにいたりして。ベニー（・ユルコ／Gt.）とベン（・オールマン／Key,）はグレイス・ポッターのバンドにいて。お互いにみんな知り合いだった。ツアーって大変なんだよ。演奏する曲を150曲くらい覚えなくちゃいけなくて、そのリストを渡した時、みんな「うわぁ」って言ってた（笑）。 ——新作『プリズナー』のレコーディング自体は、ほとんど一人でやったと聞いています。 最初は、ニューヨークのエレクトリック・レディ・スタジオで始めたんだ。前回のツアーの最後の方は、2週間ごとにブレイクを取っていたんだ。バンドは家に帰してあげて、僕はスタジオに入った。ロサンゼルスに自分のスタジオも持っているけど、別の場所でやる必要があったからね。そこで曲を書き、レコーディングして、自分が目指すもののコアができたかなと思ったから、ロサンゼルスに戻って完成させたんだ。 Ryan Adams - Do You Still Love Me?

Ryan Adams - To Be Without You (Audio)

——別の場所でやる“必要があった”というのは……。 離婚問題の真っ只中で……同じ町にいるのも嫌だったし、同じ通りを見ることすら避けたかったんだ。全く別の場所に行きたかった。世界における自分自身を、違う視点で見るためにもね。別に不幸せだったわけじゃないよ。ただ、ニューヨークには前に住んでいたこともあるし、あそこに戻るのがいいんじゃないかと思えたんだ。あのスタジオ（エレクトリック・レディ）には、（元妻との）婚約の１週間前までいたんだよね。これはまったくピュアなアクシデントなんだけど、今回の旅って、あの時と同じ行程なんだよ。僕達はシドニーで婚約して、そこから日本に来たんだ。今回のツアー行程と同じ。世界ってやつは、まったくおかしなことをしでかしてくれる（苦笑）。 ——二人でマイク・ヴァイオラのライブを下北沢に観に行った時ですね。 そう。あそこで初めてマイクに会ったんだ！　泊まったのも、このホテルだったな（苦笑）。 ——新作はまだ１回しか聴いていないのですが、生々しい感情、たとえば、悲しみや苦しみや寂しさが、湧き出た泉のようなアルバムで、この先、それらの感情がどこへ行くのか見届けたいという思いにかられるような、そんな感想を持ちました。その表現、すごくいいね。アリガト。正直になることを、自分に許したんだ。離婚というのは誰にとっても辛い、よくわからないミステリアスなもの。でも、そこから美しく、意味のあるものをクリエイトして、自分が救われなければ意味がないと思うんだ。こういう感覚を経験するのは、大人として当たり前のことなんだ、みんなが経験していることなんだ、と思うようにしたよ。 ——以前、あなたに「曲を書くことで気持ちは癒されますか？」と聞いたことがあります。その時にあなたは「癒されない。曲を書くことは一緒に哀しんでくれる友達を作るようなものだ」と答えてくれました。そのスタンスは年を経て変化しましたか？当時は、そう思っていたんだろうね。今は……（すごく考える）。人生は駅みたいなもので。各駅には人がいて、電車が来るのを待っている。音楽は、やって来る電車のどれに乗るかを選ぶようなものなんだ。目的地という名の感情が、どの感情なのかを自分で選ぶんだ。電車に乗っていく旅が長いか短いかはわからない。でも、最終的には行って、また帰ってくるんだと思う。同じ駅にね。 ——曲作りがそういうものである、と？　それとも今の話は音楽そのもののことですか？ 音楽って、すでに起きていることの抽象的なヴァージョンなんだと思うんだ。E.T.みたいな宇宙人がやってきたとして、耳もない。その異星人たちにどうやって曲を説明する？　それは、愛を説明するのと同じで、手には触れられないコンセプトであって、でもそれは人間みんなの中にあって、自分の中のヴォリュームを誰かが上げてくれたら、もっとよく自分の声が聞こえるということ。 ——なるほど。今も日常的に曲は書いていますよね？ ほとんど、常に書いているよ。次ページ最新作『プリズナー』に込められた思いとは？

【インタビュー】ライアン・アダムス欲望に囚われた心を解き放つ最新作『プリズナー』に込めたものとは

2月18日（土）より、映画『みうらじゅん＆いとうせいこう 20th anniversary ザ・スライドショーがやって来る！「レジェンド仲良し」の秘密』が公開となった。これは様々な分野で幅広く活躍するイラストレーターのみうらじゅんさんと、作家・タレントのいとうせいこうさんが1996年から始め、昨年行われた第13回で20周年を迎えたイベント＜ザ・スライドショー＞の軌跡を、過去のイベント映像や本人のインタビュー証言などで、お二人の出会いから追ったドキュメンタリームービー。＜ザ・スライドショー＞は、みうらさんが集めた「これは面白い」と思われる写真を、お二人の相棒であるスライドプロジェクター“スライ”でスクリーンに投影、それにひたすらいとうさんがツッコミまくるという、何ともシュールなイベント。しかしこのイベントが20年も続き、さらにこうしてドキュメンタリームービーとして公開されることとなったのは、何かお二人の関係やショーで披露されるボケとツッコミの構図、そしてイベント自体に大きな秘密がありそうです。今回はみうらさんといとうさんに、この映画で描かれたものへの思いや＜ザ・スライドショー＞の真実を、インタビューよりさらに深く語っていただきました。

Interview：みうらじゅん＆いとうせいこう

面白かったらいい、面白くなかったら困る。この映画にあるインタビューは、その変遷があるんです（みうらじゅん）

——完成されたものを見た感想はいかがでしょう？　20年もの軌跡というと、ちょっと照れくささみたいなものもあったのではないでしょうか？ みうらじゅん（以下、みうら）　確かにね。時系列から考えると、当然若いころのものはすごく恥ずかしいだろうな、と（笑）。でも一方で、このイベントは始めて20年の歴史がある。それをちゃんと時系列でネタやトークなんかもうまくはめ込んでいるんです。だから全体を通して自分が逆に気が付かなかった、節目、節目を改めて知りましたね。 いとうせいこう（以下、いとう）　最初にこの企画を聞いたときは「そんなものをやってどこが面白いんだ？」って二人で言っていたんですよ（笑）。でも基本的にはドキュメンタリーフィルムって面白いからね、自分を自分のことじゃないように見ちゃう。“あっ、この二人がこんなこと考えていたんだ”って。例えばみうらさんのことは、俺は全くインタビューで何をしゃべっていたかは知らないから、「みうらさん、こんなことを考えていたんだ。」とか、逆に「みうらさん、同じこと考えていたな。」とかいう風に見るわけです。しかもそれを笑いにして「“ボケ部分”のほうは、センスでこういう風に考えるんだ。」という風にも拡大解釈できるし、見方がいろいろある感じだったので、「これは僕じゃない人間が見ても、きっと面白いんじゃないか。」と思いましたね。そういう印象がありますね。 ——映画を拝見しての印象ですが、若干みうらさんからいとうさんへの愛情的な雰囲気を感じたんですけど、それを受け取る側としてはどのように……？ いとう　いや、「また始まった」って感じ（笑）。病気がまた始まったな、前よりひどくなっているというか（笑）。 みうら　治らないですから（笑）。 いとう　そこがまたみうらさんの面白いところ。まあ昔は男が女の人にあこがれるという体制だったけど、今は女性がどう見るか？　女性の感覚から見たら世の中こうなんだ、ということに対してみうらさんが代弁者になってきているから、そこはやっぱり面白いなとも思う。みうらさんを単体でずっと追いかけて、20年も見ていたら面白いですよ、絶対。でも普通に一人の人を20年も追えないでしょ？　だけどこういうやり方で、みうらじゅんという人を追うということが可能なんだと思いましたね。で、これからはどうなっていくのかなという意味の面白さもあったな。なるほど、面白かったらいいな、って。 みうら　まあ結論、面白かったらいい、面白くなかったら困る、に尽きますから。この映画にあるインビューは、その変遷でもあるんです。いとうさんがいうように、俺は、もとはツッコミの人間なので、そのネタに対して分かっている上でボケているんです。それをこの映画で秘密が明かされてしまったから、今後はどうしようかな、という感じなんですけども（笑）。このショーはアドリブでやっているけど、実は頭の中の、相手のツッコミ、ボケ、読み合いを繰り広げる緻密で熾烈な将棋。思い起こせば、当時は「今後いとうさんとの立ち位置をどうしていくか」とかいうことを話したこともあります。実はやっていることはアドリブなんですけど、そのあとよく調整をやってきまして。敬語はやめよう、とか。 いとう　そうそう、強めに突っ込んじゃったほうがいいのか？　いや、強めにボケたほうが面白いんじゃないか？　とか、しゃべり方はこうじゃないか？　とかね。

僕がもう突っ込むこともできずに笑いころげちゃうときが、いうなれば僕のボケでもある（いとうせいこう）

——なるほど。今みうらさんがもともとツッコミの人間という話がありましたが、その意味では例えばみうらさんがいとうさんにツッコミたいとか、逆にいとうさんがボケたいという欲求はなかったのでしょうか？ みうら　いや、それも一時はあったんだけど、無駄でしたね。 いとう　俺が恥ずかしがる写真をみうらさんが手に入れて（笑）。中学のときに、通信空手のテストのためにだけ撮った写真を入手していたんですよ。 みうら　そう、イガグリ坊主の写真だったんだけど。でもよくよく考えると、俺も通信空手をやっていたから、それを笑える立場じゃなかったんだよね（笑）。 いとう　あと、お客さんから見ても、遠近法が分からなくなっちゃうみたい。一応、僕の理性を通してみうらさんを理解しようと思っているのに、俺が狂っちゃうことによって、見方が分からなくなっちゃうらしい。 みうら　このショーはあくまでいとうさんの目を通して見るショーですから。

——なるほど。そういう取り決めが自然にできているのは不思議ですね。 いとう　うん、不思議。でもみうらさんがあまりにも面白いものを出して、僕がもう突っ込むこともできずに笑いころげちゃうときは、いうなれば僕のボケでもある。で、みうらさんの勝ち。まあボケ勝ちというのか何というのか、でも本当はツッコミだよね。そういう瞬間ってときどきあるんですよ。 みうら　でもね、結構頻繁にころげられると困る。次は舞台から落ちてもらうしかないから（笑）。でもまあこれまでやってきたものに、勝ち負けは存在しない、それはよかったなと思っています。「俺がこれだけ集めてきたからすごい」みたいなことはないし、それをみんなで共有してお客さんが笑う、というショーだから。自分なんて逆になくたっていい、おかしければいいわけなんですよ。 いとう　でも話の中でみうらさんが寅さんみたいに“あいつもいいこと言うな、たまには”みたいにね（笑）。そういわれているけど、次にはもうひっくり返っている、みたいな感じだよね（笑）。 ——それでは、あくまで先にいとうさんがバン！　と先に出ることはないということなのでしょうか？ いとう　うん、そうですね。みうらさんのネタがあって、それを利用して笑わせるから、僕が主導して笑わせることは構造上できないんです。「いとうせいこう×みうらじゅんザツダン！」（文化放送）という僕がやっているラジオ番組があるんだけど、僕が「ワーッ！」とこのごろ思っていることを言って、みうらさんが返してくる、ということはやっているけど、スライドショーだとまず一枚カードが出て”いとう、どう思う？”というところから始まるから。 みうら　こっちが“どうよ？”だからね。それに対していとうさんが“いいね！”と言うか“集めんなよ！”と言うかどっちか（笑）。お笑い広しといえども「集めんなよ！」ってツッコミ、聴いたことないよ（笑）。 いとう　そう。だけどみうらさんが思っていることが、違う方向に主導していくこともあるんですよ。例えば道路の写真を見て「この影は何だ？」「道路が汚い」とかね。そうなると、それはみうらさんのせいじゃないから、その時点でみうらさんはオロオロし始めて（笑）。でもそこで面白いのは、みうらさんの正論。「だって、俺の道路じゃないもん。」なんてことは絶対言わない。そこは笑いの分かっている人のやり方で、「いや、だけど……。」と道路の気持ちになってみたり。そういうところに面白いボケが生まれるんですよ。 みうら　長年やってて、そうなるようになったんだけどね。本当に第1回、2回目なんかは探り探りだったんです。それができるようになってきた。その過程を表したのが、この映画”レジェンド仲良しの秘密ですから”（笑）。

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【プレゼントあり】みうらじゅん＆いとうせいこうインタビュー。20周年を迎えた超シュールなイベント『ザ・スライドショー』その真実とは？

麗しの美女ドラムヴォーカリスト、シシド・カフカさん。近年は『ファースト・クラス』川島ナミ絵役や『視覚探偵　日暮旅人』増子すみれ役など、ドS系キャラでのドラマ出演でお茶の間でもよく知られています。その他、映画や教育番組への出演などさまざまな活動をされていますが、あくまでも彼女の活動の軸は音楽。そんな彼女の新ミニアルバム『DO_S（読み：「ドゥーエス」）』が2月22日（水）にリリースされました！　本作は、カフカさんの一人芝居という試みを取り入れたライブツアー＜Theatre Kavka『DO_S』＞を経て制作されたもの。シシド・カフカ流“若者への応援ソング”をテーマに新曲6曲を録り下ろし、パッケージ化されています。注目すべきはそのメッセージ性の強さ……な・の・で・す・が！　新作発売が明らかになった際に公開となった“タチアガレ”のMVが強烈すぎて、みなさんにもぜひ見て欲しいっす！！　ソース顔なんてもんじゃない顔面濃すぎな怪しいおじさんがリップシンク＆踊り狂っているという……。 シシド・カフカ「タチアガレ」MV／Short Ver.

そこで、今回編集部はカフカさんのジャーマネにも協力していただき怪しいおじさんの情報を入手、取材へとこぎつけました！　事前に明らかになったのは、怪しいおじさんは俳優の広瀬圭祐さん（31歳）ということ。想像以上の若さに驚きつつも、いざ対面。今回のMVの撮影裏、カフカさんへの印象、そして広瀬さんについて聞いてみました！

Interview：広瀬圭祐 aka “タチアガレ”の怪しいおじさん

実はダンスもリップシンクも苦手だった

——本日もMVと同じ格好で取材させていただきますが、今回はなぜこの衣装で挑んだんですか？ 今回は“この曲を一番表現できた面白い人”が採用されるというオーディションだったんです。マネージャーさんから事前に「ちょっとダサいイメージのファッションで来ると良いよ」とアドバイスをいただいて。そこで、東京に上京した18の時に初めて買った思い出の縞々のシャツとデニムで挑んだんです。自分ではダサいとは思っていないのですが、はたから見たらダサいらしいので……。 ——オーディションはどのような形式だったんですか？ 今回はアメリカのダンサーのオーディションのような形式で、その日に出演者が決まってそのまま撮影し、それが実際に使われるような流れだったんです。10名ほど応募者がいて、そこからまずは3人に絞られていったのですが、周りにダンサーさんっぽい格好をしている方もいたので勝てないのではないかと思って……そこで、誰からやるか決める時に最初にやると立候補したんです！　ダンサーさんには勝てないから、一発目に見せないと僕みたいなダンス素人はダメだと思って。でもみなさん上手くて絶対ダメだと思って、生きた心地がしなかったです。 ——どのようにあのダンスは生まれたのですか？ 今回はアドリブで好きに踊って欲しいということだったので自由に踊っていました。途中でシャツのボタンがパチンって外れてしまったりして。ただ、１回目のテイクを踊った後、ちょっと激しすぎるので抑えて欲しいとリクエストがあったので、激しい部分もありながらも少しクールにしてみました。自分のなかで、クールってなんだ？　って迷ったんですけどね（笑）。 ——ふだんからダンスはしていますか？ 実は、もともとダンスは苦手だったんですよ……かっこよく見せたくって。でも、Bear Knuckle（ベアナックル）というプロのダンスチームのメンバーと交流があって、「遊びにこいよ」って誘われたので参加してみたんです。で、適当に曲かけるから踊ってみてって言われた時に、今回のようなことをやってみて。こんな風に踊りたいっていうイメージはあるんですけど、もうよくわからないから音に任せてからだを動かしてみようと思ってやってみたら、すごい評価をされて。「お前のジャンルはコンテンポラリーなのか何なのかよくわかんないけどそれいいよ、面白いよ」って。その時に、感じたまま踊れば誰もなにも言わないって気づいて。過剰な反応をしてたんですよね、踊りとかカラオケとかに。上手に歌いたいとか、かっこよく見られたい、モテたいってずっと思っていたんでしょうか。でもそういうことじゃないなって。オンリーワンでいいんだよ、ナンバーワンじゃなくていいじゃん、オンリーワン……。誰もなにも言わないし、（かっこ悪いかもって）思っているのは自分だけであって、自分が感じたままに絵でもお芝居でも表現したらそれを喜んでくれる人がきっといるから、そういう自分を好きでいてほしいなって。自分自身も好きになれましたし。 ——リップシンクはいかがでしょう？ カラオケとかも苦手ですし、リップシンクもしたことなかったです。でも、今回の現場に行ったら不思議と歌詞が出てきたんですよね！　曲がかかると歌詞が出てくるっていうんですかね。この曲の歌詞をリップシンクしてそれを非常に感じて、ビックリしました。 ——最後のカフカさん登場シーンはご存知でしたか？ いえ、知らなかったので、１回目のテイクの時に僕は写ってはいけないと思って逃げちゃったんですよ。で、その後に「いやいや逃げないでそのままいてください」って言われて。でもそのシーンの時は本当にどうしたら良いかわからず、カフカさんをチラチラ見ながらで。カフカさんと一向に目線が合わず、もう完全にテンパってましたね（笑）。

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シシド・カフカ“タチアガレ”のMVでリップシンク＆ダンスしている怪しいおじさんをインタビュー

モデルとしては『mina』『mini』『Soup.』など、数多くのファッション誌で活躍。また、Aimerの“カタオモイ”、KANA-BOONの“ランアンドラン”やMy Hair is Badの“真赤”、などでも独特の透明感とアンニュイな存在感で注目を集めている武居詩織さん。人気若手バンドのミュージックビデオに続々抜擢されている彼女自身もかなりのミュージック・ラバーで、今回は「2017年、さらに注目を集めそうなアーティスト」をテーマに洋楽・邦楽問わず10曲をセレクトしてくれました。武居さん自身のミュージック・ライフも垣間見えるインタビューなので、お見逃しなく。

Interview：武居詩織

“小さい頃から音楽は家で流れているものだった“

——雑誌のタイプもファッションのスタイルもいろいろだと思うのですが、撮影の時に音楽でスイッチを切り替えたりしますか？ そうですね。撮影に向かう電車の中では必ず音楽を聴いたりしていますね。「じゃあ今日はクールな感じだから、その前にかっこいいのを聴いて気分を盛り上げて行こうかな」というのはあります。 ——そもそも日常的に音楽を聴き始めたきっかけは？ 実は母がピアノの先生をしていて、小さい頃から音楽は家で流れているものだったんです。それで小学生の時一番最初に買ったCDは宇多田ヒカルさんの“Travelling”。それから中学校の頃にBUMP OF CHICKENとかから始まって、いわゆるロキノン系みたいなのを聴きだしたのがバンドにハマったきっかけかと思いますね。 ——先日「フジロックの早割が取れた！」とツイートしていましたね。洋楽もずっと聴いてるんですか？ ＜フジロック＞には19歳の時から毎年行っています。最初に行った年アトムス・フォー・ピースの演奏がすごすぎて、洋楽って規模が違うんだなと思って。そこから洋楽にすごいハマりました。 ——今回は「今年注目のアーティスト」というテーマでプレイリストを作っていただきました。 出始めの人ってまだそんなに登録されてなさそうだったので、若干知られてはいるけど、今年またいろいろ人気が出そうかな？という基準で選びました。 ——まずNulbarichの中でも明るいタイプの“NEW ERA”。 最近Suchmosがすごい流行ったじゃないですか。メンバーが94年生まれ頃がベースだと思うんですが、その世代はちょっと洋楽意識というか、今までのバンドっぽすぎないというか、そういう感じの流れがきてるなと思いますね。 Nulbarich – “NEW ERA” ——次は武居さんがMVに出演してらっしゃるMy Hair is Badの“真っ赤”。 私のインスタとかツイッターにも「“真っ赤”のミュージックビデオを見て知りました」って人が本当に多くて。元々すごく知っていたバンドで出たわけじゃないんですけど、（MVに）出てからライブを見に行った時に、ギターをかき鳴らしながらその時思ったことを歌いながら言ってるようなMCがすごい伝わってきたし、歌詞も今までないような直接的なものだったり。みんなどこかしら持っていてうまく出せなかったものをなんでも出しちゃうタイプの人だから（笑）、それが今の時代の若い人に刺さるんじゃないかなと、これからも期待しています。 My Hair is Bad – “真赤” ——そしてyahyelのメンバーもいるDATSについてはいかがですか？ 元々yahyelが好きで、——私、きなりちゃんと仲がいいので、一緒にライブに行ったりしていて、メンバーに「DATSも今度きてよ」って誘われていて気になっていたら、ちょうどLUCKY TAPESも所属する〈Rallye Label〉に移籍したというのを聞き。LUCKY TAPESも去年、フックアップしたレーベルなので、DATSも今年すごく人気が出るだろうなと思っています。 DATS – “Candy girl” ——そしてiriさん。女性アーティストですね。 iriさんのアルバム『Grrove it』と私がジャケットになっているLUCKY TAPESの『MOON』を撮ったカメラマンが、小林光大くんっていう同じ子で。彼経由で知ったんです。iriさんはポップ過ぎないし、またおしゃれにも寄り過ぎてない絶妙なラインなので、ジャンル問わずいろんな人が聴けると思います。 iri – “ナイトグルーヴ” ——Creepy Nutsはどんな出会いですか？ きなりちゃんの影響でヒップホップも積極的に聴くようになったのですが、以前はヒップホップというとゴリゴリなイメージが強かったけど、今はヒップホップルーツでやってる人のバンドとかがポピュラーな感じになってきたというか。それを今年さらにポップなものにしてくれそうなのがCreepy Nutsかなと思います。ヒップホップってやっぱりリリックがすごいじゃないですか？言葉の選び方とか。彼らは特に、ちゃんと軸があってやっている感じがしますね。 Creepy Nuts – “合法的トビ方のススメ”

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【インタビュー】武居詩織 2017年、さらに注目を集めそうなアーティスト

Interview：ホセ・ジェイムズ

Live Your Fantasy収録最新作！次ページ「R&Bの世界にいまだに残る女性蔑視的な部分を極力排除しようと思った。」

【インタビュー】ホセ・ジェイムズ慣れ親しんだジャズから現代的R＆Bの地平へ。最新作『ラヴ・イン・ア・タイム・オブ・マッドネス』を語る。

現代のエレクトロニック・ミュージック・シーンの中でも、若手の代表として互いに高い人気を誇るアメリカのポーター・ロビンソンとフランスのマデオン。彼らはそれぞれ別々の地で育ちながら、10代前半からインターネット上の掲示板を通して親交を深めてきた10年来の親友でもある。そんな２人がタッグを組んだ楽曲“シェルター”に、お互いの代表曲や中田ヤスタカらによるリミックス、MV『シェルター・ジ・アニメーション』のBlu-ray、キー・ビジュアル・フラッグを加えた日本限定アルバム『シェルター：コンプリート・エディション』は、１枚で彼らのコラボレーションの全体像が把握できる作品。MVではアニメ好きとして知られるポーターの最愛の作品『あの日見た花の名前を僕達はまだ知らない。』や『アイドルマスターシンデレラガールズ』などで知られるA-1 Picturesが制作を担当し、娘を避難用シェルターに託した父と、それを気付かずに育った娘との時を超えた親子愛を、短編映画のような素晴らしいアニメーション作品に仕上げている。今回はその楽曲をライブの現場へと連れ出す＜シェルター・ライブ・ツアー＞で日本を訪れた２人に、一連のプロジェクトのテーマと、10年を経てひとつのプロジェクトに結実した２人の友情について聞きました。

Interview：ポーター・ロビンソン＆マデオン

PHOTO GALLERY大きなサイズの写真を見る ——２人のコラボレーションによって完成した“シェルター”は、オンラインでデータをやりとりするのではなく、ポーターがマデオンのいるフランスのナントに向かい、実際に顔を突き合わせて作業を行なっていますね。 Porter Robinson & Madeon - Shelter

マデオン　僕らが知り合ったのはもう10年も前だけど、今回はお互いにデビュー・アルバムを出したタイミングで「互いの共通点を見つけて、僕らの友情を祝福しよう。」と思ったんだ。だから、今回のプロジェクトでは同じ空間にいて、その雰囲気をシェアすることが何よりも重要だった。それでポーターがヨーロッパ・ツアーに来たときに、僕が生まれ育ったナントの実家にやってきたんだよ。そこは竹が生えた庭に囲まれていて、すごく落ちついたアットホームな場所でね。その居心地のよさから「家族」「ホーム」「親から子へと受け継がれていくもの」というテーマが出てきた。２人で沢山のことを話したよ。 Porter Robinson - Sad Machine

Madeon - Nonsense ft. Mark Foster

ポーター　もともとMVのアニメーションと楽曲はそれぞれ別のプロジェクトとして作られていて、アニメーションの制作の方が先にはじまったんだよね。僕に（海外のアニメ配信サービス）クランチーロール（※日本のアニメ・ドラマ・漫画などのコンテンツを提供する配信サービス、およびそれを運営するアメリカの企業）から「よかったらアニメを作らない？」と誘いがあって、そのアニメを作っている最中に“シェルター”の楽曲が出来上がってきて……。その２つのテーマが偶然マッチして、それがMVでひとつになったという感じなんだ。 Monstercat Label Showcase Toronto: Porter Robinson (DJ set)

▲『ゼルダの伝説』シリーズの楽曲やClariS“irony”など日本のゲーム／アニソンを混ぜたDJセット。

i took this video at the first voiceover session for shelter. can't describe the chills i felt hearing misawa's voice for the first time :') pic.twitter.com/aG5yQa4P1W
— porter robinson (@porterrobinson) 2016年10月23日

@porterrobinson Twitterより ▲凛役の声優・三澤紗千香による「シェルター」のアフレコ風景。

次ページダフト・パンクからの影響を語る！

※このコンテンツは「Qetic - qetic.jp」で公開されている記事のフィードです。
オリジナル記事：【インタビュー】ポーター・ロビンソン＆マデオンダフト・パンクからの影響、2人の友情が結実した『シェルター』へ至る道程を語る。

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